何香凝美术艺术史名著译丛：艺术批评史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[意] 廖内洛·文杜里 著，范景中 编，邵宏 译

图书标签:

• 艺术史
• 艺术批评
• 何香凝
• 美术
• 艺术理论
• 西方艺术
• 译著
• 文化
• 历史
• 艺术

出版社： 商务印书馆

ISBN：9787100130448

版次：1

商品编码：12144139

品牌：商务印书馆（The Commercial Press）

包装：精装

丛书名： 何香凝美术馆·艺术史名著译丛

开本：16开

出版时间：2017-04-01

用纸：胶版纸

页数：304

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：艺术类专业学生及艺术史研究者

《艺术批评史》是世界著名艺术世家文杜里二十年心血之作，是经典中的经典，名著中的名著。本书视野宏大，无论是希腊罗马的先驱，还是文艺复兴的巨匠，又或是现代艺术的先锋，作者都以简洁的笔触娓娓道来。阅读本书，不仅是一种历史的体验，更是一种审美的享受。

内容简介

本书旨在为读者提供通过对艺术批评的历史体验而理解艺术的坚实基础。全书共十四章；分别讲述古希腊罗马的艺术批评、中世纪的艺术批评、尤其是中世纪末意大利的艺术批评；意大利文艺复兴时期的艺术批评；以及意大利和法国占主导的巴洛克时期的艺术批评。并讨论新古典主义艺术批评和浪漫主义艺术批评的起源。考察十九世纪初德国理想主义哲学如何试图创造一种综合新古典主义与浪漫主义的艺术批评。详述整个十九世纪和二十世纪初，德国和意大利的文献学家、考古学家和鉴赏家如何影响艺术批评；和十九世纪中叶法国兴起的关于现代绘画的卓越批评。还探讨了十九世纪下半叶几位德国批评家如何试图在理想主义或实证主义美学之外给自己提供一个判断准则，以创造有关纯粹可视性的理论。最后讨论了现代艺术的起源及其后续影响。书后附有参考书目和索引。

作者简介

廖内洛?文杜里[Lionello Venturi] (1885-1961)，1919年任都灵大学的艺术史教授，1931年移居巴黎，1940年移居纽约并任约翰?霍普金斯大学的访问教授，其间在墨西哥大学任教一年（1942），1945年回意大利并任罗马大学艺术史系主任。作为国际性学者其先后用意大利文和英文出版的主要著作有《早期艺术家的趣味》（1926）、《艺术批评史》（1936）、《当代艺术批评》（1941）、三卷本的《意大利绘画》（1950-1952）以及《朝向现代艺术的四个阶段》（1956）。

译者简介：邵宏（1958年生），江苏南京人。文艺美学博士（暨南大学）、艺术史博士（中国美术学院）、广州美术学院教授。主要译著有拉尔夫?迈耶《美术术语与技法词典》（合译，2005）、克里斯特勒《文艺复兴时期的思想与艺术》（2008）、弗里德伦德尔《论艺术与鉴赏》（2015）、阿洛伊斯?李格尔《风格问题：装饰历史的基础》（2016）。此外，邵宏也是我馆出版的“艺术史名著译丛”的副主编和多本译作的译者。

目录

作者原序
引言 格雷戈里·巴特科克

第一章 艺术批评史导论
艺术史研究的现状
艺术史与艺术批评的同一性
趣味概念
艺术批评史的必要性
艺术批评史的主要转折点
作为本书中心的“艺术判断”
判断的要素
艺术个性与艺术法则
艺术判断的绝对和相对性质

第二章 希腊人与罗马人
公元前3世纪希腊的艺术批评
色诺克拉底：模仿自然、比例
理论、心理表现，从波利克里托斯到利西波斯的发展，从基蒙到阿佩莱斯的发展，以及艺术的完美
完美的相对性：西塞罗和昆体良
罗马：典型的鉴赏家
发现菲狄亚斯：精神与物质
想象力的概念：狄奥·屈梭多模与菲洛斯特拉托斯
建筑批评与维特鲁威
视觉、技巧与文字描述：卢奇安
艺术批评的几对矛盾：理性与非理性、美与丑、完成与未完成、造型与色彩

