发现中国画的秘密中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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店铺：中信出版社官方旗舰店

出版社：中信出版社

ISBN：9787508667805

商品编码：11088310441

品牌：中信出版（Citic Press）

包装：平装

丛书名：艺术公开课

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：纯质纸

页数：144

具体描述

产品特色

编辑推荐

★系统梳理——快速了解中国画全貌

从东晋顾恺之到现代徐悲鸿，历代大师逐个盘点。

无论清明上河图、千里江山图、富春山居图等传世名画，还是梵像图、江行初雪图这样的艺海遗珠，一网打尽。

★有趣易懂——一口气读完读懂中国画

划重点、讲故事，帮你迅速get每位大师的独特风格。

有对比、有联系，助你轻松记忆历代名画的闪光亮点。

★视觉盛宴——极力再现大师作品原貌

海量高清大图，反复调色，特种纸印刷。

锁线装订，书籍可以完全平摊打开，图片细节一览无余。

内容简介

人物画里的人们为何有大有小？花鸟画里怎么还有平平常常的萝卜白菜？山水画里的人儿为啥都那么小？画里的桌子为什么是近小远大？展现贵族仕女身份的竟是巴儿狗和纨扇？放大历代名画的迷人细节，发现传承千年的秘密。头条学院人气爆棚的中国艺术普及课实体书，《发现中国画的秘密》专为大众读者写作的中国画入门读物。用有趣的故事、轻松的笔调，助你一口气读完读懂中国画。

作者简介

曾孜荣，中信美术馆执行馆长，前今日美术馆副理事长，长期致力于中外艺术的普及、教育及出版工作。其讲座主要面向普通大众开设，风格简练优雅，睿智而易听易懂，引人入胜。

内页插图

前言/序言

……当今中国确实遇到了一个千载难逢的“文艺复兴”之机遇，爱慕美术的朋友越来越多。而且大家似乎都有种感觉，以前脑海中关于美术的记忆，西方的大师、名画占据了太多位置，而对于我们华夏民族的美术印象，多少有些暗淡与模糊……

以我个人经验看，这个问题的产生，很可能是因为中国绘画的尺幅，常常是比较长的卷轴，不仅不便于公开展览，即使印在书上，图像也要缩小很多倍（远小于西画在一般图书上所能呈现的画面比例），于是，那些美丽的细节、精彩的笔触，常常都变得浑浊不清、微而不见了。

也有一部分朋友对中国美术有偏见，经常说中国绘画不就永远是一样的山水、人物和花鸟吗？三个词就给概括了。事实真的是这样么？其实，听过讲座的朋友，一路观看画作的局部细节下来，都在反馈说，原来每个时代的中国画大师，都在不断的开拓创新，从未停歇呢！

因此，当“今日头条”的朋友，邀我在互联网这个全新的平台上再次讲座“宋画的故事”与“极简中国美术史”之后，为了便于听众回顾温习，更为了帮助没有听到讲座的朋友了解中国绘画，我又鼓勇自己不揣浅薄出版了这两本小书。

需要声明的是，这两本小书的内容与其说是什么艺术理论，不如说是一些zuizui基础的普及知识。我们不过是通过放大局部的图像，发现了更多中国绘画的迷人细节。

在资深的同行看来，其中的一些说法或早已耳熟能详，或似是而非尚须严谨讨论，希望同行们多多宽容和赐教。

唯yi的愿望是，可以帮助不太了解又很好奇中国绘画的朋友，建立一份民族的自信心——中国绘画并不比西方绘画逊色！打个比方，就像中国菜和西洋餐，做得好的，都很好吃，都有很丰富、很美好的营养。

