歌曲分析与写作（第3版）/21世纪全国高师音乐系列教材·全国高等学校音乐专业课程教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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方智诺 著

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• 21世纪高师音乐
• 音乐理论
• 和声分析
• 旋律分析
• 歌曲创作

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562124221

版次：3

商品编码：12344430

包装：平装

丛书名： 21世纪全国高师音乐系列教材 ，

开本：16开

出版时间：2009-07-01

用纸：胶版纸

页数：354

正文语种：中文

内容简介

　　好的歌曲，首先要有好的歌词。因为在一般的情况下，歌词是歌曲旋律写作的基础。好的歌曲，当然还应有好的旋律。歌曲中旋律的发展，既要符合歌词内容表现的需要，适应歌词的结构和语言特点，又应保持自己的音调风格的统一、气势的连贯，富于逻辑地有序发展。
　　《歌曲分析与写作（第3版）/21世纪全国高师音乐系列教材·全国高等学校音乐专业课程教材》详细介绍了歌词的基本内涵；构成旋律的各种要素；主题及其发展的基本手段；歌曲的主要结构形式、高潮、从属部分；歌曲的常见体裁；歌曲的演唱形式、人声的分类及音域；以及歌曲写作实践等。

作者简介

　　方智诺，1941年8月生，山东莱州人，音乐教育家、音乐理论家、作曲家，哈尔滨师范大学音乐学院教授、硕士研究生导师。系中国音乐家协会会员、中国教育学会音乐教育专业委员会理论作曲学术委员会副主任、政协黑龙江省第七、八、九届委员会委员。曾任全国高师理论作曲学会副会长、全国教育科学“十五”规划重点课题核心组成员、黑龙江省高师音乐教育专业委员会会长、黑龙江省音乐家协会理事、哈尔滨师范大学校务委员会委员、艺术学院教学科研办公室主任、音乐系主任等职。并多次被聘为全国普通高校（含高师）本科音乐教材编委会编委。1965年毕业于哈尔滨艺术学院音乐系作曲专业，师从唐学咏、蒋祖馨、刘施任、王羊等名师。1981年至1982年，曾在中央音乐学院作曲、指挥系进修，得到杨儒怀、刘烈武、李华德等教授的教诲。先后任职于新疆生产建设兵团艺术剧院、牡丹江文工团、哈尔滨师范大学艺术学院，从事作曲、指挥、音乐理论教学。四十余年来，指挥演出过芭蕾舞剧《白毛女》、《红色娘子军》，大合唱《黄河》、《祖国颂》，著有《音乐欣赏教材教学参考》、《音乐构成论》、《西方音乐史略》、《歌曲分析与写作》、《五线谱首调识谱法与基本乐理》（与申英杰合作）、《音乐作品分析基础教程》（与方弋合作）、《乐队编配与训练》（任主编）。《音乐鉴赏》（与王安国、孟维平合作）。其中《歌曲分析与写作》2002年获全国高校优秀教材二等奖；参编教材《大学生文化素质教育丛书》（全书共四册，任副主编、音乐卷主审）、《基本乐理教程》、《合唱》、《和声通用教材》等七部，正式出版发行。主要作品有：歌剧音乐《矿山烈火》、《战马迎春》，管弦乐曲《龙江怒涛》、《喜庆》，歌曲《我爱那古老而年轻的祖国》、《啊！春光我知道了》、《黑土园丁赞》等近百首。作品在国家、省级刊物上发表，在舞台上演出，或由电台、电视台播放，其中歌曲《校园催春》1996年获教育部、广电部创作奖、《我爱兴安岭》2000年获文化部创作奖、《什么是祖国》被人民音乐出版社收入“建国50年歌曲选集”。还撰写有《足迹坚实，韵致悠扬》等数十篇论文，在国家及省、市级报刊发表。因教书育人成绩显著，1999年获全国曾宪梓教育基金会高师院校教师奖二等奖。

