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黄祖禧 编

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店铺： 博库网旗舰店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968416

商品编码：29745402419

开本：32

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：歌曲写作教程
• 作者：黄祖禧
• 定价：32
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968416

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：225
• 字数：173千字

《乐章背后的秘密：配器与编曲的艺术》 本书导读： 在音乐创作的广袤天地中，旋律与歌词无疑是构建一首歌曲的骨架与血肉。然而，真正让一首歌曲拥有灵魂、能在听者心中留下深刻印记的，往往是那些隐藏在表象之下的精妙结构——配器与编曲。本书《乐章背后的秘密：配器与编曲的艺术》，并非一本教导如何写出动人旋律或深刻歌词的入门手册，而是深入剖析如何将已有的音乐构思，转化为具有层次感、色彩感和情感张力的完整音乐作品的专业指南。 我们假设您已经掌握了基本的音乐理论知识，或许已经写出了几首令人满意的Demo或草稿。现在，挑战才刚刚开始：如何让您那首朴素的钢琴小样，蜕变成能震撼人心的交响乐章？如何让一段简单的吉他Riff，在复杂的节奏编排下焕发出无穷的魅力？本书将为您揭示这背后的全部奥秘。 第一部分：声音的调色板——乐器法与音色设计 本部分聚焦于音乐的“物质基础”——乐器。我们不会泛泛而谈每种乐器的特性，而是深入挖掘它们在不同音乐语境下的潜力与局限。 第一章：传统与现代乐器的对话 我们将从古典管弦乐团的四大组（弦乐、木管、铜管、打击乐）入手，详细分析每种乐器在音域、音色、演奏技巧上的细微差别。例如，小提琴的颤音（Vibrato）如何烘托悲伤情绪，大提琴的拨奏（Pizzicato）如何创造紧张感。随后，我们将无缝过渡到现代音乐的核心：电吉他、贝斯、合成器（Synthesizer）和采样器（Sampler）。 重点章节探讨“合成器音色雕刻”：如何通过振荡器（Oscillator）、滤波器（Filter）、包络（Envelope）和效果器（FX）的组合，创造出独一无二的音色，而非仅仅使用预设。我们将通过实例解析那些标志性的音色，例如八十年代合成器流行乐中的“厚重贝斯线”是如何通过失真和低通滤波实现的。 第二章：层叠的艺术——多声部织体构建 织体（Texture）是决定音乐听感密度和清晰度的关键。本章将系统介绍对位法（Counterpoint）在现代编曲中的应用，以及和声织体（Harmonic Texture）的构建技巧。我们不仅会分析巴赫赋格中的织体密度，还会探讨爵士乐中复杂的和弦内声部配置（Voicing）是如何创造“空气感”和“张力”。 探讨如何使用“音乐减法”——即如何知道在何时移除乐器以制造空间感，而非一味地叠加声音。我们将详细讲解如何使用“填充音”（Fills）和“衬底”（Pads）来平衡主旋律的突出性。 第二部分：时间的艺术——节奏与律动的重塑 节奏是音乐的脉搏。本部分将彻底颠覆您对“鼓点”的简单认知，将其视为一个复杂的、多层面的节奏机器。 第三章：鼓组的解构与重建 从最基础的四四拍律动（Four-on-the-floor）开始，深入解析摇滚乐、放克（Funk）、嘻哈（Hip-Hop）中不同底鼓（Kick）、军鼓（Snare）和踩镲（Hi-Hat）的音色选择和位置安排。我们将分析“律动量”（Groove Quantification）的概念，探讨如何通过微小的时值偏移（Swing/Shuffle）来赋予节奏以生命力，使其听起来“更自然”或“更具攻击性”。 特殊章节会深入探讨非传统节奏，例如拉丁音乐中的波萨诺瓦（Bossa Nova）或非洲节奏的复杂分层，以及如何利用多重节拍器（Polyrhythm）来创造听觉上的兴奋点。 第四章：低音线的叙事性 贝斯（Bassline）是连接和声与节奏的桥梁。本书强调，贝斯不应只是重复根音。我们将通过分析 Funk、Dub 和电子音乐（EDM）中的贝斯线，展示其如何独立承担旋律的构建任务。内容涵盖：如何使用琶音器（Arpeggiator）来增加贝斯线的动态，以及在不同调性转换时，如何使用经过音来平滑过渡，避免听感上的突兀。 第三部分：空间的艺术——结构、动态与情绪驱动 编曲的终极目标是将音乐的能量导向特定的情感高峰。本部分关注宏观的结构设计和动态变化。 第五章：歌曲的建筑蓝图——结构编排策略 本书提供了一套分析现有流行歌曲结构的实用模型（如 AABA、Verse-Chorus-Bridge），但更侧重于“打破规则”的艺术。我们将探讨如何通过“动态预备”（Anticipation）和“节奏卸载”（Rhythmic Unloading）来巧妙地引导听众进入副歌（Chorus）。 深入分析“乐段长度的心理学”：为何一个八小节的段落会让人感到满足，而九小节会产生不适？我们将讨论如何通过改变乐段长度来控制听众的预期。 第六章：情绪的起伏——动态（Dynamics）与张力控制 动态范围（Dynamic Range）是区分平庸作品与大师之作的关键。我们详细研究了“渐强”（Crescendo）和“渐弱”（Decrescendo）的策略性运用，不仅仅是音量的增减，更包括乐器密度的增减。 关键章节：“张力积累与释放模型”：如何通过引入不和谐音程、提高音区（Register）、增加乐器复杂性等多种手段，层层递进地构建音乐张力，并在高潮处以有力的和弦或突然的停顿（Pause）来完成释放。本书强调，完美的编曲是知道何时“沉默”，何时“爆发”。 结语：超越风格的语言 《乐章背后的秘密：配器与编曲的艺术》旨在培养您的“音乐工程思维”。它不是提供一套固定的公式，而是提供一套可以应用到任何音乐风格的底层逻辑和分析工具。通过本书的学习，您将学会如何聆听音乐，不仅听到旋律，更能“看到”声音是如何被组织、塑形和赋予生命的。掌握了配器与编曲的艺术，您将真正拥有将内心涌动的音乐想法，转化为完整、震撼听觉体验的能力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名学习音乐理论多年的学生，我对于那种陈词滥调的教程已经感到审美疲劳了。但《歌曲写作教程》真正做到了“返璞归真”，它用一种近乎哲学的角度来探讨音乐的本质，但所有的讨论最终都落到了实操层面。它没有回避音乐创作中那些难以言喻的“灵感”问题，而是将其归结为可学习、可训练的认知过程。书中对节奏复杂性和律动感营造的章节，特别吸引我，它将复杂的复合拍子和切分音的应用，分解成了可以被视觉化的图形，大大降低了学习难度。更重要的是，它强调了“留白”的重要性，提醒我们音乐不是声音的堆砌，而是音符之间的空间感。这本书的语言风格非常沉稳而富有启发性，读起来让人感觉像是在进行一场深入的学术交流，但目标却始终指向“创作出好歌”这个实践目标。我强烈推荐给那些已经掌握了基础乐理，但感觉自己的作品缺乏灵魂和深度的中高级学习者，它会让你重新审视你所做的一切。

