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黄祖禧 编

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店铺： 土星图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968416

商品编码：29745426050

开本：32

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：歌曲写作教程
• 作者：黄祖禧
• 定价：32
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968416

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：225
• 字数：173千字

好的，这是一本关于《世界著名建筑史》的图书简介，内容详尽，旨在激发读者的求知欲，并展示其深度与广度。 --- 世界著名建筑史：从金字塔到摩天大楼的千年凝视 一卷跨越时空的史诗，一场对人类创造力与文明进程的深度巡礼。 导言：建筑，凝固的历史与流动的精神 建筑，不仅仅是遮风避雨的结构，它是人类文明的物质载体，是特定时代精神、技术能力、宗教信仰和社会结构的终极体现。当我们站在宏伟的帕特农神庙前，或穿梭于哥特式大教堂的幽暗光影中时，我们所感受到的，是数千年来人类在空间、光线、材料与尺度之间永恒探索的回响。 《世界著名建筑史》并非一本枯燥的建筑年鉴，它是一部充满叙事张力的编年史，通过精选的标志性建筑案例，带领读者穿越古埃及的沙漠、古希腊的城邦、罗马的帝国辉煌，直至现代主义的理性冲击和后现代的解构反思。本书旨在揭示，为何某些结构能够超越其功能性，成为文化图腾，并持续影响着后世的设计思维。 第一部分：文明的基石——古代建筑的永恒语汇（公元前 3000 年 – 公元 500 年） 本部分聚焦于人类早期定居社会中，建筑如何从实用工具演化为精神象征。 1. 尼罗河畔的永恒之谜：古埃及的纪念碑性 我们将深入剖析吉萨金字塔群的结构逻辑、天文对齐与劳动力组织，探讨法老“神性统治”如何转化为不可撼动的石块结构。同时，卡尔纳克神庙的巨大多柱厅，展示了光线被“驯化”为神圣秩序的仪式空间。埃及建筑的意义在于其对“永恒”的极致追求，对材料的坚固性与对称性的不妥协。 2. 神性与人性的尺度：古希腊的古典范式 古希腊是西方建筑美学原则的奠基者。本书将详细解读帕特农神庙如何体现黄金比例、视觉矫正（Entasis）的精妙运用，以及多立克、爱奥尼、科林斯三种柱式的风格演变。我们不仅研究柱子和山花，更关注“剧场”（如埃庇道耳斯圆形剧场）作为公民政治生活的核心空间，如何体现民主精神与和谐原则。 3. 帝国工程的奇迹：古罗马的实用主义与宏伟 罗马人是伟大的工程师。本章重点分析万神殿（Pantheon）——其无梁支撑的巨大穹顶如何成为跨越千年的工程学壮举，以及“混凝土”这一革命性材料如何使他们得以建造罗马斗兽场和引水渠。罗马建筑是权力、效率与公共生活的结合体，其“巴西利卡”形制更是塑造了后世教堂的蓝本。 第二部分：信仰的铸造——中世纪的垂直探索（公元 500 年 – 公元 1500 年） 黑暗时代结束后，信仰成为重塑欧洲景观的主导力量。建筑不再仅仅是服务于现世，而是指向彼岸的阶梯。 1. 拜占庭的穹顶之光：哈吉亚·索菲亚的几何革命 圣索菲亚大教堂是拜占庭建筑的巅峰，它巧妙地将巨大的圆形穹顶放置于方形基座之上，创造出“漂浮”的视觉效果。本书将解析其半穹顶与支撑体系的精妙平衡，以及马赛克如何利用光线营造出超越尘世的“天堂景象”。 2. 哥特式：光线、骨架与拔地而起的天际线 哥特建筑是人类对高度和光线的狂热追求。我们将聚焦于巴黎圣母院、沙特尔大教堂等，详细阐述飞扶壁（Flying Buttress）、尖拱（Pointed Arch）和肋拱（Rib Vault）这三大技术支柱，如何共同作用，解放了墙体，使其被巨大的彩色玻璃（Stained Glass）所取代。哥特式教堂是“神圣光线的容器”，是中世纪城市精神的集中体现。 