果能如此，幸何如之。

沉浸式探索：西方视角下的中国古典艺术与哲学图书名称：图像的史诗：从符号到精神的中国视觉文化之旅出版社：商务印书馆字数：约 1500 字 --- 内容简介：图像的史诗：从符号到精神的中国视觉文化之旅本书并非对既有艺术史的简单梳理，而是一次深度潜入中国古典图像世界，旨在解析其背后蕴含的哲学思辨、社会结构和生命哲学的外延性研究。我们聚焦于那些被时间洗刷却依然鲜活的视觉文本——从汉代的画像砖到宋元山水画的笔墨精神，从明清文人园林的设计逻辑到民间戏曲脸谱的符号系统。第一部分：物象的解码——从实用到象征的演变本部分探讨中国艺术的物质基础与符号起源。我们首先考察新石器时代陶器上的几何纹样，追溯其如何从巫术性的祈愿符号，逐渐演化为后世青铜器上饕餮纹的威严秩序。重点分析了“礼器”概念在早期文明中的核心地位，以及这种对“形制”和“规制”的执着如何渗透到后世所有艺术门类的创作原则中。我们详细剖析了“山水”意象的文化构建过程。中国山水画的兴起并非偶然，而是与魏晋玄学中“天人合一”思想的兴盛紧密相关。本书摒弃将山水画简单视为风景写生的观点，而是将其视为一种“心性之境”的投射。通过对顾恺之“以形写神”论与宗炳“卧游”思想的对比分析，揭示了古代文人如何通过对自然形态的抽象与提炼，构建出一个超越物质存在的精神家园。山峦不再是地理实体，而是“龙脉”与“气”的具象化表达；流水不再是水文现象，而是“道”的无常与绵延的隐喻。特别关注了“界画”这一门类，它代表了中国艺术中对“格物致知”的理性追求。对建筑、舟船等精确描绘，显示了古代匠人与士大夫阶层对世界秩序的强烈掌控欲，这种理性精神与后期的写意浪漫主义形成了耐人寻味的张力。第二部分：笔墨的本体论——时间、空间与存在的哲学笔墨，是中国艺术区别于西方绘画体系的最核心密码。本书超越了对笔墨技法（如皴法、点苔）的描述，而是将其提升至本体论的高度进行探究。我们探讨了“线”的哲学意涵。在中国传统观念中，线不是边界，而是“气”的流淌路径。一笔之出，关乎呼吸、心率和对时间流逝的把握。通过对唐代书法大家（如颜真卿、怀素）作品的深入解读，我们论证了书法如何成为“立身之学”。笔法的提按顿挫，被视为一个人道德修养的外化。随后，这种对“气韵生动”的追求如何反哺到绘画中，使得山水画的“留白”不再是空白，而是“未形之形”——一种对无限可能性的预留，对“无”的肯定。本书用较大篇幅分析了中国绘画中对时间感的独特处理。与西方油画捕捉“瞬间”不同，中国画，尤其是长卷，是通过空间叙事来呈现时间维度。观众的视线移动，实际上是与画中人的时间进程同步。这种叙事策略，深刻反映了中国文化中对历史连续性和代际传承的重视。第三部分：文人性的构建——审美趣味与社会角色的重塑文人阶层是中国古典艺术最主要的推动力和最终解释者。本部分考察了“雅”与“俗”的文化边界是如何被界定和维护的。我们详细分析了“四君子”（梅兰竹菊）的符号意义。它们并非简单的植物描绘，而是士大夫在宦海沉浮中用以自我激励和保持精神独立的外化象征。梅之傲骨、竹之虚心、兰之幽雅、菊之隐逸，共同构筑了一套精致的精神防御体系。此外，本书引入了社会人类学的视角，审视了“藏书楼”与“书房”的建筑空间学。这些空间不仅是物质的储藏所，更是身份的剧场。书房内的陈设，从古玩、插花到家具的摆放，无一不服务于一种精心编排的“隐逸”表演，用以向同侪展示其学识的深度和对世俗的超脱。最后，我们探讨了明清时期，版画技术进步对图像传播的影响。套色版画的普及，使得原本高度私密和精英化的艺术语言，开始向更广大的市民阶层扩散，这催生了新的视觉语法，例如对世俗故事和风俗场景的描绘，也标志着传统审美核心的微妙松动。结语：在图像的迷宫中寻找“道”的踪迹本书旨在引导读者穿越表象，抵达中国古典视觉艺术的核心——那种试图在有限的画布上捕捉无限宇宙的宏大企图。我们试图证明，理解中国艺术，即是理解一种看待世界、处理时间、安顿自我的独特哲学路径。它是一种关于平衡、辩证和内在和谐的史诗，其价值超越了单纯的审美愉悦，直指人类经验中最本质的追问。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳中带着一丝古典韵味的感觉，光是捧在手里就能感受到它蕴含的厚重历史感。