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店铺： 鑫舟启航图书专营店

出版社： 山西教育出版社

ISBN：9787544005944

商品编码：25484816660

丛书名： 音乐审美

开本：16

出版时间：2010-09-01

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基本信息 书名：音乐审美 编著： 蔡经华 开本：16 字数：241000 页数：169 定价：19 ISBN：978-7-5440-0594-4 出版社：山西出版传媒集团  山西教育出版社 出版时间：2008年12月第1版

目录 

章 音乐——生活中无处不在
第二章 音乐的起源
第三章 音乐与其他姐妹艺术的区别
第四章 音乐与其他姐妹艺术的结合
第五章 音乐中的模仿
第六章 音乐难道没有内容吗
第七章 你有“音乐细胞”吗？
第八章 音乐的耳朵
第九章 音乐的功能
第十章 乐音的四大属性
一 音高
二 音值
三 音强
四 音色
第十一章 音乐的骨骼——节奏
第十二章 音乐的灵魂——旋律
第十三章 丰富旋律的重要手段——和声
第十四章 音乐是流动的建筑——音乐的结构
一 什么是主题？
二 音乐主题如何发展？发展的手法是什么？
(一)重复
(二)变奏
(三)展开
(四)再现
(五)对比
三 常见典型曲式结构
(一)乐段(一部曲式)
(二)二段体(二部曲式)
(三)三段体(三部曲式)
(四)回旋曲式
(五)变奏曲式
(六)奏鸣曲式
(七)套曲曲式
(八)单乐章的混合、自由曲
第十五章 音乐的体裁
声乐体裁
一 我国民族民间声乐体裁
(一)民歌
(二)曲艺音乐
(三)群众歌曲
(四)中国歌舞音乐
(五)戏曲音乐
1.声乐部分
2.器乐部分
3.戏曲音乐的主要声腔
二 西方声乐体裁
(一)艺术歌曲
(二)声乐套曲
(三)歌剧
(四)康塔塔
(五)清唱剧
器乐体裁
一 我国民族的器乐体裁
二 西方音乐的器乐体裁

......

内容介绍

  《音乐审美》从宏观到微观揭开音乐的神秘面纱，您认识、理解、欣赏音乐，在音乐的世界里遨游驰骋，在音乐的殿堂中浏览、徜徉。
   本书与读者促膝谈心，面对面地阐述音乐是怎样产生的，如何欣赏音乐，音乐美在何处，你有音乐细胞吗，什么是音乐的耳朵，音乐的节奏、旋律、和声、结构是什么，什么是良好的审美情趣，什么是流行音乐……本书从18个方面(每个方面均配有点晴之笔的范曲的谱例)详论细说欣赏音乐的要、特性和方法，给您一把启示的钥匙，在边读、边对照、边会、边哼边唱中，进入到音乐天地之中，进入知其然又知其所以然的境界，获得音乐之美的艺术享受。
   本书为艺术丛书之一。

