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[德] 托尼奥·赫尔舍 著，陈亮 译

图书标签:

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 世界图书出版公司

ISBN：9787510058257

商品编码：25351945046

品牌：后浪

包装：平装

开本：16开

用纸：胶版纸

页数：160

字数：132000

正文语种：中文

编辑推荐

古希腊艺术 编辑推荐：
从艺术品赏析到文化生活 德国畅销的“大家小书”
专业译者精撰译注 打造适合中国人的古希腊艺术著作

讲解古风、古典和希腊化三个时期的代表作品
结合神话传说，节庆，祭祀，市民生活和运动会
揭示图像作品在古希腊文化社会中的地位
85幅插图，直观展现古希腊艺术的高贵与伟大

欣赏西方艺术的能力 从古希腊艺术开始

作者简介

作者简介
托尼奥·赫尔舍（Tonio H?lscher），德国海德堡大学古典考古学教授。2002年至2004年间，任德国考古研究所（Deutschen Arch?ologischen Institut，简称DAI）罗马分部的研究教授。他的研究重点包括希腊和罗马的国家大型纪念物、希腊的神话图像以及古典时期的城市建造。
　　　
译者简介
　　　陈亮，德国海德堡大学东亚艺术史系在读博士，导师雷德侯（Lothar Ledderose）教授。本科毕业于清华大学生物系，硕士毕业于北京大学艺术学院艺术学专业，师从朱青生教授。2006年赴德留学，后成为海德堡大学跨学科研究小组“仪式动力”（SFB 619 Ritualdynamik）的一员。

目录

致中国读者 
第—章 图像作品和生活世界 
1.1充满图像的生活 2 
1.2图像的生活 6 
1.3身体图像 8 
1.4图像世界 10 
1.5佚失与复得 12 
第二章 古风时期 
2.1荣誉、财产和城邦文化 16 
2.2圣域：还愿雕像、祭拜雕像、神庙装饰 20 
2.3大型墓葬纪念物 36 
2.4节庆文化和亡灵祭祀：彩绘陶器 40 
2.5城邦与个人的图像符号：钱币与印章 53 
2.6形式语言、人的图像和艺术家 56 
第三章 古典时期 
3.1希腊人、市民与个人 60 
3.2中央广场与圣域：政治性的大型纪念物 62 
3.3神庙：介于伦理和政治之间的神话 67 
3.4神像：神性的维度 70 
3.5人的图像I：运动员和英雄 80 
3.6人的图像II：肖像的早期形式 88 
3.7墓地浮雕：死亡视角中的社会 92 
3.8节庆文化和亡灵祭祀：彩绘陶器 95 
3.9形式语言、人的图像和艺术家 101 
第四章 希腊化时期 
4.1君权与个人生活 106 
4.2君主：超凡魅力、激情107 
4.3神像：威严与生活享乐 116 
4.4神话图像：命运与激情 121 
4.5人的图像：分化的角色 125 
4.6氛围作为图像 130 
4.7住宅：私人领域的发现 135 
4.8形式语言、人的图像和艺术家 139 
延伸阅读 
译名对照表 
译后记 
出版后记

序言

致中国读者
　　　我十分高兴这本论希腊艺术的小书被译成中文。东亚艺术自有其深厚的传统，要让西方艺术的源头古希腊能够为中国读者理解，是一个巨大的挑战。就此而言，在海德堡大学和伯克利加州大学有中国学生的课堂上教授希腊艺术的经历让我难以忘怀。我希望这个译本能有助于建立有效的观念交流，揭示东西两种视觉艺术传统在其特定的社会文化价值观中的呈现。
　　　本书有三重写作目的。首先，它旨在呈现古希腊平等主义的小型城邦与它们周围君主政体的大型帝国相比，能够产生什么样的视觉艺术。相应地，对“人”这一观念、人的身体及其能力和意义的关切，以之作为模型来构想世界，后来成为“西方”艺术的根本问题。其次，本书旨在表明，古希腊的艺术品不是一个自律的审美现象，在博物馆或学园的封闭空间中被感知，而是在社会、宗教和政治生活中扮演了至关重要的角色：图像是观念中的城邦及其生活实践的一部分。虽然这种 “图像的社会文化”在古希腊尤为突出，它实则可以被理解为大多数前现代社会的一个特征。再次，我力图在写作这本书时不预设和接受西方艺术“自明”的前提，由此期望使它能够包容来自“外部”的开明的方法以及与其他社会视觉文化的比较。
　　　我很感激陈亮提议为这本书出一个中文版并承担了翻译的任务。我与他在研讨课以及私人会面中有过多次讨论，涉及了希腊罗马艺术的诸多问题，从他的作为我相信他能以明白的方式将本书移植入中国文化语境。此外，我要对后浪出版公司富于勇气的决定和对此书细致的编辑致以谢意。
　　　
　　　托尼奥·赫尔舍
2013年6月于德国海德堡