内页插图

目录

总论

（上） 歌词常识篇
第一章 歌词的基本内涵
第一节 歌词的艺术特征
第二节 歌词的结构形式
第三节 歌词写作的常用手法

（中） 旋律分析篇
第二章 构成旋律的各种要素
第一节 旋律线
第二节 调式、调性
第三节 节 奏、节 拍
第四节 速度
第五节 音区
第六节 音色
第七节 响度（力度、音强）
第八节 表情法〔演唱（奏）法〕
第三章 主题及其发展的基本手法
第一节 歌曲的主题内涵
第二节 歌曲主题应有的“品质”
第三节 主题发展的基本手法
第四章 歌曲的主要结构形式
第一节 一部曲式
第二节 单二部曲式
第三节 单三部曲式
第四节 多部曲式
第五节 复二部曲式
第六节 复三部曲式
第七节 回旋曲式
第八节 变奏曲式
第五章 歌曲的高潮
第一节 高潮表现的形态
第二节 高潮的数目及位置
第三节 高潮的形成
第六章 歌曲的从属部分
第一节 前奏
第二节 间奏
第三节 后奏
第四节 引子
第五节 尾声
第七章 歌曲的常见体裁
第八章 歌曲的演唱形式、人声的分类及音域
第一节 歌曲的演唱形式
第二节 人声的分类及音域

（下） 写作实践篇
第九章 歌曲写作实践的相关思考
第一节 动笔前的若干思考
第二节 写作中的若干思考
第十章 歌曲写作技能技巧的基本训练
第一节 习作的示范写作
第二节 作曲家的“创作谈”

（续） 二部歌曲写作基础篇
第十一章 二部歌曲写作的相关常识
第一节 二部歌曲的声部组合形态
第二节 二部歌曲声部结合的基本原则
第十二章 二部歌曲写作的相关织体
第一节 和声式二部歌曲的写作
第二节 对比式二部歌曲的写作
第三节 模仿式二部歌曲的写作
第四节 支声式二部歌曲的写作

附：歌词85首
主要参考文献
几点说明
增订版后记

前言/序言

　　自古以来，人们无时无刻不在歌唱着。把歌唱作为抒发人们感情的手段，同人类的历史一样久长。
　　靠人声直接演唱的歌曲，是音乐艺术的品种之一，是文学和音乐的完美结合。作为文学的歌词，作为音乐的旋律，二者相辅相成，相得益彰，共同完成着艺术形象的塑造和内心情感抒发的任务。
　　歌曲，以其短小精悍的形式。同时，由于“声音之道，与政通矣”（见先秦《乐记》），又使其成为与时代联系最好的艺术品种。
　　好的歌曲，首先要有好的歌词。因为在一般的情况下，歌词是歌曲旋律写作的基础。只有那些意境深邃、语言生动、形象鲜明、“声诗并著”（见李清照《词论》），既有诗的素质，又有歌的性能的“能唱的诗”，才能引发曲作者的创作欲望，激起曲作者的创作热情，挖掘出心中美的旋律。所以，好的歌词应该既可以同旋律结合成为一首好的歌曲，又是一首能离开旋律而独立存在的颇具审美价值的好诗。
　　好的歌曲，当然还应有好的旋律。歌曲中旋律的发展，既要符合歌词内容表现的需要，适应歌词的结构和语言特点，又应保持自己的音调风格的统一、气势的连贯，富于逻辑地有序发展。完美的歌曲旋律应该是离开歌词也能充分表现内容而独立存在的有机体。还应公允地指出，在一首业经演唱者二度创作后已被“树起”的优秀歌曲中，旋律的艺术表现能力应大于歌词，这也是歌曲体裁本身应具有的特性。