跨越时空的音符与哲思：精选音乐文献导读与赏析 本书导读： 本书旨在为音乐爱好者、专业学习者以及对艺术哲学抱有浓厚兴趣的读者，构建一座通往音乐世界深层结构与广袤美学疆域的桥梁。我们精选了一系列具有里程碑意义的音乐理论著作、经典美学思辨录以及不同历史时期音乐实践的深度剖析文献。通过对这些核心文本的细致梳理与深入解读，读者将能够超越单纯的旋律欣赏层面，直抵音乐艺术赖以成立的底层逻辑与精神内核。 全书结构严谨，内容涵盖西方音乐理论的奠基性工作，如对和声、对位法的系统阐释，以及对曲式结构宏观把握的经典论述。同时，我们也关注不同文化背景下音乐观念的演变，探讨了东方音乐体系中独特的音高观念、节奏模式及其哲学意蕴，力求提供一种多维度的、兼具历史纵深感与跨文化视野的音乐理解框架。 第一部分：西方音乐传统的理论基石与体系构建 1. 早期复调的逻辑重构：从格里高利圣咏到帕莱斯特里那模式 本章聚焦于西方中世纪晚期至文艺复兴时期音乐形态的规范化过程。我们将详细剖析“奥尔加农”（Organum）的早期形态，阐释其如何从平行进行向自由对位法的过渡。重点研究了记谱法的革命性发展——特别是“等时记谱法”向“定量记谱法”的演进，及其对复杂多声部音乐创作的解放意义。 随后，深入探讨纯正文主义（Palestrina Style）的精髓。这不仅仅是教会音乐的典范，更是对声音逻辑进行高度提炼的体现。分析其如何通过严格的对位规则（如音程选择、悬挂音处理、终止式设计）来服务于文本的清晰表达，并揭示其在声部平衡与调性色彩上的微妙拿捏，这为后世的巴洛克对位法奠定了不可动摇的理论基础。 2. 巴洛克时期的激情与秩序：巴赫的技艺与形式的张力 巴赫的作品是理性与情感完美结合的典范。本节集中研究《赋格的艺术》（The Art of Fugue）的结构哲学。我们将拆解“呈示部”、“展开部”和“再现部”中各种主体与客体的变形技巧，包括倒影（Inversion）、逆行（Retrograde）、增值（Augmentation）和减值（Diminution）。这种对单一主题进行近乎无限的逻辑推演的能力，展现了巴洛克时期知识分子如何将数学的严谨性融入到感性的艺术表达之中。 同时，对通奏低音（Basso Continuo）的理解是进入巴洛克音乐的关键。我们不仅讨论其演奏实践（如即兴数字低音的解读），更着眼于其作为“和声骨架”在音乐结构中的核心作用，它是早期大调体系得以快速确立的重要推手。 3. 经典时期的“自然”与“清晰”：奏鸣曲式的解剖 古典主义音乐追求清晰的结构、平衡的比例与明确的情感表达。本章的核心是奏鸣曲式（Sonata Form）的系统分析。我们将详细区分呈示部（主题的引入与对比）、展开部（调性冲突与材料的破碎重组）和再现部（冲突的解决与主题的回归）。通过对海顿、莫扎特和贝多芬早期作品的实例分析，读者将掌握如何识别主调区、副调区、插部以及尾声的特定功能。 此外，对交响曲和弦乐四重奏的结构分析，展现了古典主义时期音乐家如何将室内乐的亲密对话扩展到宏大的管弦乐场面，实现不同乐器组之间的精妙互动。 第二部分：音乐美学与哲学思辨的深度探索 4. 听觉的形而上学：从莱布尼茨到康德对音乐的界定 音乐作为一种“时间的艺术”，如何与人类的认知和情感发生关联？本部分将回顾西方哲学史上关于音乐本质的争论。我们将考察莱布尼茨提出的音乐是“无意识的心灵在进行算术”的观点，即音乐的结构美与数学的和谐性之间的内在联系。 重点聚焦于康德的《判断力批判》中对音乐地位的讨论。康德将音乐置于“有目的的无目的性”范畴，探讨了优美（Schönheit）与崇高（Erhabenheit）在音乐体验中的体现。分析康德对“纯音乐”与“歌唱性音乐”的区分，及其对“审美判断”中普遍性和必然性要求的探讨。 5. 浪漫主义的“无限”追求：舒曼与瓦格纳的内心景观 浪漫主义将音乐从模仿自然转向表达主体内心深处的“无限情感”。我们将深入研究舒曼的“音乐诗性”——即如何通过“乐思”（Motiv）的碎片化、联想式的排列，构建出文学性极强的音乐叙事。他将德彪西式的“暗示”手法提前引入了德语艺术歌曲的语境中。 另一核心是瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理论。这不仅是音乐与戏剧的融合，更是对传统歌剧结构的反叛。通过对“主导动机”（Leitmotif）体系的细致追踪，展现了瓦格纳如何用音乐的织体来承载复杂的人物关系、预示未来的命运，从而实现了听觉叙事的深度缠绕。 第三部分：非西方音乐视野与现代性的声音挑战 6. 东方声响的内在秩序：中国传统音乐的调式与情感载体 本书打破西方中心主义的视角，转向对东方音乐体系的介绍。我们将探讨中国七声音阶（宫、商、角、徵、羽）的音高系统，并分析其与中国古代五行学说的哲学对应关系。重点关注“文”与“武”两种音乐品格的划分，以及丝竹乐在结构上对“意境”的追求，这与西方音乐对“冲突解决”的执念形成鲜明对比。 深入分析古琴音乐的减字谱记谱法，理解其背后“一音多义”的演奏哲学——一个音符的起、承、转、合，如何被赋予极其复杂的节奏与力度变化，旨在捕捉自然呼吸与心灵活动的微妙瞬间。 7. 20世纪的结构解体与重建：从无调性到序列化的理性回归 步入现代，音乐的根基受到挑战。本章聚焦于勋伯格如何系统地构建十二音体系（Twelve-Tone Technique）来应对传统调性的衰竭。分析“音列”（Series）的基本形态、逆行、倒影和逆行倒影之间的数学关系，探讨这种方法如何力图在“无调性”中重新建立一种客观的组织原则。 同时，对比德彪西的印象主义美学，即通过全音阶、五声音阶和模糊的和声色彩，来“描绘”光影和氛围，而非明确叙事。这种对听觉感官的直接激发，预示了对传统“意义”的彻底解放，为后来的电子音乐和环境音乐提供了重要的美学先声。 结语：永恒的追问 本书的最终目标并非提供一套标准答案，而是鼓励读者带着批判性的眼光去聆听。从古老的韵律到电子的脉冲，音乐的本质始终在于人类尝试用时间组织的声音来把握自身存在的意义。深入理解这些文献与理论，将使每一次聆听都成为一次深邃的哲学对话。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对声乐一直很感兴趣但又缺乏系统学习的人，这本书对我来说简直是一场及时雨。我一直很困惑，为什么有些歌手唱歌那么好听，而我唱起来却总是差强人意。这本书就像一把钥匙，为我打开了声乐学习的大门。它的讲解非常系统，从最基础的发声原理，到不同声区的控制，再到情感的表达，几乎涵盖了声乐学习的方方面面。我特别赞赏书中对于“气息运用”的讲解，作者用了大量的图示和比喻，把这个抽象的概念讲得非常清晰明了，让我终于明白为什么气息那么重要，以及如何才能有效地运用它。而且，书中的练习方法也很多样，既有适合初学者的基础练习，也有一些进阶的技巧指导。我尝试着跟着书中的一些练习，虽然一开始会有些生涩，但慢慢地，我感觉自己的声音似乎真的有了一些变化。我不再只是盲目地模仿，而是开始理解了每一个发声动作背后的原理。这本书让我对声乐学习有了更清晰的目标和方向，也让我重拾了学习的信心。

