中外音乐简史及名作赏析(附光盘全国高等院校教师教育专业音乐教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

田明俊 编

图书标签:

• 音乐史
• 音乐赏析
• 中外音乐
• 高等教育
• 教材
• 音乐教育
• 音乐作品
• 音乐文化
• 艺术史
• 教师教育

店铺： 土星图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552303247

商品编码：29748350207

开本：16

出版时间：2013-11-01

基本信息

• 商品名称：中外音乐简史及名作赏析(附光盘全国高等院校教师教育专业音乐教材)
• 作者：编者:田明俊
• 定价：80
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552303247

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2013-11-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：226

目录

编写说明
上编 中国部分
**单元 中国古代音乐文化与名作赏析
一、中国古代音乐文化概述
(一)远古、夏商时期音乐
(二)西周、春秋、战国时期音乐
(三)秦汉至南北朝时期音乐
(四)隋唐时期音乐
(五)宋元时期音乐
(六)明清时期音乐
二、名作赏析
(一)歌曲类
1．《胡笳十八拍》(古代歌曲)
2．《阳关三叠》(古代歌曲)
3．《扬州慢》(古代歌曲)
(二)器乐类
1．《流水》(古琴曲)
2．《广陵散》(古琴曲)
3．《梅花三弄》(古琴曲)
4．《十面埋伏》(琵琶曲)
(三)戏曲音乐类
1．《捉放曹》(京剧选段)
2．《花木兰羞答答施礼拜上》(豫剧选段)
(四)说唱音乐类
1．《丑末寅初》(京韵大鼓)
2．《情探·梨花落》(苏州弹词)
第二单元 中国近现代音乐文化与名作赏析
一、中国近现代音乐文化概述
(一)以学堂乐歌为中心的启蒙阶段
(二)传统音乐的发展与专业音乐的建立阶段
(三)以救亡歌咏运动为中心的全面提高阶段
二、名作赏析
(一)歌曲类
1．《问》(易韦斋词、萧友梅曲)
2．《教我如何不想他》(刘半农词、赵元任曲)
3．《玫瑰三愿》(龙七词、黄自曲)
4．《松花江上》(张寒晖词曲)
5．《游击队歌》(贺绿汀词曲)
6．《延安颂》(莫耶词、郑律成曲)
7．《黄河大合唱》(光未然词、冼星海曲)
(二)器乐类
1．《百鸟朝凤》(唢呐曲)
2．《喜相逢》(笛子曲)
3．《二泉映月》(二胡曲，华彦钧曲)
4．《渔舟唱晚》(筝曲)
5．《春江花月夜》(民乐合奏曲)
6．《将军令》(吹打乐)
7．《雨打芭蕉》(广东音乐)
8．《金蛇狂舞》(民乐合奏曲，聂耳编曲)
9．《牧童短笛》(钢琴曲，贺绿汀曲)