艺术之境：西方古典主义的辉煌与变迁 一部深度剖析西方艺术源头，勾勒自蒙昧至光辉的恢弘史诗。 本书带领读者穿越时空，深入探寻西方艺术思想的萌芽、发展与最终定型，聚焦于古希腊文明对后世乃至今日审美观念的深远影响。我们不只是简单罗列作品和年代，而是力求还原每一座雕塑、每一幅壁画背后所承载的哲学思辨、社会结构与精神追求。 第一部分：文明的曙光——米诺斯与迈锡尼的阴影 在真正意义上的“古典”到来之前，爱琴海的文明已然奠定了基础。本章将从克里特岛的宏伟宫殿遗址，特别是克诺索斯宫的壁画群入手，解析米诺斯文明中那种充满生命力、自由奔放的宗教与生活图景。我们探讨其独特的“蛇形女神”与自然崇拜，以及其艺术风格如何受到海洋文化的深刻塑造。 随后，我们将目光转向迈锡尼文明。在这里，艺术开始展现出更强的军事化和权力象征意义。分析“狮子门”的雄伟结构，考察描绘狩猎与战争场景的金器，理解这一时期艺术如何服务于城邦的防御和统治阶层的威严展示。这一时期的艺术，是希腊城邦精神尚未完全成型前的“前奏”，充满了原始的力量与神秘感。 第二部分：黑暗时代的过渡与“几何纹样”的秩序重建 特洛伊战争后的“希腊黑暗时代”，文化似乎陷入了停滞，但艺术的种子正在泥土下悄然积蓄。本章聚焦于这一时期陶器的转型。从原始的几何装饰，到叙事性的场域划分，我们可以清晰地观察到希腊人如何尝试用抽象的符号和严谨的几何构图来理解和组织他们所面对的世界。这种对“秩序”的追求，正是日后古典艺术理性精神的雏形。我们将详细解析“地引式”陶器（Dipylon Master）的复杂布局，以及它如何预示着人物形象的回归。 第三部分：古风时期的探索——人体的觉醒与理想化的开端 公元前八世纪，随着城邦（Polis）的兴起，艺术进入了“古风时期”。这是希腊人开始大规模接触东方艺术并进行本土化吸收的关键阶段。本章的重点在于雕塑的革命性进展。 我们深入分析“科洛斯”（Kouros，青年雕像）和“科蕾”（Kore，少女雕像）的演变。这些早期的大型石雕，尽管仍带有埃及风格的僵硬和正面律动，但其内在的精神已然不同。艺术家们开始探索人体结构，尝试赋予石人以生命的气息。重点考察“微笑”（Archaic Smile）的出现，这不是简单的快乐，而是一种介于现实与神性之间的、对“理想状态”的初步表达。此外，我们还将梳理陶器艺术在“黑绘法”阶段的发展，分析赫克托耳和阿喀琉斯等英雄故事如何在陶瓶上被首次定格。 第四部分：古典艺术的巅峰——黄金时代的理性与和谐 真正的革命发生在公元前五世纪的古典时期，尤其是雅典在伯里克利统治下的鼎盛时期。这一时期，艺术的核心目标是追求“完美的人性”与“至高的理性”。 A. 雕塑的黄金法则： 详细解读波留克列特斯（Polykleitos）提出的“《法则》”（The Canon）对人体比例的数学化规定。分析米隆的《掷铁饼者》如何捕捉运动中的平衡，以及波留克列特斯《荷斗者》（The Doryphoros）如何体现静穆中的内在张力。随后，我们将进入帕特农神庙的辉煌现场，分析菲迪亚斯如何将神性融入到极致的人体美中，探讨楣板、三角楣饰和浮雕中叙事与装饰的完美结合，以及这种“古典平衡”如何成为西方美学的永恒标尺。 B. 建筑的数学之美： 深入剖析多立克、爱奥尼克和科林斯三种柱式的演变与各自承载的文化内涵。以帕特农神庙为例，解析建筑师如何运用视觉矫正技术（如柱身的微凸与倾斜）来实现感官上的绝对完美，探讨柱式中的黄金分割与韵律感。 C. 陶艺的叙事高峰： 考察“红绘法”的成熟，艺术家如何利用陶土本身的红色作为人物主体，黑色背景凸显肌肉的轮廓与动态，使得描绘场景的细节和情感表达达到了前所未有的清晰度。 第五部分：希腊化时期的激情与转向——情感的释放与世界的融合 随着亚历山大大帝的东征，希腊的疆域和文化视野空前扩大，艺术也随之从城邦的理想化转向了更广阔的人类经验。希腊化艺术（Hellenistic Art）不再满足于平静的和谐。 本章着重分析情感张力的释放：从《萨莫色雷斯的胜利女神》那迎风飞扬的衣褶所蕴含的戏剧性，到《拉奥孔群像》中对痛苦、挣扎和绝望的毫不掩饰的表达。艺术开始关注普通人的命运、衰老、病态以及强烈的瞬间情感。同时，由于与东方文化的交融，艺术题材也变得更加世俗化、多样化，甚至带有一丝颓废的美感。我们将探讨这一时期在各地（如帕加蒙、亚历山大里亚）形成的区域性艺术风格，它们如何为后来的罗马艺术铺平了道路。 结语：永恒的回响 总结古典艺术留下的遗产，不仅是具体的石材与陶土，更是一种对人类潜能的深刻信念，对理性、和谐、力量与美的永恒追求。这种对“理想人”的塑造，将持续影响文艺复兴、新古典主义乃至现代设计中的每一个角落。本书旨在提供一个全面而深入的视角，理解“古典”二字的真正重量。