第三章 中世纪
中世纪的批评状况
柏罗丁、圣奥古斯丁、圣托马斯的美

第四章 文艺复兴时期
中世纪与文艺复兴时期
洛伦佐·吉伯尔蒂，过渡性的批评家：其对古代的研究，其对14世纪绘画的坚持，佛罗伦萨与锡耶纳
L．B．阿尔贝蒂：关于人的新观念，艺术的透视法理论，对自然的沉思与道德的表现
16世纪的几次危机
莱奥纳尔多-达芬奇：作为知识来源的绘画，全能的视觉，暗部，合成
米开朗琪罗：造型准则的主导地位
意大利透视法理论的传播
丢勒：美的相对性，创造的主题与再现的对象
威尼斯的艺术批评
彼得罗·阿雷蒂诺、保罗·皮诺、卢多维科·多尔切：艺术的感官来源，反对秩序，绘画的理想，人与宇宙的关系
艺术家传记作家
乔治·瓦萨里：个体的“德行”，手法主义，意大利艺术的三阶段，源起、发展和完善，米开朗琪
罗的局限，艺术家的个性意识，拉斐尔
建筑专论：塞利奥、维尼奥拉、帕拉迪奥、斯卡莫齐
洛马佐与手法主义批评：第
一个有关造型与色彩的抽象体系
……

第五章 巴洛克时期
第六章 启蒙运动与新古典主义
第七章 浪漫主义与中世纪
第八章 艺术史研究与理想主义哲学
第九章 19和20世纪的文献学家、考古学家和鉴赏家
第十章 19世纪对同时代艺术的批评
第十一章 艺术批评与纯粹可视性
第十二章 现代艺术
第十三章 批判性的艺术史研究
第十四章 结束语

参考书目
索引

精彩书摘

　　雕塑的进步超过了建筑，因为雕塑没有采用大量无生命的自然，而是表现栩栩如生的生命体，尤其是人的身体，由此精神与肉体完全地关联起来，物质形式与精神相交融并成为物质形式有生命力的形象。雕塑既不表现心灵的个人感情，也不表现单一的情绪；除了在其所有的普遍性里，雕塑不呈现个体的特征，在人体表现方面没有动态，没有活跃的行动，没有发展。雕塑不能上色，因为抽象的雕塑形式并非一个缺点，而是这门艺术强加于自身的限制。异教的宗教以及异教对人生的理解完全符合雕塑。完美的雕塑自然是希腊人的作品，因为他们懂得与偶然[incidental]相反的一贯模糊[invariable in determinateness]这种特性。雕塑必须表现神性本身，表现神性的无限安谧和神性的崇高、永恒、静止，没有行动或环境的种种对比。对人也是如此，雕塑必须只考虑一贯的特性，而不受各种各样的外来影响。雕塑正是以这种方式完美地表现出物质美。黑格尔继续分析希腊雕塑的理想形式，使温克尔曼的思想系统化但又全面接受了它；所以他虽然欣赏基督教雕塑的表现能力，但认为基督教的精神不适于雕塑，因为这种精神来自于无穷无尽的灵魂。他将米开朗琪罗排除在外，但只是为了证实这一普遍情况。
　　由绘画而开启了一系列浪漫的艺术，音乐和诗歌也参与了这个系列。精神并不将自己局限于感性的造型表现，而是专注于自身，逐渐进入其本质的深处，使自身有别于自然和肉体，从而获得了对自身的自由人格、无限性、神性实质的感知。于是精神与肉体之间的连接被解开了。精神需要更理想的形式、更少的物质、更宽广的表现领域、更丰富和多变的材料、更生动和深刻的表现。自然本身变得更为精神化，四处呈现出对思想的反映、对情感的反响；自然像一个用于精神发展的框架。这就是绘画的对象，绘画的固有中心因此而是基督教的世界。希腊画家无法达到近代画家的那种想象，就因为他们的异教思想符合雕塑的局限性。画家用一种需要更多精神性的现象代替了现实。色彩便是这种现象的特征。色彩要求对象表现出更为独特和生动的特征，进而是各种不同的环境、动态，以及与绘画材料相适应的多样性。另一方面，绘画需要更为个人的手法，更有表现力，情感更强烈，是表现特殊、个体、偶然的地方。它的领域要广阔得多，因为它涉及自然的所有客体、人类活动的全部成果、万物的所有细节。
　　此处有必要插一句话。黑格尔所说的绘画表现，根据理想主义者的原则、智力知识及其赋予整个自然的生气，是最符合总体艺术表现的概念。我们今天不仅这样解释绘画，也这样解释雕塑和建筑。如果黑格尔无法这样做，那是因为他受到了温克尔曼思想的控制，他仍然遵从着温氏的思想。
　　黑格尔继续道，绘画的形式由表面与色彩所赋予，所以它必须放弃材料的造型特征。但是这种明显的不完美才是真正的进步。绘画不再显示对象本身的状态，而是将它们转换成形象，形象就是精神的镜子。于是，这种呈像便作为一种永恒的瞬间向自己显现出精神。观者以一种更远离所有客观现实的方式凝视着艺术本身，而艺术本身就是外部世界的精神展示。绘画的物理元素是光线：明暗对照法[chiaroscuro]、明暗效果不是材料，而是绘画的产物和创造；光线成为色彩的原则，而色彩是绘画的主要手段。明暗对照法具有造型的特征，所以它是对素描的补充；但明暗的对比则是绘画式的。
　　……

