西方现代艺术史（第二版） [The Western Modern Art History] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周宏智 著

图书标签:

• 艺术史
• 现代艺术
• 西方艺术
• 艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 设计
• 文化
• 艺术史学

出版社： 中国建筑工业出版社

ISBN：9787112190652

版次：2

商品编码：11937731

包装：平装

外文名称：The Western Modern Art History

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：326

字数：409000

正文语种：中文

内容简介

　　西方现代艺术自20世纪80年代以后才真正进入中国专业人士的视野。而对于大多数中国人来说，至今仍是一个比较陌生的领域。《西方现代艺术史（第二版）》以简短的篇幅介绍了19世纪中期以来的各种艺术流派，如印象派、后印象派、野兽派、立体主义、表现主义、未来主义、至上主义、构成主义、风格派、包豪斯、巴黎画派、达达主义、超现实主义、抽象表现主义等，在编写过程中尽量做到重点突出、线索清晰，使读者能在短时间内对西方现代艺术的发展历程有相对完整的了解。
　　《西方现代艺术史（第二版）》适合广大对艺术感兴趣的读者阅读，也适合作为非艺术史学专业大学生的选用教材。

目录

第1章 色彩即目的
法国印象派
莫奈 雷诺阿 毕沙罗 德加

第2章 开拓者
后印象派
凡高 高更 塞尚 劳特雷克 修拉

第3章 新世纪的先锋
野兽派
马蒂斯 弗拉芒克 德朗 卢奥
立体主义
毕加索 布拉克 格里斯 莱歇 德劳内 纯粹主义

第4章 内在需要的原则
德国表现主义
表现主义先驱——蒙克 桥社 基希纳 黑克尔 罗特卢夫 诺尔德 青骑士 康定斯基 马克 麦克 克利

第5章 激情与偏执
意大利未来主义
博乔尼 巴拉 卡拉 塞维里尼 圣埃利亚

第6章 俄国的抽象艺术
至上主义
马列维奇
构成主义
塔特林 罗德琴科 佩夫斯奈 加博

第7章 新造型世界
风格派
蒙德里安
包豪斯

第8章 客居巴黎的画家
巴黎画派
莫迪里阿尼 苏丁 夏加尔 基斯林 帕斯森 郁特里罗

第9章 动荡与颠覆
达达主义
苏黎世达达 纽约达达 杜尚 德国达达 巴黎达达

第10章 梦幻现实
超现实主义
基里科 恩斯特 阿尔普 米罗 达利 马松 唐吉 马格里特 德尔沃 毕加索 马塔 贾科梅蒂 超现实主义摄影和装配

第11章 美国式的英雄幻想
抽象表现主义
戈尔基 霍夫曼 德库宁 马瑟韦尔 波洛克 克莱恩 斯蒂尔 戈特利布 罗斯科 纽曼 史密斯

第12章 艺术是生命的兴奋剂
第二次世界大战后的欧洲艺术
杜布菲 20世纪40年代以后的贾科梅蒂 培根 卢西恩·弗洛伊德 欧洲的抽象艺术 眼镜蛇画派

第13章 生活即艺术
波普艺术
英国波普艺术
美国波普艺术
劳申伯 约翰斯 沃霍尔 利希滕斯坦 罗森奎斯特
韦塞尔曼 奥登伯格

第14章 艺术家？还是萨满师？
欧洲前卫艺术家
克莱因 波伊斯

第15章 终结形式
极少主义
斯特拉 贾德 安德烈 弗莱文 莫里斯 里维特
观念艺术

第16章 回归大地与身体
大地与环境艺术
海泽 马里亚 史密森 理查德·朗 奥本海姆 克里斯托和珍妮-克劳德
艺术家的身体

第17章 艺术是革命的天然助手
贫困艺术
艺术与女性主义

第18章 照片的摹本
照相写实主义
克洛斯 埃斯蒂斯 戈因斯 汉森

第19章 复归本源
新表现主义
德国新表现主义 意大利超前卫艺术 英国的具象绘画 美国新表现主义 涂鸦艺术

第20章 世纪末——现代艺术的尾声
主要参考文献

前言/序言

《风格演变与思想脉络：探寻二十世纪艺术的疆域》 一部聚焦于现代艺术浪潮下，对视觉语言、社会语境与哲学思辨的深度剖析的著作。 本书并非一部传统的艺术史编年录，它拒绝将艺术发展视为一条平滑、线性的进步阶梯。相反，它将目光投向二十世纪初至世纪中叶，那段艺术思潮最为激荡、媒介最为多元、对既有美学范式挑战最为剧烈的时期。全书以“断裂与重构”为核心议题，深入挖掘了那些看似孤立的艺术运动背后，共同的时代精神与深层的文化焦虑。 第一部分：现代性阴影下的形变与解构 本部分首先处理的是现代主义的初期阶段，但着重点不在于简单罗列“野兽派”或“立体派”的技法特点，而是探讨这些运动如何回应工业革命带来的城市化冲击和传统科学（如透视法）的崩溃。 章节一：色彩的解放与情感的结构 本章细致考察了野兽派与表现主义（特别是德意志表现主义）在色彩运用上的激进转变。我们不满足于指出马蒂斯对色彩的主观运用，而是将其置于后尼采哲学的影响下，探讨色彩如何从对自然的模仿中彻底解放，成为表达内在情感的纯粹符号。特别分析了德劳内夫妇（Sonia and Robert Delaunay）对奥尔菲主义（Orphism）的探索，将其视为对光线和运动的物理学隐喻的艺术化尝试，而非单纯的抽象化。 章节二：碎裂的观看：立体主义的多维介入 立体主义部分超越了对毕加索和布拉克的分析。重点在于对“分析性”与“综合性”立体主义的社会学解读。分析性立体主义对物体被分解和重构的过程，被视为对资本主义社会中“物化”现象的先声，是对固定视点的挑战。同时，对拼贴（Collage）技术的大篇幅探讨，强调了碎片化信息的并置如何预示了大众媒体时代的信息接收方式的改变。