评分☆☆☆☆☆

我本来对艺术史这种宏大的叙事体系有点畏惧，总觉得会充斥着晦涩难懂的学术术语和枯燥的年代梳理。但是，这本书的叙事方式完全颠覆了我的认知。作者的文笔极其生动流畅，仿佛他不是在写历史，而是在讲述一个家族的兴衰史。他擅长捕捉那些隐藏在宏大背景下的“人情味”，比如某位雕塑家在创作巅峰时期的挣扎与荣耀，或是城邦政治风云如何直接影响到建筑风格的细微变化。阅读过程中，我经常会因为某个巧妙的比喻而会心一笑，或者为某个悲剧性的历史转折而扼腕叹息。这本书的结构安排也很有逻辑，不是简单的时间线推进，而是将不同的艺术形式（雕塑、建筑、陶艺）穿插对比，形成多维度的解读。它成功地将“学术研究”和“大众阅读”之间那条鸿沟给填平了，读起来毫不费力，却又信息量爆炸。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太棒了，拿到手就爱不释手。封面那种略带磨砂质感的纸张，搭配上烫金的字体，瞬间就提升了整本书的格调。内页的纸张选择也相当考究，颜色是那种温润的米白色，对眼睛非常友好，长时间阅读也不会感到疲劳。更值得称赞的是，这本书的排版简直是一场视觉盛宴。作者（或者说是编辑团队）在图文排布上花了不少心思，很多关键的艺术作品图片都采用了跨页或大篇幅的展示，色彩还原度极高，细节纤毫毕现，仿佛可以直接触摸到帕特农神庙的浮雕，或者感受到米洛的维纳斯雕像那流动的线条。那种沉浸式的阅读体验，在同类艺术史书籍中是少有的。看得出来，出版方在制作过程中对每一个环节都精益求精，绝对是值得收藏的一本“硬货”。每次翻开它，都像是在进行一次高质量的博物馆之旅，那种实体书独有的厚重感和美学享受，是电子设备永远无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

从使用体验的角度来说，这本书的价值远超其标价。我特别欣赏它在细节功能上的考量。比如，书后附带的那份详尽的“术语表”和“重要艺术家/时期时间轴”，简直是复习和速查的神器。在阅读过程中，我发现作者很注重读者的反馈回路，许多容易混淆的概念（例如“雅典式”和“爱奥尼亚式”柱式的微妙区别）都被用图示和对比表格的形式进行了提炼总结，非常清晰。而且，这本书的“耐用性”也很强，多次翻阅后，书脊依然牢固，装订质量稳定可靠。这让我觉得，这是一次非常值得的投资，它不仅仅是一本暂时的参考书，更像是一个可以长期陪伴我进行艺术鉴赏和学习的“知识伙伴”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配图选择和布局简直是教科书级别的典范。通常艺术类书籍最大的痛点就是图片质量参差不齐，或者关键细节图缺失。但这里完全没有这个问题。每一张插图都像是经过精心挑选和优化过的，清晰度高到足以辨认出画作表面颜料的笔触厚度。更绝的是，作者非常巧妙地运用了对比图。比如，在讨论“古典主义”的理想化人体时，会紧邻着展示一幅表现主义作品，用直观的视觉冲击来强调风格的演变和背离。这种“置于语境中”的展示方式，极大地提升了理解效率。我甚至不需要频繁地查阅其他资料，因为书中对关键文物的注释和局部放大图已经足够详尽，它自己构建了一个完整的视觉学习系统。对于我这种需要通过图像记忆和联想来学习的读者来说，这套书简直是量身定做。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术深度处理得非常到位，既保证了内容的专业性，又避免了陷入纯粹的考据泥潭。我注意到作者在论述中引用了大量一手资料和当代的考古发现，使得整个分析体系非常扎实可靠。特别是在探讨某些流派的哲学基础时，作者没有停留在表面的形式分析，而是深入挖掘了背后的形而上学思想，比如德尔斐神谕对建筑比例的影响，或是悲剧美学如何渗透到雕塑表情的塑造之中。这种深挖根源的做法，让原本静态的艺术品活了起来，充满了思想的张力。对于我这种对西方哲学史略有涉猎的读者来说，这本书提供了一个绝佳的跨学科视角，让我能够以更宏观的视野去审视那个辉煌的文明的审美脉络。