前言/序言

　　在我于1999年5月调入暨南大学中文系讲授“西方文论”和“美术鉴赏”两门本科课程，及研究生的课程“专业英语”时，我的硕士导师、时已74岁高龄的迟轲先生让我有空时帮他从头到尾校译一遍他1983年便译毕的《西方艺术批评史》（海南人民出版社，1987年）。可我从1997年直到2005年都一直忙于功课而无暇顾及此事；倒是在2005年将该书推荐给江苏教育出版社而使其得以再版，让已80岁的恩师了却了一桩心事。
　　2013年11月，黄专教授策划了“艺术史名著译丛”的项目，他希望我重译这部书并将其置于首批书目之列。我知道，他讲授“中国美术史学史”课程十余年，特别想编写一部中国美术史学史，而文杜里的这部名著又是他的案头书之一。他还与我交流过有关迟师时代的译语与我们时代的译语之间三十多年跨度所产生的歧义问题。由此我主要对照迟师的译本重译，尤为注意译语的时代差异；所以这部书实际上是专为黄专教授翻译的，而校译者应该是迟轲先生。
　　我曾于1983年随华中师范大学李定垄教授学过一学期的翻译课程；李先生让我确立了“每个词在新的上下文中即为生词”的观念。1984年，我在迟师的安排下又随暨南大学陈垣光教授（翁显良先生的高足）做了一个学期的英译汉练习；陈先生让我懂得了“目的语（汉语）中的每一词都必须有出发语（英语）的依据”这一技术要求。1998年，中国社会科学院外国文学研究所赵一凡教授给我们博士生讲授了一学期的“译介学”，他布置给我的作业是汉译出丹尼尔·贝尔[DanielBell]的名篇“TheEndofldeologyintheWest”；赵先生让我意识到译文要尽可能反映出原作者的文采与文气。这三点体会也就成了我多年来译书的指导原则。