我们审视了胡安·格里斯（Juan Gris）如何试图通过结构化的拼贴来重建秩序，与康定斯基早期对纯粹精神性的追求形成对话。 第二部分：乌托邦的幻灭与潜意识的涌现 随着第一次世界大战的爆发，艺术的理性基础开始崩塌，本部分聚焦于那些对既定逻辑进行反叛，或转入内在精神领域的探索。 章节三：非理性的盛宴：达达主义与反艺术的逻辑 本章重点剖析了达达主义如何从苏黎世的卡巴莱（Cabaret Voltaire）扩散至柏林、汉诺威和纽约。我们深入探讨了杜尚（Marcel Duchamp）的“现成品”（Readymades）如何从一个简单的行为，上升为对“艺术品”本体论地位的哲学拷问。重点分析了达达在不同地域的转向：柏林达达的政治激进性（如立体主义与拼贴的融合），与纽约达达的冷静、概念化倾向之间的差异。达达不是简单的“玩世不恭”，而是对资产阶级文化逻辑的彻底拒绝。 章节四：梦境的地图：超现实主义的心理学疆域 超现实主义的分析将重心从对萨尔瓦多·达利梦幻般的图像进行描述，转向其理论基础——弗洛伊德的精神分析学说。探讨了自动书写（Automatism）和客观自动性（Objective Chance）如何成为超越理性控制的创作方法。特别关注了马克斯·恩斯特（Max Ernst）的“摩擦画法”（Frottage）和“移印法”（Decalcomania），将其视为主动与无意识领域进行“协商”的技术手段。本章同时审视了超现实主义与殖民主义语境的复杂关系，探讨其对“异域他者”的观看方式。 第三部分：形式的极限与社会干预 本部分考察了在两次世界大战之间，艺术在追求极致抽象的同时，如何试图重新介入社会结构与建筑环境。 章节五：纯粹的结构：从至上主义到新造型主义的几何沉思 这一章着重对比了俄国的至上主义（Suprematism，马列维奇）和荷兰的新造型主义（De Stijl，蒙德里安）。虽然两者都使用几何抽象，但其背后的哲学驱动力截然不同。马列维奇的“零度”追求的是一种超越尘世的、近乎宗教的“纯粹感觉”，而蒙德里安则试图通过水平线和垂直线的和谐网格，构建一个普世适用的、理性的社会秩序模型。我们将深入分析蒙德里安在二战爆发后，从巴黎到纽约，其作品中“动态的平衡”如何演变为对城市节奏的反映（如《布鲁克林大桥》系列）。 章节六：功能与美学：包豪斯与现代设计的交汇 包豪斯（Bauhaus）的讨论将聚焦于其教学理念及其政治困境。重点分析了格罗皮乌斯、克利和康定斯基等人在“艺术与技术的新统一”口号下的实践。我们不将包豪斯视为简单的设计学校，而是将其视为现代社会对个体审美经验进行标准化、功能化的尝试。考察了其在魏玛、德绍和柏林三个阶段的意识形态转变，及其最终如何被纳粹政权压制和流放，这为理解现代主义的脆弱性提供了关键视角。 结语：未完的现代性 全书的结尾部分将艺术史的焦点导向二战后欧洲的残局。它不直接进入战后抽象表现主义，而是探讨战前那些未能完全实现的乌托邦理想（如立体主义对时间性的探索、包豪斯对社会重塑的努力）如何为后来的艺术转向埋下了伏笔。本书旨在提供一种审视现代艺术的视角：它不仅是风格的更迭，更是人类在面对一个日益复杂、充满矛盾的世界时，所进行的持续不断的视觉与哲学搏斗。 本书的价值在于：它强调艺术作品是特定历史时刻的思想的凝固，鼓励读者超越表面的图像分析，进入其背后的文化与理论冲突之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的资料搜集之详尽，令人印象深刻。我惊喜地发现，除了那些耳熟能详的里程碑式的作品之外，作者还穿插了许多我从未在其他主流教材中见过的、来自特定地域或被主流叙事边缘化的艺术家的案例。比如，其中对于“魏玛时期”设计思潮的讨论，就远比我之前读过的任何资料都要深入和细致，它不仅罗列了包豪斯，还细致分析了其内部不同派别之间的微妙张力。这种对“全景式”历史的追求，让读者得以跳脱出仅关注巴黎和纽约的单一视角，真正理解现代艺术作为一种全球性思潮的复杂性与多样性。对于想要进行深入研究的读者来说，这种广度和深度兼备的资料铺陈，是极其宝贵的参考资源。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，封面采用了某种低饱和度的灰色调，配上精致的字体排版，一股扑面而来的学术气息和设计感完美融合。初次拿到手里时，那种沉甸甸的质感就让人觉得内容必然是厚重且扎实的。我特别喜欢它内页的纸张选择，触感细腻，即便是长时间翻阅也不会感到疲劳，而且印刷的色彩还原度极高，那些经典作品的图像在纸面上呈现出一种近乎原作的质感。装订上也处理得非常精良，即便是摊开到最中间的部分，书脊也没有出现明显的断裂感，这对于一本需要频繁查阅的艺术史著作来说，是非常重要的考量。从视觉愉悦度和实际使用体验来看，这本书在制作工艺上达到了一个很高的水准，这无疑为接下来的深度阅读奠定了非常积极的基调。这种对细节的关注，让我对内部内容的编排也抱有了更高的期待。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的一点是它对“现代性”本身的批判性反思，它没有盲目地将“进步”等同于“优秀”。在对某些激进的观念艺术进行评述时，作者的笔触显得尤为审慎和克制。他不仅展示了这些艺术形式如何挑战了既有的审美边界，同时也提出了关于其社会责任和持久影响力的深刻疑问。这种不预设立场、保持距离感进行观察和分析的态度，使得整部作品的调性显得异常成熟和客观。它迫使我反思，我们今天对“现代”的定义是否已经被固化，以及我们如何去评价那些曾经被视为“前卫”但如今看来可能略显疲态的艺术实践。这使得阅读体验超越了单纯的知识吸收，更像是一次对艺术史观的再教育。