评分☆☆☆☆☆

我之前对音乐的理解，很大程度上是基于我个人的喜好，觉得好听的就喜欢，不好听的就直接pass。这本书，尤其是其中关于“青年读物”的部分，却从一个全新的角度，引导我认识音乐。它没有用那种高高在上的语气，而是用一种非常贴近年轻人生活的语言，探讨了音乐在当代社会中的作用，以及年轻人如何通过音乐来表达自我、认知世界。我特别喜欢书中对流行音乐的分析，作者并没有简单地否定或赞扬，而是深入剖析了流行音乐的特点、成因以及其背后所反映的社会文化现象。这让我意识到，即使是看似“简单”的流行音乐，也蕴含着丰富的社会信息和审美价值。读完之后，我开始重新审视自己听的音乐，不再仅仅是关注旋律和歌词，而是开始思考它们所传达的意义，以及它们对我个人成长的影响。这本书让我觉得，音乐不仅仅是耳朵的享受，更是思想的启迪，是认识世界的一扇窗。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一直对“音乐审美”这个概念有点模糊，总觉得它太抽象，离我们普通人的生活有点远。拿到这本书的时候，我并没有抱太高的期望，只是抱着了解一下的心态。但读着读着，我发现这本书的讲解方式非常独特。它没有上来就讲那些高深的理论，而是从一些日常生活中大家都能接触到的音乐场景入手，比如电影配乐、广告歌曲，甚至是广场舞的音乐，然后循序渐进地引导我们去思考为什么这些音乐会让我们产生某种感受。作者的语言非常通俗易懂，就像一位耐心细致的老师，一步步地带领我们走进音乐审美的世界。我尤其喜欢其中关于“情感共鸣”的章节，作者通过很多生动的例子，解释了音乐是如何触动我们内心的。读完这一部分，我突然觉得，原来音乐审美并不是遥不可及的，它就藏在我们身边，藏在我们每一次听到触动心灵的旋律时。这本书让我觉得，音乐不仅仅是声音的组合，更是一种情感的交流，一种心灵的对话。我迫不及待地想尝试去分析一些自己喜欢的歌曲，看看我是否也能从中发现更多有趣的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术丛书系列 音乐审美 声乐教材 音乐美学 青年读物》我最近正在啃，说实话，内容相当厚重，不是那种快餐式的读物。它更像是一本需要你坐下来，慢慢品味，反复琢磨的书。我比较喜欢它对音乐美学历史的梳理，从古希腊的哲学思想，到近现代的各种美学流派，作者都进行了比较详尽的介绍。这对于我这样想要了解音乐美学发展脉络的读者来说，非常有帮助。我尤其对其中关于“形式美”和“表现美”的辩证关系的讨论很感兴趣，作者通过大量的案例分析，让我对这两种不同的审美取向有了更深刻的理解。当然，有些理论性的东西确实比较烧脑，需要花时间去消化。但我相信，多读几遍，多思考一下，肯定会有收获。这本书的优点在于它的深度和广度，它不是浅尝辄止，而是深入挖掘了音乐美学的核心问题，提供了很多值得我们思考的观点。对于想要深入研究音乐美学的读者来说，这本书绝对是一个不错的选择。

评分☆☆☆☆☆

这本书我拿到手里的时候，就被它朴实无华的外表吸引了。没有那些花哨的封面设计，也没有为了吸引眼球而使用的夸张字体，一切都显得那么沉静，仿佛在低语着知识的力量。打开书页，一股淡淡的油墨香扑鼻而来，这大概是老派书籍特有的味道吧。翻阅几页，里面的排版也很是规整，字迹清晰，阅读起来非常舒服。我特别喜欢它在一些关键概念的解释上，会用小标题或者加粗的方式来突出重点，这对于我这样需要反复琢磨才能理解的人来说，简直是福音。而且，书中穿插的一些插图，虽然不多，但都恰到好处，没有喧宾夺主，反而能帮助我更好地理解抽象的理论。我还在想，如果能有一些更加现代化的设计，比如二维码链接到一些相关的音乐片段，那就更完美了。不过，即使是现在这样，它也已经远远超出了我的预期。我正在尝试跟着书里的讲解来分析一些我熟悉的乐曲，虽然有些地方还需要查阅其他资料，但整体感觉是，这本书为我打开了一个新的视角，让我对音乐有了更深的认识。总的来说，这本书给我的第一印象是严谨、扎实，是一本值得细细品读的工具书。