《西方艺术史的宏大叙事：从古典萌芽到现代激变》 图书简介 本书旨在为读者构建一幅全面而深入的西方艺术史图景，聚焦于艺术观念、风格流变、社会语境以及核心艺术思潮的演进脉络。我们摒弃孤立地介绍作品与艺术家，转而着重探讨艺术史作为一门学科是如何自我建构、不断修正与拓展的，以及艺术批评理论如何在不同历史阶段中扮演“诠释者”与“塑造者”的双重角色。全书以清晰的编年结构为骨架，辅以深入的专题剖析，带领读者穿越数千年人类文明的视觉表达历程。 第一部分：古典世界的奠基与中世纪的沉寂（约公元前5世纪至公元14世纪） 本部分着重探讨西方艺术思想的源头——古希腊罗马的理性美学，及其如何奠定了西方艺术的形体规范与审美理想。我们将详细解析柏拉图的“摹仿论”与亚里士多德的“净化论”在雕塑和建筑中的体现，考察古典主义如何被文艺复兴时期重新发现和奉为圭臬。 随后，我们将深入中世纪艺术的宗教叙事功能。这一时期的艺术创作主要服务于神学教义的普及，风格上呈现出从早期基督教的象征性到拜占庭的平面化，再到罗马式和哥特式建筑的结构创新。我们将探讨“光线”在中世纪教堂空间中的象征意义，以及修道院手抄本（Illuminated Manuscripts）作为知识载体的独特价值。 第二部分：文艺复兴的自觉与巴洛克的激情（约14世纪至17世纪） 文艺复兴是西方艺术史上的一个关键转折点，标志着“人”的价值被重新置于宇宙的中心。本章详细梳理了意大利早期文艺复兴对透视法、人体解剖学的科学研究，以及人文主义思想如何渗透进绘画和雕塑。从佛罗伦萨的精妙构图到罗马的理想化人物，艺术开始追求“完美再现”。 随后，我们将分析高潮时期的巨匠们（如达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔）的创作哲学，并对比北方文艺复兴（如丢勒、凡·艾克）在细节描绘和油画媒介革新上的贡献。 巴洛克艺术的出现则象征着对文艺复兴式和谐的打破与情感的释放。本部分将剖析巴洛克艺术如何与反宗教改革运动紧密结合，通过强烈的动态感、戏剧性的光影对比（明暗对比法）以及对观众情绪的直接调动，达到宏大叙事和精神震撼的目的。卡拉瓦乔的真实感、贝尼尼的雕塑运动感，以及鲁本斯的色彩爆发力，共同构成了这一时期的核心特征。 第三部分：理性、情感与启蒙的交织（约17世纪晚期至19世纪初） 17世纪晚期至18世纪，艺术风格在古典的回归与享乐主义的放纵之间摇摆。洛可可艺术以其精致、轻盈和私密性，反映了贵族沙龙文化的生活趣味。本章会深入探讨洛可可如何通过柔和的色彩和优美的线条，成为一种纯粹的感官愉悦的表达。 与此相对立的是新古典主义的兴起。在新古典主义中，我们看到对古罗马共和美德的追溯，它与启蒙运动的理性精神高度契合。雅克-路易·大卫的作品，如对“道德职责”的赞颂，体现了艺术服务于社会教化和政治理想的强大力量。 紧接着，浪漫主义以对个体情感、想象力、自然伟力和非理性因素的推崇，对新古典主义的僵硬规则发起了挑战。从戈雅对战争的恐惧描绘，到特纳对光与气象的迷醉，浪漫主义将艺术家的主观体验提升到了前所未有的高度。 第四部分：现代性的爆发与媒介的转型（约19世纪中叶至20世纪初） 19世纪中叶，工业革命和社会结构的剧变，迫使艺术家直面“当下”的现实。现实主义的出现，标志着艺术对传统题材（神话、历史）的彻底放弃，转而关注劳动者、城市生活和日常场景的客观呈现。 印象派的革命性在于对“观看方式”本身的革新。本章详细分析了科学色彩理论、摄影术的挑战以及户外写生对绘画媒介的解放。莫奈等人对光影瞬间捕捉的执着，彻底颠覆了传统绘画中对稳定形态的追求。 后印象主义则是对印象派“失焦”现象的修正与深化。塞尚对形体的几何化分析、梵高对色彩情感的极致运用，以及高更对原始象征的探索，为20世纪的艺术变革铺平了道路。 第五部分：艺术的解构与多元主义的时代（约20世纪至今） 20世纪初，一系列激进的运动宣告了传统艺术的终结。立体主义对三维空间的分解与重组，开启了抽象艺术的大门。野兽派的强悍色彩、表现主义对内心痛苦的呐喊，以及未来主义对速度与机器的崇拜，共同构筑了现代艺术的复杂景观。 本书随后深入探讨了达达主义的荒诞与反艺术立场，及其对观念艺术的深远影响。抽象表现主义（如波洛克）将创作行为本身视为艺术的最终表达。 最后，本书聚焦于战后艺术的转向——波普艺术对大众文化和商业符号的挪用，极简主义对艺术本质的回归与纯粹，以及观念艺术对艺术品物质性的质疑。我们考察了后现代主义对“宏大叙事”的反思，以及当代艺术在全球化背景下，如何处理身份政治、科技介入与社会批判等多元议题。 结语：持续的对话 全书的脉络清晰地展示了西方艺术史如何从对“再现”的追求，逐步转向对“观念”、“体验”和“过程”的探索。艺术史并非一条单向的直线，而是一系列充满张力、相互批判与继承的对话。理解这些历史节点和背后的理论思辨，是进入当代艺术语境的关键钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计实在太让人惊喜了！封面那种沉稳的墨绿色搭配烫金的字体，散发着一股老派的、值得信赖的学术气息。拿到手里就能感受到纸张的厚度和质感，那种微微带点粗粝感的触感，简直是阅读体验的加分项。我特别喜欢他们对章节标题的处理，字体选择非常考究，既保留了古典的庄重感，又不失现代排版的清晰度。而且，书脊的设计也花了不少心思，即便是与其他艺术史著作并排放置，也能一眼被它的独特气质所吸引。翻开内页，你会发现字里行间排版得疏密得当，留白处理得恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。对于我们这些长期与纸质书打交道的“老读者”来说，能遇到一套如此用心的出版物，简直是莫大的享受。这种对外在形式的极致追求，也从侧面反映了出版方对内容本身应有的敬意与重视，让人在捧读之前，就已经对即将展开的知识旅程充满了期待。它不仅仅是一本书，更像是一件可以被珍藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

