孔空声乐练习曲50首(作品9高音用) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[意] 约瑟·孔空 编

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• 声乐练习曲
• 高音
• 孔空
• 练习
• 音乐教材
• 声乐
• 古典音乐
• 技巧提升
• 演唱
• 作品9

店铺： 乐乐趣图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103021408

商品编码：12888849168

开本：8

出版时间：2000-05-01

基本信息

• 商品名称：孔空声乐练习曲50首(作品9高音用)
• 作者：(意)约瑟·孔空
• 定价：34
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103021408

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2000-05-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：1
• 印次：14
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：87

内容提要

约瑟·孔空著的《孔空声乐练习曲50首(作品9高 音用)》编写了50首为中声部人声的练习曲。它们起 到了巩固声音、培养学生自己养成很好的断句以及正 确呼吸方法的作用，也是旋律简单、风格多样的练声 曲。本书具有较高的实用价值，可供音乐爱好者及专 业人员使用。
    

作者简介

约瑟·孔空（J.Comcone）1810年生于多林；1861年卒于多林。曾是多林皇家小教堂的管风琴师，后移居巴黎，直到1848年，在此享受了作为声乐教师的*高荣誉。他创作了他的**部歌剧《圣米歇尔的插剧》《Un episodio di sam Michele》之后，便放弃了创作歌剧的想法。他的旋律性咏吧调、浪漫曲以及短小的二重唱哈到好处，至使他达到了众所周知的地位。然而使他*为出名的却是他的无与伦比的《试唱》（Solfeggi），他称其为课程、练习曲或练声曲。他写作的这些作品应该归手于他对“美歌”（bel canto）技巧的熟知。他的这些作品至今仍是*有价值的、*出色的声乐练习曲。