音乐的深度探索：从理论到实践的视听之旅 图书名称： 音乐理论与实践进阶教程 作者群： 资深音乐教育家与作曲家联合撰写 出版社： 弘雅音乐文化出版社 --- 内容提要 《音乐理论与实践进阶教程》是一部面向高等音乐院校本科高年级学生及研究生，旨在系统深化音乐理论知识，并将其有效应用于实际创作与演奏实践的综合性教材。本书突破了传统理论教材的局限，将严谨的学术分析与鲜活的艺术实践紧密结合，旨在培养学生独立思考、批判性分析以及创新性表达的能力。 全书共分为六大部分，涵盖了从基础乐理的高阶拓展到现代音乐语法的深度剖析，力求为读者构建一个全面、立体的音乐知识体系。它不仅仅是一本“工具书”，更是一部引导思考、激发创造力的艺术指南。 第一部分：功能和声学的精深解析 (Harmonic Function Re-examined) 本部分聚焦于西方古典音乐语汇中的和声语言，但着眼于超越基础三和弦的范畴。 1. 调性体系的边缘探索： 深入探讨了从巴洛克晚期至浪漫主义中期，作曲家如何运用减七和弦、导四六和弦、副属和弦族的复杂功能进行远关系转调和情感色彩的渲染。特别分析了李斯特和瓦格纳在和声色彩上的大胆尝试，如“三全音”和弦的使用，及其对调性稳定性的冲击。 2. 非功能性和声的初步接触： 介绍在中期浪漫主义（如德彪西的印象主义和声）中，和弦开始从传统的“解决”功能中解放出来。重点讲解平行和声（Planing）、非功能性五度叠置以及半音化和弦的色彩应用，分析如何通过和声的“横向”而非“纵向”运动来营造特定的氛围。 3. 节奏与节拍的再建构： 突破四四拍的限制，详细讲解复合节拍（如7/8, 5/4）的听觉处理。同时，深入分析复节奏（Polyrhythm）和复节拍（Polymeter）在勃拉姆斯、斯特拉文斯基等作曲家作品中的运用机制，以及如何通过节奏的错位来制造张力。 第二部分：对位法的多维视角 (Counterpoint in Multiple Dimensions) 本部分旨在深化学生对巴赫复调艺术的理解，并将其应用于更宽广的音乐情境中。 1. 晚期对位法的精炼： 在巩固“严格对位法”的基础上，重点分析赋格曲的结构艺术。不仅教授传统的模仿手法，更深入剖析主调的变体（移位、扩大、缩小、倒影），以及如何在高潮段落处理多重赋格（Double/Triple Fugue）中主题之间的有机交织。 2. 自由对位与织体分析： 探讨在不严格遵循对位规则的情况下，如何通过线条的独立性来构建织体。分析了莫扎特晚期弦乐四重奏中的“对话式对位”和勃拉姆斯室内乐中复杂织体的构建逻辑，强调线条的“演唱性”与“逻辑性”。 3. 现代配器中的对位思维： 探讨在管弦乐队作品中，如何运用对位原理进行音色分层。例如，如何将两个旋律分别分配给不同音区的乐器组，使其在保持独立性的同时，形成和谐或冲突的听觉效果。 第三部分：曲式与结构的高阶分析 (Advanced Form and Architecture) 本部分将传统曲式分析提升到对宏观结构和叙事逻辑的理解。 1. 奏鸣曲式的再思量： 摒弃简单的“呈示部-发展部-再现部”的机械划分。重点分析奏鸣曲的“宏观动力学”：主题间的功能性冲突、调性场域的构建与瓦解。通过分析贝多芬后期奏鸣曲和舒伯特组曲，理解结构如何服务于情感表达。 2. 组曲与套曲的叙事： 专注于大型套曲（如钢琴组曲或艺术歌曲套曲）中的“串联逻辑”。探讨作曲家如何通过特定的调性关系、动机的潜藏或显现，将看似独立的篇章编织成一个统一的整体，形成一种超越单乐章的叙事线索。 3. 循环结构与母题运用： 深入研究李斯特、柏辽兹等作曲家如何运用“循环主题”（Cyclic Form），探讨母题如何在不同乐章中变形、转换，以构建统一的音乐意象。 第四部分：配器法的色彩科学 (Orchestration: The Science of Color) 本部分侧重于超越乐器音域和奏法的简单罗列，进入到对音色化学反应的探讨。 1. 乐队声部布局的透视： 详细分析不同乐器组合在中高频、中低频的能量分布，以及如何利用这些物理特性来塑形。重点讨论“音墙”的构建，如理查·施特劳斯和德彪西如何通过精确的复调配置来创造厚重或透明的声场。 2. 弦乐的细腻处理： 细致区分不同弓法（如Sul Ponticello, Sul Tasto）在音色、泛音结构上的差异，及其在表达细微情感时的功能。探讨颤音（Vibrato）的控制在不同时期对弦乐音色的影响。 3. 