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店铺： 万众兴邦图书专营店

出版社： 台海出版社

ISBN：9787516814031

商品编码：16653951773

基本信息

书名:演员自我修养

定价：39.8元

作者:斯坦尼斯拉夫斯基

出版社：台海出版社

出版日期：2017年07月

ISBN：9787516814031

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：32开

商品标识：人天3

编辑推荐

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1.《演员自我修养》是世界三大表演体系经典代表作，成就好莱坞、百老汇演员的表演入门课。

2.《演员自我修养》，周星驰、陈道明、张涵予、王千源、秦海璐等众多实力派演员一致推荐。
3.《演员自我修养》是兼具演员与导演双重身份的斯坦尼30年心血铸就，这不仅仅是一本关于演员的书，也是一本关于成长、生活和人生的巨著。
4.本书采用日记体的叙事方式，以戏剧学校师生课堂对话的视角，讲述了演员在形体、发声、性格、思维逻辑等方面所应具备的素养，生动有趣，可读性强！
5.不能创造那些连你自己也不相信的、连你自己都不认为是真实的东西。——斯坦尼斯拉夫斯基

目录

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章初次测试

第二章表演是一门艺术
第三章舞台动作
第四章想象力
第五章集中注意力
第六章放松肌肉
第七章单元和任务
第八章信念和真实感
第九章情感记忆
第十章交流
第十一章适应
第十二章内在驱动力
第十三章连续线
第十四章内在创作状态
第十五章zui   高任务
第十六章进入潜意识状态显示全部信息

 

作者介绍

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斯坦尼斯拉夫斯基

世界著名的戏剧教育家、理论家。自幼酷爱戏剧，是莫斯科艺术剧院的主要创始人之一。他在莫斯科艺术剧院长期从事创作，不仅担任导演，而且也在自己导演的剧目中担任重要角色，积累了大量实践经验。经过三十多年的探索，他为演员建立了一整套从肌肉到创作任务的全面的训练方法，被称为“斯坦尼斯拉夫斯基体系”，在世界各国的表演界都备受推崇。《演员自我修养》是斯坦尼斯拉夫斯基的重要著作，其中包含很多非常实用的表演技巧，如今成为世界各地每个演员、每个想成名的演员、每个成名后的演员充电学习的演技攻略。