目录

正文

音乐理论与实践进阶：精选曲集与方法论探讨 本丛书旨在为具有一定基础的音乐学习者和演奏者提供系统化、深入的进阶学习资源。丛书共涵盖了从基础乐理的巩固到高级演奏技巧的精炼，以及不同历史时期和风格的作品分析，致力于构建一个全面、实用的音乐知识体系。 --- 第一卷：巴洛克时期键盘音乐精选与演奏风格研究 内容概述： 本卷聚焦于17世纪至18世纪上半叶的键盘音乐，特别是巴赫（J.S. Bach）及其同时代作曲家的作品。它不仅仅是一本曲集，更是一部深入探讨巴洛克时期演奏实践的指南。 核心章节： 1. 平均律的构建与应用： 详细分析《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）的结构、和声语言以及在不同调性上的情绪表达。重点剖析赋格曲（Fugue）的对位法原理、主题发展技巧以及如何在演奏中清晰地勾勒出声部的独立性与相互交织。 2. 法国大键琴组曲的装饰音处理： 选取法国巴洛克作曲家（如库普兰、拉莫）的组曲片段，对比法式与意式装饰音记法的差异。提供针对性练习，以确保装饰音的精准、流畅且符合时代风格，避免“过度装饰”的弊病。 3. 意大利风格协奏曲的演奏法： 以维瓦尔第等人的作品为例，探讨快板乐章中“乐队与独奏”交替的处理手法（Ritornello Principle），以及慢板乐章中歌唱性旋律的力度与音色控制。 4. 早期乐器特性对演奏的影响： 探讨羽管键琴、大键琴的音响特性如何影响指法选择、触键力度（Touch）的控制，并初步引入踏板在早期音乐中的谨慎使用原则。 目标读者： 具备中级及以上水平的钢琴、键盘乐器学习者，音乐专业学生。 --- 第二卷：古典主义奏鸣曲的结构分析与情感表达 内容概述： 本卷旨在深化学习者对古典主义时期（以海顿、莫扎特、贝多芬为代表）奏鸣曲式（Sonata Form）的理解，并强调其清晰的结构逻辑与内在的戏剧性。 核心章节： 1. 奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的深度解构： 通过选取海顿的代表性奏鸣曲，细致分析主题的呈示、对比以及在发展部中如何进行“有机变化”和“调性游走”。 2. 莫扎特钢琴音乐中的“歌唱性”与“清晰度”： 重点分析莫扎特作品中对旋律线条的纯净要求，以及如何运用触键的轻重和踏板的瞬间释放来描绘清晰的线条感，尤其针对快速音阶与琶音的均匀度练习。 3. 贝多芬中晚期奏鸣曲的“英雄性”与“对话性”： 选取如“热情”、“黎明”等作品的片段，研究贝多芬如何突破古典框架，运用力度（sforzando）和节奏的突然变化来构建宏大的结构和强烈的内心冲突。本章特别包含对踏板记号在贝多芬作品中“革命性”使用的探讨。 4. 力度记号与速度标记的精确执行： 提供一系列练习，旨在确保学习者能够准确无误地执行如 p, mf, f 之间的细微过渡，以及 accelerando 和 ritardando 的合理幅度控制。 目标读者： 准备或正在学习古典奏鸣曲的演奏者，音乐理论进阶学生。 --- 第三卷：浪漫主义时期炫技与抒情实践 内容概述： 本卷专注于19世纪浪漫主义音乐对个人情感的极端表达，着重于提升演奏者在复杂技术挑战下保持音乐感染力的能力。 核心章节： 1. 肖邦练习曲的技巧与诗意融合： 选取不同技术难点（如左手跨度、双音、八度连奏）的练习曲，分别剖析其背后的技术原理和对应的音乐情感（如忧郁、狂喜、沉思）。强调在高速跑动中保持旋律声部的歌唱性。 2. 李斯特的触键革命与音色层次： 探讨李斯特作品中对钢琴音域的极大拓展和色彩变化的需求。深入研究“全踏板”与“半踏板”的精确运用，如何通过指根力量的控制来制造“管风琴般”的宏大音响，同时保持透明度。 3. 舒曼的“双重人格”在曲式中的体现： 分析舒曼作品中常见的“片段化”与“情绪跳跃”，如何在短小精悍的篇章中迅速完成情感角色的转换，并练习其特有的“内省式”弱奏技巧。 4. 民族乐派的音色借鉴（如德彪西的色彩）： 虽跨越至印象主义边缘，但本卷简要涉及如何从民族乐派的色彩中汲取灵感，以丰富浪漫主义音乐的音色表现力，例如对模糊和弦与踏板的运用。 目标读者： 具备高阶演奏技巧，寻求突破技术瓶颈并深化浪漫主义作品理解的专业人士。 --- 第四卷：二十世纪音乐的节奏、和声与演奏技法前沿 内容概述： 本卷将学习者的视野拓宽至20世纪及当代音乐语汇，重点解决传统训练体系中较少涉及的非传统技巧和复杂的节奏结构。 核心章节： 1. 非功能和声与音色探索： 介绍全音阶、十二音体系（Dodecaphony）的基本原理，以及如何从和声结构中提取演奏的逻辑。本章不侧重作曲，而是分析如何在现有乐器上演奏出这些“陌生”的和声色彩。 2. 复杂的节奏划分与复节奏（Polyrhythms）： 选取斯特拉文斯基、巴托克等人的作品片段，进行针对性的节奏拆解练习，如三对二、四对三的交织，以及拍号的频繁变化，确保身体对新节奏模式的适应性。 3. 现代演奏技法（Extended Techniques）： 涵盖了击弦、拍击键盘、在琴弦上演奏（若适用于特定乐器）等非常规技巧的入门指导。重点讨论如何在专业音乐语境下，有目的、有节制地运用这些技巧，以服务于作曲家的意图。 4. 微音（Microtones）与记谱法的辨识： 简要介绍十二平均律之外的音高系统，以及如何解读包含升降记号以外的特殊音高标记。 目标读者： 音乐学院高年级学生、当代音乐演奏家，对前卫音乐感兴趣的学习者。 --- 丛书总结与学习方法论：高效练习体系的构建 本套丛书的最终目标是指导学习者建立一套完整、自我修正的高效练习体系。在学习过程中，建议遵循以下原则： 慢速精确原则： 所有新技术和复杂乐句的启动必须在慢速下进行，确保手指肌肉记忆的正确性，速度的提升是准确性之后的自然结果。 分析先行原则： 演奏前必须完成对作品的历史背景、曲式结构和和声走向的分析，明确“为什么弹奏这个音”比“如何弹奏这个音”更重要。 分层练习法： 对于技术难点，应拆解为最小单位（如两音一组、四音一组）进行循环练习，随后再逐步复原到原始的乐句结构中。 通过这四卷内容的系统学习，学习者将能够跨越不同音乐时期和风格的鸿沟，为未来的专业演奏和深入研究打下坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

初次捧读这本乐谱，我的第一印象是它在装帧设计上颇具匠心。封面采用了一种低饱和度的墨绿色调，搭配烫金的字体，散发出一种低调而沉稳的古典气息。纸张的质地也令人赞赏，触感细腻，不易反光，这对于长时间练习乐谱的演奏者来说无疑是一个福音。内页的排版清晰度极高，五线谱的印刷十分精细，音符和记号的间距把握得恰到好处，即便是初学者也能轻松辨识复杂的节奏型和指位标记。更让我惊喜的是，对于一些高难度的段落，编者似乎特意增加了旁注，虽然没有直接给出过多的技巧提示，但那种恰到好处的“留白”，反而激发了我自主探索的欲望。翻阅目录，可以看出选曲的范围涵盖了从基础音阶的平稳过渡到复杂半音阶的快速跑动，这套练习曲显然是为系统性地提升高音区的技巧而精心编排的。我尤其欣赏它在曲目结构上的递进性，并非简单地堆砌难点，而是循序渐进地引导学习者突破瓶颈。这本书的实用价值，很大程度上就体现在这种对细节的极致追求上，它让枯燥的练习过程变得更加赏心悦目，也为深入的音乐学习打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