我向来对那些只关注西方主流艺术史的著作持保留态度，但令人欣慰的是，这本书的视野显然更加开阔。它并没有将艺术批评史的叙事仅仅局限在欧洲中心论的框架内，而是巧妙地引入了来自其他文化区域，特别是那些对西方现代性理论进行反思和批判的声音。虽然篇幅上可能不像主体部分那样详尽，但这些补充性的论述，如同在严谨的学术殿堂中开辟了一扇透气的窗户，使得整个理论版图变得更加立体和完整。这体现了一种高度负责任的学术态度——承认知识生产的多源性，拒绝单一化解释的诱惑。对于希望建立一个更全面、更具包容性的艺术理解体系的读者来说，这种多元化的视角是极其宝贵的，它拓宽了我对“何为有效批评”的传统定义。

评分☆☆☆☆☆

这本书的译者团队显然是下了大功夫的，他们的译文质量高得惊人，完全摆脱了“翻译腔”的窠臼。阅读过程中，我几乎忘记了自己正在读的是译作。那些原著中蕴含的微妙的语气、微妙的讥讽，甚至是那些带有特定时代烙印的学术表达，都被精准地捕捉并转化为流畅、地道的中文。例如，在处理一些涉及本体论或现象学的术语时，译者并没有采取一成不变的僵硬对应，而是根据上下文的语境，灵活地选择了最能传达原意的表达方式，既保证了学术的严谨性，又维护了阅读的愉悦感。我尤其欣赏他们对人名和著作引用的注释处理，清晰明了，为想要进一步深究的读者提供了极大的便利。这种对“信、达、雅”的完美平衡，是衡量一部优秀译著的关键，而这套书无疑做到了极致。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注当代艺术生态的观察者，我发现理解过去的批评范式，对于审视今天的艺术现象至关重要。这本书让我领悟到，我们今天习以为常的“批判性思维”，其实是经过了漫长的历史沉淀和无数次论战才逐渐形成的。书中对于 XX 世纪初那些激进艺术运动时期，批评家们是如何应对“艺术与生活界限模糊化”这一核心挑战的论述，给我带来了极大的启发。他们在那样的时代背景下，所展现出的理论构建能力和危机应对智慧，是今天我们在面对媒介爆炸和虚拟现实冲击时，依然可以借鉴的宝贵财富。这本书的作用不仅仅在于回顾历史，更在于提供了一个理解和评判当下艺术实践的坚实理论框架，它让我的视角变得更加深远和富有批判性。

评分☆☆☆☆☆

我一直对某个特定时期西方艺术思潮的演变脉络感到困惑，总觉得不同评论家之间的观点像是散落的珍珠，缺乏一个清晰的串联。这本书的叙事结构，简直就像一位技艺高超的向导，带着你穿梭于那些错综复杂的思想迷宫。它没有停留在简单地罗列观点，而是深入挖掘了每一位批评家所处的社会文化背景，解释了他们的理论是如何对前人进行继承、反思与颠覆的。特别是对于那些早期晦涩难懂的哲学基础，作者用非常精炼且富于洞察力的语言进行了梳理和解读，使得原本高悬于象牙塔之上的理论，变得可以触摸、可以理解。我清晰地看到了美学标准是如何从古典主义的严谨，一步步过渡到现代主义的激进反叛，再到后现代主义的解构与多元。这种宏大叙事下的微观剖析，让我对艺术批评史不再感到是冰冷的历史陈述，而是一部充满张力的思想交锋史。

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好，nice

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每一次的期待，都是为了遇见最美的你，于繁杂中追寻一片宁静，撑起你致远的天际。选好书，总有京东的身影，总有一本适合你，激起你阅读的兴趣，带你渐行渐远。

评分☆☆☆☆☆

每一次的期待，都是为了遇见最美的你，于繁杂中追寻一片宁静，撑起你致远的天际。选好书，总有京东的身影，总有一本适合你，激起你阅读的兴趣，带你渐行渐远。

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正版

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