第三部分：人文的回归与理性的光辉——文艺复兴至巴洛克（公元 15 世纪 – 18 世纪） 随着古典学说的复兴，建筑师们开始重新审视比例、秩序与人本尺度。 1. 文艺复兴：和谐、对称与人文主义的回归 佛罗伦萨的圣安德烈教堂与布鲁内莱斯基的穹顶标志着新时代的开启。本书将分析阿尔伯蒂和帕拉第奥如何将古罗马的原则系统化，形成影响后世数百年的“古典复兴”语法。建筑在此刻成为一门精确的数学艺术。 2. 巴洛克：运动、戏剧性与情感的渲染 巴洛克建筑是对文艺复兴理性秩序的一种激情回应。以罗马圣卡罗·阿莱四喷泉教堂和凡尔赛宫为例，解析巴洛克如何运用曲线、错觉（Trompe-l'œil）与强烈的明暗对比，服务于宗教的感召力和君主的威权。建筑成为一种流动的、情感丰富的舞台艺术。 第四部分：工业革命与现代主义的诞生（19 世纪 – 20 世纪中叶） 钢铁、玻璃和电梯的出现，彻底颠覆了传统建筑的承重逻辑，引发了一场设计哲学的革命。 1. 结构的新语言：钢铁、玻璃与早期现代主义的萌芽 从埃菲尔铁塔到水晶宫，工业革命的材料展示了结构本身的纯粹美学。本章将梳理“芝加哥画派”在摩天大楼领域的探索，以及亨利·霍布森·理查森的厚重主义对美国建筑的影响。 2. 现代主义的五点：勒·柯布西耶与国际风格 20 世纪初，以勒·柯布西耶的“新建筑五点”（底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗、屋顶花园）为代表，建筑界发起了彻底的“去装饰化”运动。我们将对比萨伏伊别墅与包豪斯的设计哲学，探讨现代主义如何将“形式追随功能”作为新的道德信条，并分析其在不同文化背景下的实践与局限。 3. 有机的对话：弗兰克·劳埃德·赖特的自然融合 作为对欧洲理性主义的抗衡，赖特提出了“有机建筑”的理念。通过分析流水别墅（Fallingwater），读者将领略建筑如何不再是场地上的一个对象，而是场地本身的延伸和对话者，材料、结构与自然环境的完美统一。 第五部分：解构、多元与未来的回响（20 世纪后半叶至今） 当现代主义的单一叙事瓦解后，建筑进入了充满挑战、反思与多元表达的时代。 1. 后现代主义的“戏仿”与批判 受詹克斯（Charles Jencks）等理论家影响，后现代主义重新拥抱了历史符号、地方特色和装饰性。我们将审视波特兰大厦等案例，探讨建筑如何从对“纯粹性”的追求转向对“复杂性与矛盾性”的肯定。 2. 高技派与解构主义的结构爆发 高技派（High-Tech），如蓬皮杜艺术中心，将建筑的机械系统（管道、桁架）暴露在外，使其成为设计的一部分。而解构主义（如贝聿铭的卢浮宫金字塔、盖里的古根海姆博物馆）则彻底打破了传统的几何稳定性，以破碎、动态的形式表达当代社会的复杂性与不确定性。 3. 当代挑战：可持续性与数字建造 本章展望未来，讨论气候变化背景下，“绿色建筑”与被动式设计如何重塑我们的城市肌理。同时，参数化设计与三维打印技术正在模糊“设计”与“建造”的界限，预示着下一代建筑语言的诞生。 结语：建筑的温度与重量 《世界著名建筑史》力求在宏大的历史叙事中，捕捉到每一座建筑背后工匠的汗水、君主的野心、信仰的虔诚以及时代精神的重量。它鼓励读者不仅要“看”见建筑的外形，更要“理解”其背后的社会、技术与人文逻辑。通过这些凝固的艺术品，我们得以触摸人类文明最坚实、最富创造力的脉搏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视野相当开阔，它并没有将焦点仅仅局限于某种固定的风格流派，而是展现了一种跨越体裁的通用创作心法。我惊讶地发现，其中关于“动机发展”的章节，既能用来分析巴赫的赋格，也能有效地应用到现代电子乐的Loop构建上，这种普适性令人称道。它似乎有一种魔力，能让你在阅读时，不由自主地在脑海里播放起各种音乐片段，并立刻用书中的理论去套用分析。特别值得称赞的是，作者对“音乐叙事”的解读非常深刻，它阐述了如何通过音乐的起承转合来模拟人类的对话和情绪波动，这对于创作有明确主题的歌曲至关重要。我过去总觉得歌词和旋律是分开处理的，读了这本书后才明白，它们必须是一个有机的整体，旋律的走向必须是歌词情感的放大器。这本书的结构像是一部精密的导航系统，从宏观的歌曲结构到微观的音符选择，都给出了详尽的指引，但又留足了让你自由发挥的空间，真正做到了“授人以渔”。

