十二美人(国家艺术)(全二册)香港三联书店赵广超 吴静雯9789620430596艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 香港三联书店

ISBN：9789620430596

商品编码：25416128246

内容简介  · · · · · ·

趙廣超新作《十二美人》，一冊兩卷。

看雍正皇帝的品味，圓明園內有陳設，十二美人無故事。

本書把雍正年間繪成的十二美人絹畫考證一番，以彰顯美人的來歷、四時二十四節氣的變化，以及畫中一花一草、一壺一爐，琴棋書畫、亭台樓閣的擺設與考究，盡現畫家的心思，以及畫中人的情趣與審美，是了解當時士女生活不可多得之作。

作者又將十二美人的雅致，與西方維納斯的憂鬱、蒙娜麗莎的微笑、近代荷蘭畫家蒙德里安的幾何元素，以至現代版式設計的格線觀念相提並論，令觀者會心微笑，也進一步提升為中西繪畫美學異同的探究。

《江山如画：中国山水画的审美流变与哲学意蕴》 作者： 傅抱石 遗稿整理小组 编著 出版社： 北京大学出版社 出版时间： 2021年10月 ISBN： 978-7-301-32888-0 --- 内容简介： 《江山如画：中国山水画的审美流变与哲学意蕴》是一部集学术研究、艺术鉴赏与文化哲思于一体的鸿篇巨制。本书深度剖析了中国山水画自魏晋萌芽至近现代演变发展的全过程，不仅梳理了各个历史阶段的风格特征、技法创新与代表画家，更着重挖掘了山水画背后所蕴含的中国传统哲学思想、宇宙观与人生哲学。全书共分四卷，近百万字，以严谨的考据和独到的见解，为读者构建了一幅清晰而立体的中国山水画发展史的宏大画卷。 第一卷：源流初探与魏晋风骨——“气韵生动”的哲学奠基 本卷聚焦于中国山水画的早期探索阶段，重点解析了魏晋南北朝时期，随着玄学清谈之风的兴起，山水题材如何从人物画的背景中独立出来，成为承载文人精神寄托的重要载体。 核心内容包括： 1. 图腾与祭祀： 探讨远古岩画、青铜器纹饰与早期山水观念的关联，分析“山”与“水”在原始信仰中的象征意义。 2. 谢赫六法的新诠释： 深入解读“气韵生动”在山水画创作中的具体体现，阐释其如何超越单纯的形似，直指宇宙精神。 3. 顾恺之与荆浩的转折： 比较分析顾恺之“以形写神”的早期尝试与荆浩在北方山水的实践，特别是荆浩《匡庐记》等文献对后世的影响。书中通过对《匡庐图》残片的细致摹写与考证，还原了早期山水画对“势”的初步把握。 4. 道家山水观的渗透： 论述了老庄思想中“道法自然”、“虚静”等观念如何塑造了早期山水画家观察和表现自然的方式，强调了“卧游”精神的诞生。 第二卷：唐宋巨变与格局确立——壮阔气象与内敛意境的张力 第二卷是全书的重点之一，详细梳理了唐代山水画的“南北宗”之争，以及宋代学院派的集大成。这一时期，山水画的程式化、体系化构建完成，形成了中国山水画的典范。 核心内容包括： 1. 李思训、王维的南北分野： 细致对比了李思训的金碧山水与王维的水墨清淡之风，探讨了唐代宫廷审美与文人审美在山水题材上的分野。书中首次提出“唐代山水画的‘叙事性’与‘抒情性’的二元结构”。 2. 五代十国的巅峰： 集中笔墨研究了“全景式山水”的成熟，尤其对关仝、李成、范宽三家的风格进行了量化分析。书中收录了三家代表作的墨线分解图，揭示了他们如何通过皴法变化来表现不同山体的“性格”——范宽的雄强、李成的沉郁、关仝的整饬。 