音乐的宏大叙事：穿越时空的旋律之旅 本书旨在带领读者领略人类文明长河中音乐的演变脉络，聚焦于那些具有里程碑意义的音乐形态、代表人物及其不朽杰作，同时辅以对音乐美学、文化背景的深入剖析。我们不局限于任何特定的教材体系或地域划分，而是力求呈现一幅广阔而立体的中外音乐发展全景图。 第一部分：西方音乐的古典根基与辉煌（约450字） 本卷聚焦于西方音乐自古代萌芽至浪漫主义高峰的漫长历程。 一、古希腊罗马的回响与中世纪的圣咏： 我们首先追溯西方音乐的源头，探讨古希腊的音律理论（如毕达哥拉斯的音程划分）如何奠定西方音乐的数理基础，以及古希腊悲剧中音乐所扮演的角色。随后，进入中世纪的宗教音乐世界，重点解析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音性特征、旋律构造及其在教会仪式中的核心地位。对早期记谱法（纽姆谱）的演变也将进行详尽论述，揭示音乐从口头传承向精确记录过渡的艰难历程。 二、复调的诞生与巴洛克时期的辉煌： 随着音乐思想的解放，奥尔加农（Organum）的出现标志着西方音乐正式进入多声部（复调）时代。文艺复兴时期，宗教音乐（如帕莱斯特里那的作品）与世俗音乐（如牧歌）在对位技巧上的成熟，为后世奠定了坚实基础。然而，真正的爆发点在于巴洛克时期（约1600-1750年）。本部分将深入剖析巴赫（J.S. Bach）的对位艺术巅峰——如《平均律钢琴曲集》和赋格，以及亨德尔（G.F. Handel）在清唱剧领域的宏大叙事能力。同时，歌剧这一全新艺术形式的诞生与发展、协奏曲和奏鸣曲体裁的初步确立，也将作为重点进行阐释。 三、古典主义的理性之光与浪漫主义的激情燃烧： 海顿、莫扎特和贝多芬构成了古典主义的“三杰”。我们着重分析奏鸣曲式（Sonata Form）在这一时期的结构完善与逻辑严谨，探讨海顿如何奠定交响乐的典范，莫扎特如何以精湛的旋律技巧平衡形式与情感，以及贝多芬如何通过音乐语言的革新，将古典的平衡推向了个人情感表达的边缘。进入浪漫主义时期，舒伯特、肖邦、李斯特、瓦格纳等人的作品，标志着音乐彻底转向对个体经验、自然崇拜、民族精神以及超自然想象的表达。对“艺术歌曲”（Lied）这一微型体裁的深入研究，以及主导动机（Leitmotif）在歌剧中的运用，将是本阶段的重点。 第二部分：东方音乐的深厚底蕴与多样性（约450字） 本卷将目光投向以中国为核心的东方音乐传统，探究其独特的哲学基础、记谱方式与审美取向。 一、中国古代音乐的礼制与哲学： 中国音乐史的开端深深植根于礼乐制度。本部分追溯上古的乐器形态（如八音分类法）及周代“中和位育”的音乐观。对儒家“中正平和”与道家“自然天成”的审美差异，如何影响了后世的音乐创作，进行细致对比分析。重点阐述五声调式（宫、商、角、徵、羽）的构建原理及其在古代典籍（如《诗经》乐歌）中的体现。 二、汉唐宋元的流变与文人音乐的兴起： 汉代的“雅乐”与“燕乐”体系，以及魏晋南北朝时期佛教音乐（如变文）的传入与融合，展示了音乐的多元化趋势。唐代的燕乐（盛唐气象的集中体现）及其二十八调体系，是中古音乐的高峰，我们将探讨其与丝绸之路文化交流的关系。宋代以后，词、曲的成熟标志着世俗音乐的胜利，特别是对工尺谱等特定记谱法的解析，揭示了古代民间音乐记谱方法的独特性。 三、中国戏曲音乐的集大成： 戏曲是中国音乐最具活力的表现形式之一。本部分聚焦于明清以来昆曲、京剧等主要剧种的音乐结构。探讨板式（如慢板、快板、散板）如何控制和塑造叙事节奏，曲牌（固定的旋律框架）在不同剧目中的灵活运用，以及板眼体系与演员表演的紧密配合。这部分将强调中国音乐重“意境”而非“和声”的审美特征。 第三部分：20世纪以来的全球性探索与融合（约350字） 进入近现代，全球化和技术进步彻底改变了音乐的创作和传播模式，本卷聚焦于对传统规则的突破与新的声音领域的开拓。 一、西方音乐的后浪漫主义与现代主义冲击： 德彪西的印象主义如何解构了调性系统，引入色彩化的和声；斯特拉文斯基的节奏革新（如《春之祭》）如何引发了音乐史上的“里诺勃之夜”；勋伯格的十二音体系（Serialism）如何尝试建立新的逻辑秩序，以及其后的序列音乐（Total Serialism）的极端发展，都代表着人类对“有组织的声音”边界的不断试探。 二、非传统领域的拓展： 我们还将探讨非西方音乐体系（如印度拉格、印尼加美兰）对西方作曲家的影响，以及极简主义（Minimalism，如赖利、莱克）音乐对重复、过程和日常声音的回归。同时，对电子音乐（Musique concrète到早期合成器）和环境音乐的探讨，将展示技术如何成为新的创作媒介。 三、爵士乐与流行音乐的全球影响： 作为20世纪最重要的音乐现象之一，爵士乐（从布鲁斯根源到比波普的复杂对位）及其向全球范围内的扩散，体现了即兴创作与不同文化元素的激烈碰撞。流行音乐的崛起，特别是摇滚乐、电子舞曲等流派，不仅是文化现象，更是音乐技术、商业模式和青年亚文化结合的产物，其对传统音乐分类体系的冲击不容忽视。 结语：跨文化对话与未来的可能性（约250字） 全书的收尾将超越对特定时期、特定风格的介绍，转而探讨音乐作为人类普世情感载体，在不同文化间进行的深层次对话。我们会讨论如何运用非西方音乐的理论框架来反思西方的和声体系；如何看待跨界合作（如民族音乐家与交响乐团的合作）中，音乐语言的相互“翻译”过程。 本书强调审美体验的重要性，鼓励读者不仅是知识的接收者，更是积极的聆听者。每一部名作的分析，都将引导读者去理解其背后的时代精神、作曲家的个人挣扎以及技术革新的必然性。我们相信，只有理解了音乐的过去，才能更好地感知和参与到其未来的无限可能性之中。这种宏大的叙事，旨在提供一个全景式的视野，而非局限于某个教学大纲的限定，从而培养读者独立而深刻的音乐鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了深刻的印象，封面那种沉稳又不失典雅的配色，一下子就抓住了我的眼球。我通常不太关注教材的“颜值”，但这本书的整体质感非常棒，纸张的厚度适中，摸起来有种扎实的年代感，那种老派但绝不落伍的审美，很符合它所承载的严肃学术内容。内页的排版布局也相当讲究，字体的选择清晰易读，尤其是在处理那些复杂的乐理符号和时期划分时，逻辑性非常强，能让人一眼就看出不同段落间的脉络关系。光是捧着它，就能感受到一种对知识的敬畏和对音乐艺术的尊重。我个人比较喜欢那种带有历史厚重感的书籍，这本书无疑做到了。它不像市面上很多追求花哨的教材那样浮躁，而是脚踏实地地为学习者构建一个坚实的知识基础。翻开扉页时，那种油墨的清香混合着纸张特有的气味，让我瞬间回到了大学图书馆里，准备开始一段漫长而充实的学习旅程。可以说，这本书的外在呈现，就已经为后续的深入阅读奠定了良好的心理预期。