评分☆☆☆☆☆

我是一位已经摸索了好几年、但始终感觉自己的作品停留在“口水歌”阶段的业余词曲作者，这本书的出现，就像一剂猛药，把我从自我设限的泥潭里拉了出来。它最棒的地方在于，它敢于直面歌曲创作中的“瓶颈”问题。比如，它详细分析了为什么有些歌曲听起来很“平”，然后给出了切实可行的解决方案——可能是桥段的处理不够有力，也可能是副歌的记忆点不够突出。书中对“叙事性”和“画面感”的强调，对我触动极大，它让我开始注重歌词和旋律如何共同构建一个引人入胜的故事场景，而不是仅仅堆砌押韵的词句。阅读过程中，我常常会停下来，拿起自己的Demo，对照书里的建议进行修改，效果立竿见影。特别是关于如何为不同情绪设计特定音域和配器风格的讨论，精准到位，完全不是那种空泛的理论指导，而是实打实的“技法手册”。如果你已经有了一些基础，但渴望突破现有的创作舒适区，这本书绝对能帮你找到下一个层次的突破口。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上很多教创作的书籍都过于偏向某种流派，要么是摇滚，要么是民谣，让人感觉实用性不强。但这一本的视野极其开阔，它横跨了多种音乐风格，从古典的对位法到现代电子乐的Loop构建，都有涉猎，展现了一种非常全面的“音乐思维”。我特别喜欢其中关于“音乐结构解构”的部分，作者并没有满足于告诉我们“什么是AABA结构”，而是深入探讨了为什么这种结构有效，以及在不同时代背景下，这种结构是如何被创新性地颠覆的。这种批判性思维的培养，比单纯的“套路”传授要宝贵得多。它鼓励读者去模仿，但最终目的是让你超越模仿，形成自己独特的印记。我用了其中提出的一个“情绪地图”分析法来梳理我的一首未完成的歌，结果发现之前自己完全忽略了歌曲中段的情感过渡，经过调整后，整首歌的层次感瞬间丰富了起来。这本书更像是一位高水平的导师，在你迷茫时指引方向，在你得意时鞭策你继续深入探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种零基础的音乐爱好者量身定做的，内容编排得极其有条理，从最基础的和声学概念讲起，一点都不含糊，让我这个曾经对乐理一窍不通的人也能逐步建立起自己的音乐知识体系。作者在讲解复杂理论时，总是能找到最贴近生活的例子，比如用大家熟悉的流行歌曲来拆解和弦进行，而不是干巴巴地抛出一堆公式。更让我惊喜的是，书中对旋律创作的探讨深入浅出，它没有教你“抄袭”别人的套路，而是引导你去思考旋律的内在逻辑和情感表达方式。读完前几章，我感觉自己看音乐的视角都变了，不再只是听个热闹，而是能听出旋律线是如何起承转合，如何巧妙地运用节奏变化来烘托情绪。尤其是一些关于动机发展和主题变奏的章节，简直是打开了我创作的大门，让我明白了如何把一个简单的灵感片段，扩展成一首结构完整的作品。我拿着这本书反复研究了好几遍，感觉自己对音乐的理解又上了一个台阶，非常推荐给所有想要系统学习歌曲创作的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷是想弄清楚如何写出让人“上头”的副歌。读完后，我发现这本书远不止于此，它提供的是一个完整的“创作生态系统”的视图。作者对“人声旋律写作”的关注达到了令人发指的细致程度，比如气口安排、咬字与音高的关系、以及如何利用滑音和装饰音来增强人声的辨识度，这些细节在其他教程里很少被如此详尽地剖析。书中还穿插了许多案例分析，这些分析并非简单的“这首歌火了所以它的和声是对的”，而是深入到创作人的意图、当时的音乐趋势，以及听众的心理预期。这让我明白了，好的作品是艺术表达与市场接受度之间精妙平衡的结果。对于我这个更偏向“制作人”思维的创作者来说，书中关于如何在早期Demo阶段就锁定核心 Hook 的技巧，简直是救星。它教会我如何在脑海中预置完成度的蓝图，而不是走一步看一步，最终导致结构松散。