全球景观中的中国古代艺术

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[美] 巫鸿(WuHung)著 著
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店铺: 文轩网旗舰店
出版社: 生活.读书.新知三联书店
ISBN:9787108057020
商品编码:12012983482
出版时间:2017-01-01

具体描述

作  者:(美)巫鸿(Wu Hung) 著 著作 定  价:59 出 版 社:生活.读书.新知三联书店 出版日期:2017年01月01日 页  数:293 装  帧:精装 ISBN:9787108057020 暂无

内容简介

暂无
好的,这是一本关于中国古代艺术的图书简介,主题与您提供的书名《全球景观中的中国古代艺术》不同,我们将聚焦于一个更侧重于技术、材料和风格演变的内部视角。 --- 《泥土与青铜的呼吸:中国古代物质文化的考古学解读》 内容简介 本书旨在深入剖析中国古代艺术的物质基础及其技术嬗变,而非将其置于宏大的全球文化交流背景之下。我们关注的是“如何制作”这一核心问题,通过对考古学发掘的实物——陶器、青铜器、玉器、漆器以及壁画颜料——的科学分析,重构古代工匠的技术谱系、资源利用策略以及审美观念的物质载体。 全书分为四个主要部分,构成了一个围绕中国古代物质文化变迁的严谨论述。 --- 第一部分:史前至商周——从陶土到礼器范式的确立 本部分着重考察中国早期文明中,艺术表达如何与生存需求和权力结构紧密结合。我们首先探讨裴李岗文化到仰韶文化时期陶器的功能分化与装饰母题的起源。重点分析了彩陶的烧制温度、矿物颜料的配比及其在不同地域之间的风格差异,力求还原出早期制陶者对火候和泥料选择的经验积累过程。 随后,我们将焦点投向二里头文化至商代的青铜技术革命。本书不侧重于青铜器的铭文内容,而是深入探讨铸造工艺的细节。详细分析了范铸法的复杂性,特别是如何通过多层范铸技术实现繁复的饕餮纹和几何纹饰的精细化。研究对象包括铜合金的锡、铅、铜比例变化,以及这种变化如何影响了器物的声学特性和抗腐蚀能力。我们对比了殷墟、郑州商城等地出土礼器在范型上的微小差异,揭示了早期王权对铸造标准的集中控制。 特别值得一提的是,本章还包含了对玉器加工技术的细致考察。我们利用显微成像技术分析了红山文化和良渚文化玉琮、玉璧的钻孔痕迹、解玉工具的磨蚀模式,推测了当时使用的解玉砂(如石英砂、刚玉砂)的粒度分布,从而论证了玉器艺术的精湛程度与其所依赖的采矿与研磨技术进步的直接关系。 --- 第二部分:西周至春秋战国——技术扩散与地方风格的勃兴 随着周王朝的建立和分封制的推行,青铜礼器的标准化流程开始受到地方势力和新材料的挑战。本部分探讨了礼器形制在区域间的“扩散与变异”。 战国时期,冶铁技术的成熟对艺术生产带来了新的冲击。本书专门开辟章节讨论了铁制工具的普及如何反向影响了青铜和玉器的制作效率与精细度。例如,铁制凿具的出现使得鸟纹、蟠螭纹的雕刻深度和锐利度达到了前所未有的水平。 在漆器领域,我们详细梳理了戗金、螺钿等装饰技法的演进。通过对楚国、吴越地区漆器残留物的化学分析,辨识出不同地区对生漆、朱砂、墨的独特配方偏好,以及在底灰和打磨工艺上的区域性差异。这部分内容力图将漆器艺术从“典雅”的标签中解放出来,还原其作为实用与奢侈品之间的物质构成。 --- 第三部分:秦汉至魏晋南北朝——材料的革新与图绘的转向 秦汉时期的艺术特征在于其规模的宏大和技术的集成化。本书重点分析了汉代画像石、画像砖背后的泥土学和石材学。我们研究了不同产地花岗岩、砂岩在雕刻时的“可操作性”,以及工匠如何利用石材天然的纹理走向来增强画面的动感和立体感。 同时,壁画艺术的兴盛带来了对颜料矿物源头的关注。本章对石绿(孔雀石)、石青(蓝铜矿/天青石)和朱砂的矿物产地进行了区域性对比分析。通过X射线衍射(XRD)分析,我们试图确定魏晋时期壁画颜料的“指纹”,从而推断出不同石窟或墓葬群的颜料供应网络。例如,分析了曹魏至北魏时期,一些高品质群青色料可能来源于遥远的中亚矿源,但这属于技术输入,而非文化影响。 在雕塑领域,本书探讨了“明器”的批量生产技术,特别是东汉时期模制陶俑的流水线操作模式,分析了模具的设计、组合与修补工艺,揭示了大规模艺术再现背后的标准化生产逻辑。 --- 第四部分:隋唐宋元——工艺的极致与文人趣味的渗透 隋唐宋时期,艺术品进入了对材料性能和工艺精度的“技术巅峰期”。 唐三彩的烧制是本书技术分析的难点之一。我们详细研究了铅釉体系的复杂性,特别是如何控制不同金属氧化物(铜、铁、钴)在高温下釉层的流动性与共存性,以避免颜色之间的互相侵蚀。重点考察了唐三彩胎体中粘土配比对釉面开裂(“冰裂纹”)的影响。 宋代,随着文人阶层的崛起,对“素朴之美”的追求反映在新的技术偏好上。汝窑、哥窑的釉色变化是核心研究对象。我们利用扫描电子显微镜(SEM)观察了汝窑“香灰胎”的微结构,推测其高岭土的纯度与研磨细度如何促成了那种温润的“失透感”。对于哥窑的“金丝铁线”,我们则从热胀冷缩的物理学角度,分析了两次施釉的冷却速度差异如何人为制造出裂纹体系。 最后,本书以元代青花瓷的烧制技术收尾。我们关注的是钴料的提纯与烧制气氛的控制。通过对不同时期青花料中微量元素(如锰、铁)含量的对比,来推断元代景德镇窑场对进口苏麻离青(可能)的依赖程度,以及对本地料的逐步替代过程,重点放在窑炉气氛(氧化与还原)对蓝釉色相的决定性作用上。 --- 本书旨在为研究中国古代艺术的学者提供一个坚实的、基于实证的物质基础框架,强调艺术品的“物性”才是理解其历史演变的关键钥匙。