《台前幕后：戏剧的诞生与舞台的魔力》 本书将带领读者深入探索戏剧世界的广阔领域，从古老的起源追溯到现代舞台的无限可能。这不是一本关于特定表演技巧的书籍，而是对戏剧艺术本质、创作过程及其深远影响的全面解析。 第一部分：戏剧的源流与演进 第一章：火焰中的诞生——戏剧的史前回响 我们将追溯戏剧的源头，探讨它如何从古代的宗教仪式、神话叙事和部落庆典中悄然孕育。重点分析古希腊悲剧和喜剧的结构、主题及其对后世西方戏剧的奠基性作用。我们将解析“酒神精神”与“日神精神”在早期戏剧中的冲突与融合，并考察荷马史诗如何为戏剧提供了最初的叙事蓝本。 第二章：从罗马到中世纪的转型 本书将审视罗马戏剧在继承希腊传统的同时所进行的本土化改造，以及在中世纪基督教文化背景下，戏剧如何从世俗舞台退回教堂，演变为道德剧和神秘剧，成为布道和教化民众的有力工具。探讨中世纪行会剧团的兴起及其在民间娱乐中的作用。 第三章：文艺复兴的辉煌再现 着重分析意大利文艺复兴时期对古典戏剧的重新发掘与研究，以及即兴喜剧（Commedia dell'arte）的蓬勃发展。我们将详细介绍莎士比亚、马洛和本·琼森等伊丽莎白时代剧作家如何以前所未有的深度刻画人性，打破传统束缚，将戏剧推向文学与艺术的巅峰。分析环球剧场的建筑结构对表演风格的影响。 第四部分：现代戏剧的冲击与革新 第四章：启蒙时代的理性与情感 探讨18世纪启蒙运动对戏剧主题和形式的影响，分析法国古典主义的严谨规范与英国喜剧的社会讽刺之间的张力。考察歌剧在这一时期的兴起，及其如何成为贵族阶层重要的社交与艺术活动。 第五章：现实主义的崛起与内在冲突 本书将深入剖析19世纪末易卜生、契诃夫等现实主义大师如何将舞台从宏大的历史叙事转向日常生活的细微观察，揭示家庭、社会与个人困境的复杂性。探讨自然主义和象征主义对现实主义的反思与超越。 第六章：二十世纪的先锋探索 聚焦于两次世界大战之间及战后先锋戏剧的百花齐放。从布莱希特的“陌生化效应”到荒诞派戏剧对语言和意义的解构，再到后现代戏剧对剧场边界的不断拓展。分析诸如“史诗剧场”、“形体剧场”等不同流派的理论基础和舞台实践，展示戏剧如何成为回应时代剧变的媒介。 第二部分：舞台的结构与技术 第三章：空间的艺术——剧场建筑的演变 本章不再关注演员的个体技巧，而是研究承载戏剧的“容器”。追溯从露天剧场到封闭式“黑箱剧场”的演变历程。分析不同剧场形态（如镜框式舞台、伸展式舞台、中央舞台）如何影响观众的观看体验和导演的调度方式。讨论现代剧场中声、光、电等技术元素如何从辅助工具演变为叙事主体。 第四章：幕后的匠心——设计与制作的合力 详细阐述服装、布景、灯光和音效设计在构建戏剧世界中的核心作用。探讨设计师如何通过色彩、材质、光影的运用，在视觉上为观众构建一个可信或具有象征意义的空间。分析舞台管理和技术团队在保障演出流畅性中的关键地位。 第三部分：戏剧的文本、诠释与接受 第五章：剧作家的语言与结构 本书将从文本学的角度审视剧本的特殊性——它是一种“待完成”的艺术形式。分析对话、独白、旁白的功能，以及剧本结构（如冲突的建立、高潮的设置、解决方式）如何服务于戏剧的整体张力。本章探讨不同文化背景下，剧本的意图与观众的接受之间的复杂关系。 第六章：导演的视角与诠释的权力 重点分析导演在现代剧场中的核心地位，他们如何作为文本与舞台之间的桥梁。研究不同导演流派（如写实派、概念派、文本解构派）如何对同一部经典作品进行截然不同的阐释，强调“导演的再创作”在当代戏剧中的价值与争议。 第七章：观众在场：接受美学与剧场体验 本章探讨观众在戏剧体验中的主动性。分析戏剧如何利用现场性、时间性和互动性来激发观众的情感共鸣与理性思考。探讨“第四堵墙”的打破与重建，以及沉浸式戏剧等新型观演模式对传统剧场概念的冲击。 总结：戏剧作为文化记忆的载体 最后，本书将总结戏剧艺术在人类社会中的不可替代性：它不仅是娱乐和审美活动，更是集体记忆的保存者、社会问题的探讨者和人类情感的终极试炼场。通过对戏剧历史的梳理，我们得以理解人类在不同历史时期对自身、对命运、对真理的持续追问。