3. 宋代院体与文人画的交锋： 重点分析了北宋李公麟“以书入画”对水墨技法的提升，以及南宋马远、夏圭“边角式”构图的创新，揭示了这种构图背后，士大夫阶层在社会动荡中寻求精神寄托的心理投射。书中对“一角”、“半边”的理论进行了深入的哲学阐释，认为这是宋代士人对“不完满”人生态度的艺术表达。 第三卷：元明清的转折与文人画的“主观化”——笔墨的本体论探索 第三卷聚焦于元代以后，山水画彻底脱离画院，成为文人修身养性的核心手段。本卷强调了“笔墨即意味”，探讨了水墨语言的本体论价值。 核心内容包括： 1. 元四家的地域性与个性化： 系统梳理了黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的艺术道路。书中特别指出倪瓒的“旷疏”并非技法简单，而是其“洁癖”精神在笔墨上的极端提炼，并结合其诗文论证了“禅宗”思想对倪瓒画风的决定性影响。 2. 董其昌的理论构建与“有无相生”： 全面阐述了董其昌“南北宗论”的历史地位与局限性。作者认为，董其昌对山水画理论体系的梳理，是明末士人面对传统高峰时，试图通过理论构建来确立自身地位的努力。书中对董氏的“墨戏”理论进行了深入的辨析。 3. 清初“四王”的集大成与复古： 分析了清初山水画在技法上对元、明高峰的总结与回归，探讨了其“集古”背后所体现的文化保守主义倾向，以及他们如何通过对笔墨程式的精微变化来维系传统艺术的权威性。 第四卷：近现代的革新与时代的呼唤——“中国画”的现代转型 本书的收官之卷，着眼于晚清至民国时期，面对西方现代艺术的冲击，中国山水画如何寻求变革与出路。 核心内容包括： 1. 吴昌硕的“入古出新”： 探讨了吴昌硕如何将金石入画，以苍劲的笔墨打破了四王以来的“柔熟”倾向，为山水画注入了阳刚之气。 2. “新国画”的实验： 详细介绍了岭南画派的折衷创新，以及黄宾虹在黑密浓重的笔墨中探索的“内美”观。书中着重分析了黄宾虹晚年“七笔”的构成，认为这是中国传统水墨语言在现代语境下探寻最大可能性的尝试。 3. 山水画的当代价值： 总结了山水画在当代社会中，从写实景观到表现心灵风景的转变，讨论了其在生态伦理和文化身份建构中的持续作用。 全书配有大量高精度线描图、墨迹放大图及历史文献的对比分析，旨在引导读者不仅“看懂”山水画的技法，更能“读懂”其背后两千年来中国文人面对自然与自我时所进行的深刻哲学对话。本书是研究中国艺术史、美学及中国哲学思想的学者、专业美术院校师生及高层次艺术爱好者不可或缺的案头之作。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究魏晋风度，这本书里关于那个时代士人精神面貌的探讨，给了我极大的启发。它没有陷入对竹林七贤的过度浪漫化描述，而是冷静地分析了在那个大动荡时代背景下，知识分子如何通过“玄学”和对自然、个性的推崇来寻求精神上的自洽与逃离。书中对于魏晋时期书法和绘画风格如何契合这种“狂放不羁”又“高标独立”的精神气质，有着非常独到的见解。特别是对顾恺之和那个时期山水画萌芽阶段的论述，作者敏锐地捕捉到了从人物中心转向自然审美的那个关键的转折点，并将其与当时的社会思潮紧密联系起来，逻辑清晰，论证有力。它不像某些学院派著作那样晦涩难懂，反而充满了对历史人物的同情和理解，读起来让人感觉像是与一位见多识广、心胸开阔的朋友在探讨古今之变，非常引人入胜。