评分☆☆☆☆☆

作为一个非科班出身的艺术爱好者，我最大的困扰往往是那些晦涩难懂的理论术语和纷繁复杂的历史脉络。这本书在这方面做得非常出色，它的叙事方式极具引导性，仿佛有一位经验丰富的导览员在身边，耐心地将我引入每一个艺术流派的核心思想之中。作者在阐述“立体主义”的解构过程时，并没有直接抛出高深的几何学概念，而是先从毕加索的视觉体验入手，循序渐进地解析其背后的哲学动因，这种“以人为本”的讲解方式大大降低了初学者的入门门槛。更值得称赞的是，它并没有将艺术史写成一部冰冷的年表，而是充满了对艺术家个体挣扎、灵感迸发瞬间的生动描绘，读起来完全没有枯燥感，更像是在阅读一系列引人入胜的人物传记的集合体。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，更像是一场与作者进行的高强度智力对话。作者的论证逻辑极其严密，尤其是在讨论“抽象表现主义”如何从欧洲传统转向美国本土精神时，其对社会结构、政治环境和艺术思潮之间相互作用的分析，展现出极强的思辨能力。他提出的观点绝非空穴来风，而是建立在一系列扎实的史料和严谨的艺术批评基础之上。每一次提出一个新颖的论断，后面总能立刻跟上详尽的案例支持和逻辑推演，让人在阅读时必须全神贯注，生怕遗漏了任何一个关键的转折点。这种挑战读者思维深度的写作风格，非常适合那些不满足于停留在表层描述，渴望探究艺术现象“为什么会这样发生”的严肃读者。