评分☆☆☆☆☆

这是一本结构严谨、洞察力惊人的音乐创作指南，它成功地将复杂的音乐原理转化为了可供即时使用的创作工具箱。我尤其欣赏作者在讲解和声进行时，没有局限于传统的“正统”用法，而是大量引用了现代流行音乐中那些不寻常却极具效果的和弦替代和转调技巧，这让这本书的内容保持了极高的前沿性和实用性。阅读过程中，我发现它非常注重“听觉反馈”的重要性，反复强调作者的“耳力训练”与创作同步进行，这是一种非常负责任的教学态度。例如，书中关于如何利用休止符来增强旋律的呼吸感和空间感的讲解，细致到每一个小节的停顿，简直是化腐朽为神奇的秘诀。读完后，我感觉自己不再是被动地模仿，而是开始主动地设计听众的收听体验。这本书的专业度和指导性已经超越了一般意义上的教程范畴，更像是一本资深制作人对后来者的倾囊相授。如果你厌倦了那些只会告诉你“C和弦后接G和弦”的浅薄读物，这本书无疑会为你提供一个更深层次、更具启发性的创作维度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是一场酣畅淋漓的思维漫游，它巧妙地避开了传统教程中那些枯燥的乐理术语，转而用一种更偏向“工匠精神”的角度来解构流行歌曲的内在结构。我最欣赏的是其中关于“歌词意象化”的处理，作者没有直接告诉你“要写得感人”，而是展示了如何通过具体的、可感知的画面来烘托情感，比如用“生锈的自行车链条”来比喻逝去的青春，这种画面感一下子就击中了人心。而且，这本书的排版和配图非常用心，不是那种冷冰冰的教科书样式，读起来像是在听一位经验丰富的制作人跟你私下分享他的压箱底秘诀。它非常注重“限制中的创造力”，比如有一章专门讨论了如何在只有三种和弦的基础上写出无限变化的旋律，这种挑战性的练习环节，逼迫你去跳出思维定势，去挖掘和弦进行中更细微的动态可能性。读完它，我感觉自己对那些耳熟能详的经典歌曲的结构有了全新的认知，原来那些看似信手拈来的旋律背后，都蕴含着如此精妙的结构设计和心理学考量。这绝对是为追求深度和实用性兼顾的创作者准备的一份饕餮盛宴。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐界的“新手村毕业指南”，我本来对旋律创作一窍不通，感觉作曲就是那种天才才能做的事情，拿到这本书后简直打开了新世界的大门。它不是那种高高在上的理论堆砌，而是非常接地气地手把手教你如何把脑子里那些模糊的“感觉”转化成可以写下来的音符。尤其是关于如何构建一个抓耳的副歌部分，作者的讲解细致入微，从和声色彩的选择到节奏型的变化，都有非常实用的案例分析。我记得有一次尝试写一首关于失落的歌，卡在了副歌总是平淡无奇上，翻到这本书里讲解“情绪递进”的那一章，茅塞顿开，原来可以通过主歌的铺陈，在副歌前短暂地引入一个不和谐音，再解决到主和弦，瞬间让情绪爆发出来。这本书的厉害之处在于，它把创作的“黑箱子”拆解成了可量化的步骤，让你知道每一步该做什么，而不是只能靠灵感撞大运。对于那些想从“听歌”进阶到“造歌”的人来说，这本书的价值不可估量，它提供了一个清晰、可执行的创作蓝图，让“创作”这件事从神坛走下来，变得触手可及。强烈推荐给所有刚拿起吉他或钢琴，却不知道如何把脑子里的旋律写出来的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对市面上大部分的“教程”持怀疑态度，总觉得它们要么过于理论化让人昏昏欲睡，要么就是空喊口号缺乏实操指导。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它最突出的特点是其对“情感驱动”创作的强调，它不像是在教你盖房子，更像是在教你如何设计一个能让人居住、让人产生共鸣的“空间”。其中关于如何找到歌曲的“核心动机”并贯穿始终的章节，对我触动极大。它要求你必须先回答“我到底想对听众说什么”，而不是急着去挑和弦。在实操层面，它给出的练习非常具有启发性，比如要求读者尝试用完全不同的节奏型去演绎同一段旋律，这极大地锻炼了我们对音乐时间感的把握和重塑能力。阅读体验上，这本书的语言风格有一种魔力，它让你觉得创作不是一个需要天赋才能完成的任务，而是一个可以通过学习和练习获得的技能包。我已经把书里的很多小技巧应用到我自己的作品里，最明显的变化就是，我的Demo带有了更清晰的情感脉络，不再是东拼西凑的感觉。这是一本真正能改变你创作习惯的书，它教会的远不止“怎么写歌”，更是“为什么这么写”。