作为一位长期从事合唱艺术的声乐爱好者，我深知高音区域的稳定性和穿透力对整体和声的重要性。这套练习曲的编排逻辑，似乎完全站在了合唱团声部平衡的角度来设计的。我注意到，它对一些特定音程的重复训练非常密集，尤其是大跳音程后紧接着的小音程连接，这在实际的复调作品中是极为常见的难点。当我按照书中的提示进行练习时，我发现它对高音区的“焦点”把握得极为精准。很多练习曲都巧妙地融入了颤音（Trill）和装饰音（Ornamentation）的练习，但与其他强调速度的练习册不同，这里的重点更倾向于清晰度和音准的准确性。例如，在某一首标注为“穿针引线”的练习中，要求以极弱（pp）的力度完成连续的半音阶高行，这对气息的稳定性和声带的闭合度是极大的考验。这种对“弱奏高音”的专注，无疑是提升舞台表现力和控制力的关键所在，它训练的不仅仅是嗓子的物理极限，更是对声乐艺术的精微把控。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏的，是这套练习曲中蕴含的“音乐性”——它拒绝将声乐练习沦为机械的肌肉训练。即便是最基础的音阶练习，作者也为其赋予了明确的情感色彩和潜在的音乐背景。这种处理方式极大地提升了学习者的代入感。我感觉自己不是在“练嗓子”，而是在“雕琢乐句”。在练习到一些描绘性极强的曲目时，我甚至能够联想到特定的管弦乐配器，仿佛在为自己的歌声寻找最佳的衬托。这种将技术训练与艺术想象力相结合的方法，是优秀音乐教育的核心所在。高音的突破，从来都不是靠蛮力硬顶，而是靠对乐句的理解和声音位置的精确感知。这本书在这一点上做得尤为出色，它在技术难度的外壳下，包裹着一个对美声艺术的深刻理解。对于那些渴望将高音唱得既有穿透力、又不失柔美质感的学习者来说，这套练习曲无疑是值得反复研习的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

这部作品集带给我的感受，更像是一次对传统声乐训练方法的现代化审视与重构。我发现它摒弃了过去一些过于僵化、强调“蛮力”的练习模式，转而注重声带的自然运动轨迹和呼吸支持的内在逻辑。书中许多练习曲的标题本身就充满了诗意和引导性，例如“晨曦中的颤音练习”或“穿越迷雾的连音线”，这极大地提升了练习的趣味性和目的性。在实际演唱过程中，我体会到它对气息控制的细腻要求。它不是要求你用蛮力去“顶”高音，而是巧妙地通过对元音的调整和喉位的微调，让高音自然而然地“浮现”出来。特别是对于那些需要跨越换声区（Passaggio）的练习，编排得极为巧妙，通过一系列平滑过渡的音型，有效地避免了传统上换区时的“卡壳”或声音的断裂感。对于追求音色统一性和流畅性的中高级学习者来说，这种注重内在发声机制的引导，其价值远超一般的音阶和琶音重复。它真正做到了“授人以渔”，教会我们如何用更科学、更健康的方式去驾驭高音域。

评分☆☆☆☆☆

从教学实践的角度来看，这本书的教材价值是显而易见的，但它也对指导者提出了更高的要求。我尝试将其中几个核心练习片段引入我的学生课堂，发现那些基础较为薄弱的初学者可能会因为某些复杂的节奏型而感到困惑。这套书更像是一份“进阶指南”，而非“入门手册”。它假设学习者已经掌握了基本的发声原理和乐理知识，其核心目的是将已有的基础推向更高、更精细的领域。其中穿插的某些节奏组合，明显借鉴了十九世纪末期欧洲歌剧咏叹调的特点，要求极强的节奏独立性和手指（或舌位）的灵活性。此外，书中对力度记号（Dynamics）的指示非常细致入微，从 pppp 到 ffff 都有涉及，并且要求在极端的力度变化中保持音色的统一，这在日常的声乐教学中常常被忽视。这本书的挑战性在于，它要求学习者在生理极限的边缘，依然保持音乐的逻辑性和艺术的美感，这是对综合能力的全面检验。