内页的纸张质感也非常考究，印刷色彩饱满而又不失细腻，即便是对色彩敏感的读者，也能从中体会到印刷者对艺术的尊重。我特别喜欢它在排版上的匠心独运，文字与留白的平衡处理得恰到好处，使得阅读过程成为一种视觉上的享受。很多专业书籍往往为了塞入信息而牺牲了阅读体验，但这本书显然在这方面下了大功夫，让人在吸收知识的同时，也能感受到一种宁静和专注的力量。每次翻开它，都像是在进行一场精心准备的展览参观，每一个章节的过渡都衔接得自然流畅，引导着读者的思绪一步步深入。这种对物理形态的极致追求，无疑提升了整本书的收藏价值，绝非市面上那些粗制滥造的读物可以比拟。它不仅仅是一本书，更像是一件可以长期珍藏的艺术品，摆在书架上本身就是一道风景线。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提到这本书的结构安排，它展现出一种近乎严谨的逻辑美学。全书的脉络并非简单的年代顺序堆砌，而是在关键的转折点上设置了概念性的枢纽，将不同时期、不同流派的成就巧妙地串联起来。例如，它在探讨某一特定笔触的演变时，会回溯到更早期的某种书法影响，然后再展望到后世对这种笔触的继承与颠覆。这种网状的知识结构，极大地帮助读者构建了一个立体的认知体系，而不是碎片化的知识点积累。每一个章节的收尾部分，都精准地预示了下一个主题的核心矛盾或发展方向，这种前瞻性和连贯性，使得阅读过程充满了探索的乐趣，让人忍不住想立刻翻到下一页去验证自己的猜测。这种精心的布局，体现了作者对整个艺术史脉络的深刻洞察和驾驭能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大启发在于它对“意境”的阐释，这种东方美学中至关重要的概念，往往是西方理论难以完全捕捉的精髓。作者通过大量的实例分析，将抽象的“意境”具象化为可感知的元素，比如如何通过留白来暗示空间与时间，如何运用“计白当黑”的法则来营造画面的呼吸感。它并没有将“意境”神化，而是将其分解为一系列可以学习和掌握的视觉语言。这种务实的解读方式，极大地降低了普通读者通往高深艺术理解的门槛。它教会我，欣赏一幅画，不仅仅是用眼睛去看线条和色彩，更要用心去体会画家在画面之外所留下的情感和哲思的余韵。这种深层次的阅读训练，让我对所有艺术形式的鉴赏能力都有了一个显著的提升，不仅仅局限于水墨丹青，它提供了一种全新的观察世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事口吻非常具有亲和力，它没有采取那种高高在上、故作深奥的学院派腔调，而是像一位经验丰富的老者，耐心地在你耳边娓娓道来那些晦涩难懂的技法和理念。初读时，我担心自己没有深厚的艺术背景会难以跟上，但作者的文字却像是一座座精心搭建的阶梯，每一步都踏实有力，让人不至于感到恐慌。他总能用最贴近生活的比喻来解释那些抽象的“气韵生动”或“笔墨精神”，使得即便是对传统艺术知之甚少的门外汉，也能迅速抓住核心要义。这种教育者的智慧，在于他懂得如何平衡知识的深度与可读性，既满足了内行的求索欲，又温暖了初学者的好奇心。读完一个章节，常会有一种茅塞顿开的畅快感，仿佛那些过去只能远观的国画大师们，突然变得触手可及，他们的创作心路也变得清晰明朗起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书在材料和工具的探讨部分，着实让我大开眼界，感觉自己仿佛穿越到了古人的工作室。很多关于宣纸的种类、墨锭的研磨、乃至画笔毛性的细微差异对最终画面效果的影响，这些细节在其他泛泛而谈的普及读物中是很难深入挖掘的。作者对这些物质基础的重视程度，充分说明了他深知“工欲善其事，必先利其器”的道理。他不仅描述了这些材料的物理特性，更深入挖掘了古人如何因地制宜地利用这些天然资源，并将其融入到艺术表达的哲学之中。这种对“物”的尊重，让读者明白了中国画的创作过程，远不止于精神层面的挥洒，更是与自然材料之间一场深刻的对话。读到此处，我甚至开始重新审视自己手边那些普通的画材，开始思考如何才能更好地与它们“沟通”。

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