正版 作曲基本原理(修订版) 音乐作曲教程理论教材 勋伯格作曲教程书 作曲教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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吴佩华 译

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店铺： 华夏共赢图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787805533605

商品编码：27302718597

品牌：艾帛利（Abooly）

出版时间：2008-02-01

 

目录

绪论——列奥尼德?施泰因
编者前言——杰拉尔德?斯特朗
说明
第1部分 主题的构造
第1章 曲式的概念
第二章 短句
谱例说明
第三章 动机
动机的运用要求变奏
动机由何构成
动机的处理与运用
谱例说明
第四章 动机型的结合
建造短句
第五章 简单主题的构造
一、开始写乐句
乐段与乐句
乐句的开端
属形式：补充的重复
谱例说明
二、乐段的前句
贝多芬钢琴奏鸣曲中一些乐段的分析
其他名曲选例的分析
前句的构造
三、乐段的后句
旋律方面的考虑：终止式轮廓
节奏方面的考虑
关于浪漫派作曲家的一些乐段的评述
四、乐句的完成
谱例说明
第六章 伴奏
伴奏的可省略性
伴奏的动机
伴奏的类型
声部进行
低声部线条的处理
伴奏动机的处理
乐器的要求
第七章 性格与情绪
第八章 旋律与主题
声乐旋律
器乐旋律
旋律与主题
第九章 关于自我检验
如何进行自我检验
第二部分小型曲式
第十章 小三部曲式(A-B-A')
小三部曲式
对比的中间段
谱例说明
上拍和弦
再现部
第十一章 非偶数、不规则、不对称的结构
第十二章 小步舞曲
曲式
三声中部
第十三章 谐谑曲
A段
转调的对比中段
练习形式
再现部
延伸、插段与小尾声
尾声
三声中部
第十四章 主题与变奏
主题的结构素质
主题与变奏之间的关系
变奏的动机
变奏动机的产生
变奏动机的应用与加工
变奏中的对位
为变奏打草稿
谱例126的说明
一整套变奏的组织
第三部分大型曲式
第十五章 大型曲式的各个部分(附属形式)
过渡段
具有独立主题的过渡段
从前面的主题发展出来的过渡段
再过渡段
副主题组
抒情主题
尾声
第十六章 回旋曲式
行板曲式(ABA与ABAB)
其他简单回旋曲
再现部中的变奏与变化(正主题)
再现部中的变奏与改动(副主题组)
大型回旋曲式(ABA—C—ABA)
奏鸣回旋曲式
第十七章 奏鸣曲快板(第1乐章的曲式)
奏鸣曲快板
呈示部
正主题(或正主题组)
过渡段
副主题组
加工部
再过渡段
再现部
尾声
结束语
附录——阿诺德?勋伯格

 

内容推荐

本书是阿诺德·勋伯格的三部关于音乐理论与实践的巨著中的最终一部，主要是根据他在美国的教学经验写成的。像另外那两本(《和声的结构功能》与《对位初步练习》)一样，本书也是既适用于日后可能成为作曲家的天才学生，又可供“一般水平的大学生”使用(见书末附录中勋伯格的自述)。正如作者所说，他计划把它写成一本“深入浅出地讨论技术问题”的书。
本书一书结合采用了两种探讨方法：(一)分析名家作品，重点是贝多芬的钢琴奏鸣曲；(二)实际写作音乐曲式(小型与大型)。作为一本分析教材，它把《和声的结构功能》中的后面几章，特别是第十一章《用于不同作曲目的的进行》作了更详尽的阐述。作为一本作曲初步练习的教程，它扩充了《初学者作曲典范》这本提纲中的素材。
在本书中，像在他所有的音乐实践手册(包括早期的《和声理论》)中一样，勋伯格的教学法主要并不是只着眼于理论上的考虑(虽然在他的实践指导中总是可以找到基本的理论基础)，而是还立足于揭示作曲的基本技术问题，并说明如何用若干不同方式加以解决。通过这样的探讨，鼓励学生在评比许多可能性的基础上培养自己的判断力。