评分☆☆☆☆☆

我是在准备一个重要的专业考试前夕接触到这本书的，时间紧、任务重，我需要找到那种能够迅速抓住核心、并且能让我快速建立自信的方法论。这本书的结构安排恰到好处地满足了这种“速成”的潜在需求，但它的“速成”并非肤浅，而是直击要害的提炼。书中关于“情境构建”的那几章，简直是我目前的救命稻草。作者将复杂的情感逻辑，拆解成了若干个可量化的“反应链条”。比如，他不是简单地说“你要投入感情”，而是详细分析了在特定场景下，一个情绪的爆发是如何由细微的感知、内部的拉扯、到最终的外在表达，一步步累积起来的。我特别喜欢他引入的一个概念——“行动的阻力”，它解释了为什么我们常常在舞台上“演得用力过猛”。因为我们常常忘记了，角色在行动之前，往往要经历一个“犹豫”或“挣扎”的过程。通过书中提供的针对性练习，我开始学会在表演中为自己的行动“增加摩擦力”，让角色的每一次呼吸、每一个眼神都承载了足够的重量和前因后果。这种对过程的尊重，极大地提升了我的舞台可信度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，可以说是同类教材中最为平易近人，但其内涵的深度却让人不敢小觑。它不像某些晦涩的理论著作，动辄引用哲学家的晦涩论断，而是像一位学识渊博的老师在进行一对一的私塾教育。我最欣赏的是，作者从不将演员塑造成一个被动的“感受器”，而是强调演员的主动创造性和对文本的“再发现”能力。书中有一章专门讨论如何处理“内心独白”与“外化表演”之间的关系，这部分内容对于那些习惯于“想太多”的演员尤其具有启发性。作者指出，过度的内心思辨往往是表演僵硬的元凶，他教导我们如何将思考转化为行动的“能量储备”，而不是让思考本身成为表演的全部。我从中领悟到，好的表演是“做”出来的，而不是“想”出来的。这种务实的指导，让我开始重新审视自己过去排练时的重点，从专注于“我感觉到了什么”转向专注于“我此刻要做什么”。这种视角的转换，带来的表演自由度是巨大的，它让我不再害怕犯错，因为每一次尝试都是在建立更坚实的行动基础。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期混迹于业余戏剧圈的爱好者，我阅读了市面上几乎所有能找到的表演入门书籍，很多都停留在对方法派或斯坦尼斯拉夫斯基体系的表面翻译和解读上，读完后总觉得少了点什么，像是隔着一层毛玻璃在看表演的真相。这本书最令人耳目一新的地方，在于它对“生活与舞台”边界的重新界定。作者似乎拥有极为敏锐的洞察力，他能够清晰地指出，现代演员在面对镜头和舞台时，常犯的那些“舞台化”的错误。他反复强调“去表演化”，这个理念贯穿始终。他用了很多篇幅来讨论如何将日常的“无意识行为”——比如不经意的触摸、习惯性的踱步、甚至是眼神的飘忽——精准地转化为角色语言的一部分，而不是生硬地植入。我特别对书中对于“潜台词的具象化”的阐述印象深刻。他提供了一种非常实用的工具，帮助演员将那些隐藏在对话背后的动机，通过肢体语言和面部微表情“翻译”出来，让观众不用听见台词，也能大致猜到角色内心的波涛汹涌。这对于提升角色的层次感至关重要。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来看，这本书简直是为处于迷茫期的年轻演员量身打造的指南针。它没有过多地纠缠于历史的沿革或者流派的纷争，而是直奔演员职业生涯中最核心的挑战：如何稳定地、持续地、准确地进入并保持角色的生命状态。书中关于“镜头感”和“空间调度”的描述，非常精准地捕捉到了舞台表演与影视表演在技术层面的核心差异。特别是对于如何利用景深和焦距来构建表演层次的讨论，对于渴望转型影视领域的演员来说，提供了非常具体的视觉化指导。我发现，自己过去在处理特写镜头时的不自然，很大程度上是因为缺乏对“眼神聚焦的物理性”的理解。这本书通过大量的实例分析，教会我们如何“让眼睛为镜头服务”，而不是让整个身体在镜头前“无所适从”。总而言之，它不是一本让你读完就能立刻成为巨星的“速成秘籍”，而是一本能让你脚踏实地，一步步夯实基本功，并在面对复杂表演任务时，能提供清晰、可靠的行动路径的“施工手册”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计，说实话，一开始没太吸引我。那种传统的、略显严肃的排版，让我一度怀疑这是一本老掉牙的理论教材。但真正翻开第一页，那种扑面而来的真诚感和实操性，立刻让我放下了偏见。作者在开篇部分，并没有急于抛出那些高深的表演哲学，而是非常接地气地从演员最基础的“呼吸”和“身体感知”开始讲起。我尤其欣赏他对于“自我松弛”的论述，那不是空洞的口号，而是通过一系列具体的身体练习来引导。比如，书中详细描述了如何利用日常生活的场景来训练对环境的敏感度，这对于我们这些在生活中寻找灵感的新手来说，简直是醍醐灌顶。我试着按照书中的方法练习了几天，发现自己对着镜子审视角色的内心活动时，那种僵硬和不自然感确实减弱了不少。它更像是一位经验丰富的老前辈，坐在你身边，耐心而又不失锋利地指出你每一个不经意的习惯性动作，然后告诉你如何去“化解”它，而非“克服”它。这种潜移默化的引导，远比生硬的技巧堆砌来得有效。它让我明白，表演的根基永远不是外在的模仿，而是内在的真实流动。