用户评价

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这本书的装帧和印刷质量实在令人惊叹,那种厚重感和纸张的细腻触感,仿佛每一次翻页都是对历史的庄重致敬。从封面设计上,就能感受到编者在细节上倾注的心血——那种将现代审美与古典元素巧妙融合的排版布局,实在是一流的视觉享受。我尤其喜欢它在插图选取上的考量,那些高清晰度的文物照片,即便是色彩的微妙渐变和纹理的细微刻画,都得到了最大程度的还原。这不仅仅是一本“看图”的书,它更像是一件值得收藏的艺术品。阅读体验上,字体选择的适中度和行距的舒适度也让人久坐不累,长时间沉浸其中,也丝毫不会感到视觉疲劳。能感受到出版团队对“阅读质感”的执着追求,这在当今快节奏的出版界中是难能可贵的。光是捧着它,就能体会到一种沉静的力量,让人愿意慢下来,去细细品味每一页承载的历史厚度。它摆在书架上,本身就是一道亮丽的风景线,彰显着主人对传统文化与高品质书籍的偏爱。

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这本书的语言风格真是太独特了,它融合了一种近乎散文诗般的优美与严谨的学术措辞,读起来竟然有一种独特的韵律感和节奏感。作者似乎对文字的掌控力达到了炉火纯青的地步,能够用极具画面感的词汇,勾勒出古代工匠们劳作时的场景和艺术品在历史长河中沉浮的命运。不像有些学术著作那样干巴巴、冷冰冰,这本书的文字充满了情感和温度,仿佛能让人感受到千年前那些艺术家们的心跳和呼吸。例如,在描述一幅壁画的色彩搭配时,作者使用的词汇充满了对光影、质感和时间流逝的细腻捕捉,让人读完后闭上眼睛,脑海中就能浮现出那片斑驳而又辉煌的景象。这种将客观事实与主观审美体验巧妙糅合的文笔,极大地提升了阅读的愉悦度,也使得复杂的理论不再难以消化,反而变得赏心悦目起来。

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这本书的创新性主要体现在其对“全球视野”的强调上,尽管主题是中国古代艺术,但作者非常巧妙地引入了大量的比较视角,这极大地丰富了我们对中国艺术独特性的理解。它并没有将中国古代艺术置于一个孤立的“东方奇观”的地位去赞美,而是将其放入了同期世界主要文明的艺术交流与影响网络中进行考察。这种对比分析,不仅凸显了中国艺术在某些领域(比如青铜礼器或特定时期的陶瓷技术)的领先地位,同时也诚实地指出了它在与外来文化接触时所发生的吸收、融合与自我重塑的过程。我非常赞赏这种不回避文化互动的坦诚态度。通过阅读,我清晰地看到了中原文化如何在吸收了丝绸之路带来的异域元素后,依然保持了核心的民族精神和审美品味,这种动态的、开放的艺术史观,远比僵化的“辉煌论”来得更为真实和深刻,也更具现代学术的价值和说服力。

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这本书的叙事结构简直是教科书级别的示范,它没有采取那种线性、平铺直叙的时间轴梳理方式,而是采用了更具启发性的主题式切入,这极大地拓宽了我的认知边界。我发现作者在处理不同地域和不同历史时期的艺术风格交汇点时,展现出了惊人的洞察力。比如,当探讨某个特定时期的陶器工艺时,作者并没有孤立地分析其技术特点,而是巧妙地将其置于当时社会经济结构、宗教信仰乃至贸易路线变迁的大背景下去考察,使得原本孤立的艺术品瞬间“活”了起来,拥有了鲜活的生命力。这种宏观视野与微观剖析的完美结合,让那些原本可能显得枯燥的考古发现,变得极富故事性和吸引力。阅读过程中,我常常需要停下来,反复咀嚼作者提出的那些精妙的跨学科论证,这种智力上的互动感,是很多严肃学术著作所欠缺的。它迫使我跳出单一的艺术史框架,用更广阔的视角去理解“美”的生成逻辑。

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我必须承认,这本书的学术深度远远超出了我的预期,它绝非面向初学者的入门读物,而是真正面向有一定基础的爱好者或专业人士的深度研究之作。作者在引用和注释方面做得极其严谨和详尽,每一个关键论断背后,都能清晰地追溯到原始文献或最新的考古报告。这体现了一种对学术诚信近乎苛刻的坚持。我特别欣赏它在引用西方学者的研究成果时所展现出的批判性思维,并非一味地接受或排斥,而是能清晰地辨析不同流派观点的合理性与局限性。这种多角度的辩证分析,让讨论的层次一下子拔高了。对于那些热衷于深入挖掘艺术品背后复杂成因的读者来说,这本书无疑提供了一个扎实可靠的知识基石。它提供的不是结论,而是思考的工具和路径,让人在阅读后感觉自己的学术“肌肉”得到了充分的锻炼。

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