评分☆☆☆☆☆

这本书在构建中国古代审美体系这个宏大的命题上，采取了一种非常细致入微的“由表及里”的路径，这一点我非常欣赏。它从具体的器物、服饰、建筑元素入手，层层递进地剖析其背后的哲学基础和价值取向。比如，在讨论园林艺术时，作者没有停留在介绍亭台楼阁的布局上，而是深入探究了中国人对于“借景”、“框景”的偏爱，这种偏爱折射出的是人与自然和谐共处的理想，以及对有限空间内无限意境的追求。这种分析方式使得读者在欣赏那些精美的艺术品时，不再是停留在“好看”的层面，而是能理解“为什么这样设计是美的”、“这种美如何体现了中华民族的集体精神”。全书的行文流畅自然，充满了对传统文化的自豪感，但又保持了审慎的学术态度，是一本既能让人陶冶情操，又能增长知识的优秀读物，绝对值得反复研读。

评分☆☆☆☆☆

这部关于中国古代服饰与文化的研究，真是让人大开眼界。作者对于不同朝代的服饰变迁，不仅仅是简单地罗列款式和材料，更是深入挖掘了这些衣着背后的社会结构、礼仪规范乃至审美情趣的演变。比如，书中对唐代女性服饰的描绘，那种雍容华贵、大胆创新的气度，仿佛能透过文字直接感受到那个黄金时代的开放与自信。再说到宋代的简约内敛，那种文人雅士的清高和对自然之道的追求，也通过服饰的线条和配色得到了极佳的体现。细节之处尤其令人称道，比如对特定纹样的考证，那些看似不经意的云纹、龙纹或者花卉图案，背后都有着深厚的文化寓意和历史背景，绝非泛泛而谈。读完之后，我对“衣冠上国”这个称谓有了更直观、更立体的理解，它不再是一个空洞的口号，而是渗透在每一个褶皱、每一寸丝线里的历史沉淀。这本书的学术深度是毋庸置疑的，但叙述方式却不失生动，即便是对古代服饰史不甚了解的普通读者，也能被其中蕴含的艺术魅力深深吸引。

评分☆☆☆☆☆

这本装帧精美的艺术画册，简直是一场视觉的盛宴。我尤其欣赏它在版式设计上的独到匠心，每一页的留白、图文的排布都经过了深思熟虑，使得那些精美的古代绘画或器物图片，能够以最优雅的方式呈现在读者面前。那些关于宋瓷釉色的探讨，简直是神来之笔。要知道，宋瓷的“天青”、“雨过天青云破处”那种玄妙的色彩，即使用现代最先进的数码印刷技术来复制，都难以捕捉其万分之一的精髓，但这本画册却通过巧妙的光影处理和纸张选择，尽可能地还原了那种温润如玉、内敛含蓄的美感。翻阅的过程本身就是一种享受，它强迫你放慢速度，去凝视那些可能在一瞥之间就会错过的细微之处，比如画作中人物的眼神、雕塑上的刀痕，甚至是拓片边缘的残缺美。对于那些热爱传统艺术，又追求阅读体验的同好来说，这绝对是案头必备的珍品，每一次翻阅都能发现新的惊喜和感悟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文物摄影功力，简直是达到了出神入化的地步。我手里有很多关于古代金银器和玉器的图册，但很少有能将这些器物那种材质的厚重感和历史的沧桑感完美结合在一起的。这本书中的特写镜头，尤其值得称赞。它们不仅仅是清晰地记录了器物的形制，更捕捉到了光线在金属表面折射出的那种微妙的光泽变化，以及玉石内部的冰裂纹理。例如，那些关于汉代玉璧的图片，你可以清晰地看到表面经过数千年埋藏后留下的那种温润的沁色，以及琢磨时留下的细密刻痕，让人不禁感叹古人的鬼斧神工。摄影师似乎深谙“留白”的艺术，他知道何时应该让背景虚化，何时又需要环境的烘托来衬托主体的庄严。对于搞文物修复或者艺术品鉴赏的人来说，这本书提供的视觉资料无疑具有极高的参考价值，其清晰度和真实感，是很多博物馆出版物都难以比拟的。