现代管乐的拓展技法： 介绍超吹、嘶哑音（Air Sounds）、限制音高（Pitch Bending）等现代管乐技巧，并分析这些技巧如何被引入到二十世纪的管弦乐作品中，以拓宽表现的边界。 第五部分：二十世纪及以后的音乐语汇 (20th Century and Beyond) 这是本书最具前瞻性的部分，系统梳理了自1900年以来音乐语言的剧烈变革。 1. 十二音体系的严谨操作： 区别于基础的音列排列，本章深入讲解塞尔日·科特茨（Coteau）的矩阵分析法，以及如何构建基于音列的多层次结构。分析韦伯恩后期作品中音色、力度对音列的补充作用。 2. 序列主义的扩散： 从德彪西的自由色彩和声，过渡到系统化的“元素序列化”（如布列兹的《累加》）。探讨节奏、力度、音色也被纳入序列控制的意义，及其带来的听觉挑战。 3. 机率音乐与开放形式： 介绍偶然性音乐（Aleatoric Music）的核心思想，包括作曲家如何分配控制权给演奏者。通过分析约翰·凯奇的作品，探讨“声音”与“音乐”的哲学边界。 第六部分：音乐分析的批判性方法 (Critical Methodologies in Music Analysis) 本部分着重于培养学生分析的深度和广度，从单一理论模型转向多元视角。 1. 现象学分析： 引导学生超越“结构分析”，关注“聆听体验”本身。如何描述一个和弦在不同听众耳中的“显现感”？分析音乐是如何构建时间感的。 2. 符号学与诠释： 介绍音乐符号学的基本概念，探讨乐谱标记（如表情术语、速度记号）如何被视为一种“语言系统”。分析特定音乐符号（如固定动机、特定和弦进行）在不同文化或历史语境下的潜在意义。 3. 比较与跨文化视角： 简要引入非西方音乐（如印度拉格、印尼加美兰的节奏概念）的基本结构，用以反思西方中心主义的音乐理论体系，并激发学生在未来创作中进行跨文化融合的潜力。 --- 目标读者： 音乐学、作曲与指挥、音乐教育专业高年级本科生及研究生。 本书特点： 分析深度：侧重于对位法、和声功能在极端条件下的运作模式。 实践导向：大量引用二十世纪以来的实例，并提供配器练习范例。 批判思维：鼓励学生不仅“知其然”，更要“知其所以然”，对既有理论提出质疑和发展。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐爱好者，我一直想深入了解歌曲背后的故事和创作技巧。这本书的内容对我来说，就像打开了一扇通往音乐世界更深处的大门。它不仅仅是讲解理论，更重要的是教会我如何去“听”音乐，如何去“品味”音乐。通过对不同风格歌曲的分析，我不仅认识到了它们各自的独特之处，也逐渐掌握了分析歌曲的通用方法。这种能力对于提升音乐鉴赏水平非常有帮助。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容相当充实，涵盖了歌曲分析和写作的方方面面，理论体系完整，逻辑清晰。从基础的乐理知识到复杂的曲式结构，再到不同风格的歌曲特点，都有详尽的阐述。更难得的是，它还融入了作者多年的教学和实践经验，使得书中的内容既有学术高度，又不失实用价值。对于想要系统学习歌曲创作或者深入理解音乐的读者来说，这本书无疑是一本非常值得推荐的经典教材。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实践性很强，这一点我非常欣赏。它不是那种只停留在理论层面的书籍，而是提供了大量的案例和练习，引导读者将所学知识运用到实际创作中。我尤其喜欢书中的一些练习题，它们能有效地激发我的创作灵感，并帮助我巩固所学的技巧。虽然有时会觉得挑战不小，但完成后的成就感是巨大的，感觉自己离写出一首真正的歌曲又近了一步。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸质都相当不错，拿在手里很有分量，一看就是用心制作的。封面设计简洁大气，虽然是教材，但丝毫不显得枯燥乏味，反而透着一股严谨的学术气息。翻开扉页，印刷清晰，字体大小适中，阅读起来不会觉得吃力。整个排版也非常合理，章节划分清晰，重点突出，方便查找和学习。

评分☆☆☆☆☆

我之前一直对歌曲的创作过程感到好奇，也尝试过自己写一些东西，但总感觉缺乏理论指导，写出来的东西总是差强人意。这本书简直像及时雨，里面的内容对于我理解歌曲的结构、旋律的走向、和声的运用以及歌词的创作都提供了非常有价值的视角。作者的讲解深入浅出，很多晦涩的音乐理论经过他的阐释变得生动易懂，感觉自己以前的许多困惑都迎刃而解了。