音乐理论与实践的深度探索：一部开创性的音乐创作指导 书名（虚拟）：《和声织锦：二十世纪音乐语言的演变与构建》 导言：超越传统的和声边界 在音乐创作的广袤领域中，对声音的组织与理解是永恒的核心。本书并非对既有古典体系的简单复述，而是将读者带入一个更广阔、更具实验性的音乐视野。我们聚焦于二十世纪以来，作曲家们如何挑战并重塑了我们对音高、节奏、织体乃至音乐结构本身的认知。本书旨在为有志于拓展自身音乐语汇的创作者提供一套系统而深入的工具箱，引导他们理解和运用那些从德彪西、斯特拉文斯基直到后序列主义和极简主义所孕育出的全新音乐语言。 第一部分：二十世纪和声的解构与重建 本部分将深入剖析传统调性体系瓦解后，音乐家们如何开辟出新的组织原则。我们不会停留在对“无调性”的简单描述，而是着眼于具体的构建方法。 第一章：调性边缘的探索——印象主义与早期现代主义的和声色彩 全音阶与五声音阶的色彩运用： 探讨德彪西如何利用这些非传统音阶，创造出流动的、模糊的调性空间，以及如何将其融入现代配器之中。 非功能性和弦的并置： 分析如何通过平行和弦进行、以及对九和弦、十一和弦等复杂和声的自由应用，实现色彩优先于功能性的写作。 音响场域的构建： 区分声部之间的垂直关系如何从驱动叙事转变为描绘固定或动态的音响“云朵”。 第二章：自由无调性与十二音体系的逻辑 申伯格的革命： 详细阐释“十二音技法”的严格规则，包括音列的构建、转化（移位、倒影、逆行）及其在音乐材料中的分配。本书将强调十二音体系并非仅仅是“随机选取十三个音符”，而是构建内部逻辑和平衡的严密过程。 韦伯恩的序列化： 重点分析韦伯恩如何将序列化的概念从音高扩展到节奏、力度和音色，实现全面序列化的思维模式，以及由此产生的简洁、晶体般的结构。 对位法在无调性中的重生： 研究如何在缺乏传统调性指引的情况下，通过严格的对位规则（如卡农、赋格）来确立音乐的结构清晰性。 第三章：新古典主义的回响与回归 斯特拉文斯基的“复古”手法： 探讨他如何借鉴巴洛克与古典时期的形式（如奏鸣曲式、协奏曲结构），但填充以完全现代的和声与节奏语言。 多调性（Polytonality）的张力： 深入分析将两个或多个调性体系并置所产生的听觉效果，以及如何通过这种冲突来构建戏剧性的高潮或稳定的对比。 第二部分：超越音高：节奏、音色与结构的新维度 本部分关注声音的物理属性和组织形式，这些在二十世纪后期变得与音高同等重要。 第四章：节奏的解放与计量学 节奏的非对称性： 分析不规则节拍（如5/8, 7/16）的常态化应用，以及如何通过节奏的“交叉”和“嵌入”来创造内部的复杂性。 复节奏与分层： 探讨不同声部如何拥有独立且不相互协调的节奏框架，创造出一种“速率的复调”。 极简主义的时间观： 详细解析雷利希、赖利等人如何通过极慢的速度变化（相位差）或极简的动机重复来消解传统的时间感，使听者专注于声音的微小变化。 第五章：音色（Timbre）作为主要组织元素 音色组的运用： 探讨如何像安排和弦一样组织音色，例如，将特定乐器的组合视为一个“音色和弦”，并在作品中进行功能性转换。 技术拓展与非常规演奏法： 系统介绍传统乐器通过扩大演奏技巧（如泛音、弓法变化、呼吸噪音）所能产生的“新音色材料”，及其在电声音乐中的对应策略。 第六章：空间、随机性与过程音乐 声场布局（Spatialization）： 讨论作曲家如何利用音乐厅的物理空间，将声音源进行精确或随机的定位，使空间本身成为作曲要素。 机会过程与不确定性： 深入研究布克塞德、凯奇等人的“机会”或“随机”创作方法。本书将提供框架来分析这些“不确定性”背后的创作意图和听觉结果，而非仅仅视之为随机的堆砌。 第三部分：现代作曲技术的实践指南 本部分将为学习者提供将理论转化为实际作品的桥梁。 第七章：电子与电声音乐的入门语汇 声音的合成与处理： 介绍早期振荡器技术、滤波、调制等基本概念，以及如何将这些技术思维应用于传统乐器配器中。 磁带音乐与录音的“发现法”： 分析如何通过对真实世界声音的剪辑、加速、反转等处理，构建出具有内在逻辑的音乐结构。 第八章：微观结构与宏观形式的对应 形式的迭代： 研究如何将微小动机的变形规律，应用到整个作品的宏观结构布局中（例如，通过音高序列的密度变化来对应奏鸣曲式的呈示部与再现部）。 参数化写作的逻辑流程： 为学习者建立一个从确定参数（如音高集合、节奏单位）到最终乐谱的清晰操作路径。 结语：面向未来的创作视角 本书的最终目的，是培养创作者的批判性听觉和实验精神。音乐的疆界仍在不断拓宽，掌握这些二十世纪的工具，是为了更好地认识它们的作用和局限，并最终发展出属于我们这个时代的声音表达。读者将学会如何构建一个既有内部逻辑又充满听觉张力的现代音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，远不止是知识的增长，更是一种思维方式的转变。我一直认为作曲是一件非常神秘、天赋异禀才能做到的事情，但读完这本书，我才意识到，这其中蕴含着一套严谨的逻辑和一套可以学习的方法论。它让我明白了，音乐创作并非是凭空想象，而是在已有的规则和体系之上进行创新和表达。书中对和声功能的解析，对曲式结构的讲解，让我能够更加理性地分析一首乐曲的内在逻辑，从而更好地构建自己的音乐。我特别喜欢作者在讲解一些高阶概念时，所引用的作曲家案例，那些大师们是如何在规则的框架内打破常规，创造出令人惊叹的音乐，这让我看到了理论的灵活性和延展性。这本书不是那种告诉你“怎么做”的书，而是告诉你“为什么这么做”的书，它更侧重于培养读者的独立思考能力和解决问题的能力。通过这本书，我开始尝试用更系统、更深入的方式去分析我喜欢的音乐，去拆解它的构成，去理解它的情感表达是如何通过音符和结构来实现的。这让我对音乐的理解进入了一个全新的层次，也为我自己的创作实践提供了源源不断的灵感和方向。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经尝试过一段时间作曲，但总是停滞不前的业余爱好者，这本书为我指明了一条新的道路。我之前总是纠结于旋律的创作，但这本书让我意识到，旋律只是音乐的一部分，而整体的音乐结构、和声的色彩、节奏的律动，甚至包括配器的选择，都同样重要。作者在书中强调的“整体性”和“逻辑性”，让我开始重新审视自己的创作过程。我之前常常是想到哪写到哪，缺乏清晰的构思和结构。这本书提供了一个系统性的框架，让我能够从宏观到微观，一步步地构建我的音乐作品。我尤其欣赏书中对于不同音乐时期作曲家风格的分析，让我能够更好地理解音乐发展的脉络，以及不同理论在不同时代是如何被运用和发展的。它让我意识到，音乐创作并非是孤立的个人行为，而是与历史、文化、甚至时代精神息息相关的。这本书的启发性非常强，它不仅仅是一本理论教材，更像是一位经验丰富的导师，在指引我如何更深入地理解音乐，如何更有效地进行创作。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书简直是打开了我音乐创作新世界的大门！作为一个对作曲充满向往，但又常常感到无从下手的新手来说，这本书简直就是雪中送炭。我之前尝试过一些网上零散的资料，看了一些入门级的视频，但总感觉像是在碎片化的海洋里挣扎，找不到一条清晰的路径。而这本书，从最基础的音程、和弦、调式讲起，循序渐进，逻辑清晰，让我对音乐的构成有了颠覆性的认识。它没有把那些枯燥的乐理知识堆砌成一本教科书，而是用一种非常生动、甚至有些艺术化的语言来阐述，仿佛每一个音符、每一个和弦都有了生命。作者的讲解深入浅出，尤其是在分析一些经典作品的时候，那种洞察力让我拍案叫绝。我能感受到作者在音乐理论和实践上深厚的功底，并且能够将如此复杂的知识体系，以一种如此易于理解的方式呈现出来，这本身就是一种了不起的成就。书中的例子也非常丰富，涵盖了不同时期、不同风格的音乐，让我不仅仅是学习理论，更能体会到理论是如何在实际创作中发挥作用的。我之前总是觉得创作需要灵感，但这本书让我明白，灵感固然重要，但扎实的理论基础更是创作的基石。它让我看到了通往伟大作曲家之路的可能性，激发了我不断探索和实践的动力。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书比我想象中的要“硬核”一些，但正是这份“硬核”才让我觉得它价值非凡。它没有回避那些对新手来说可能略显晦涩的音乐理论术语，但作者的处理方式非常巧妙，通过大量的实例和比喻，让这些概念变得生动起来。我之前在学习一些理论时，经常会遇到“死记硬背”的情况，因为不理解其背后的原理。而这本书，从根源上解释了每一个概念的意义和作用，让我能够真正地“理解”而不是“记住”。尤其是关于对位法的讲解，我之前一直觉得它是音乐中最复杂、最难以掌握的部分之一，但这本书将其拆解得非常清晰，让我看到了对位法的精妙之处，以及它如何能够创造出丰富而立体的音乐织体。这本书更像是音乐理论的“武功秘籍”，它教你的是内功心法，而不是简单的招式套路。学会了内功，你自然可以举一反三，创造出属于自己的“招式”。读完这本书，我感觉自己对音乐的感知能力得到了极大的提升，能够听到更多平时忽略的细节，也能更清晰地辨别不同音乐风格的特质。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的太让人惊喜了！它填补了我音乐理论学习上的许多空白，也为我提供了很多之前从未接触过的视角。我特别喜欢书中关于音乐情感表达的探讨，作者是如何将抽象的音乐理论与具体的情感体验联系起来，让我能够更深刻地理解音乐是如何触动人心的。我之前在创作时，常常会觉得旋律不错，但总感觉缺少了某种“灵魂”或者说“力量”。这本书让我明白，这种“力量”往往来自于对音乐结构、和声进行、以及织体安排的精妙运用。它教会我如何用更科学、更具逻辑性的方式去构建音乐，从而更好地传递我的情感和思想。书中大量的乐谱分析，让我能够直观地看到理论在实际音乐中的应用，这种“知行合一”的学习方式，让我印象深刻。这本书的语言风格也非常独特，既有理论的严谨，又不失艺术的感性，读起来一点都不枯燥，反而充满了吸引力。我感觉自己像是打开了一个宝藏，里面有太多值得我去挖掘和学习的东西。