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本书在处理“名作赏析”这一部分时，采用了非常注重“聆听体验”的视角。它没有将作品的解析变成枯燥的乐谱标注，而是着重引导读者去想象在特定的历史情境下，听众可能如何接收到这些声音。这种“情景再现”的手法，极大地激活了读者的想象力。比如，在分析某个协奏曲的炫技段落时，作者会巧妙地联系到当时演奏家的地位和观众的期待，这使得原本抽象的音乐元素变得鲜活可感。更令人惊喜的是，它似乎在努力弥合理论学习与实际欣赏之间的鸿沟。很多教材会把理论讲得很透彻但听起来却很干瘪，这本书却能将复杂的理论点，比如对位法或曲式结构，巧妙地转化为听觉上的具体感受，让读者在听音乐时能更有目标性地去捕捉那些精妙的构造。这是一种从耳朵到大脑再到心灵的全面引导。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容的组织结构上，展现出一种近乎“教科书式”的严谨与周全。它并非简单地罗列音乐家的生平和作品清单，而是试图构建一个宏大的历史叙事框架。从巴洛克时期的对位法到浪漫主义时期的民族乐派兴起，每一个阶段的过渡都处理得极其自然流畅，仿佛是顺着时间的长河缓缓前行。特别是它对不同音乐风格之间相互影响和借鉴的分析，非常到位，不是那种生硬的割裂，而是深入挖掘了历史背景下的内在驱动力。我特别欣赏它在介绍特定作品时，那种层层剥开的分析方法，它会先从时代背景入手，再深入到结构分析，最后回归到情感表达，这种“由大到小，再由小见大”的导览方式，极大地提升了读者的理解深度。对于一个想要系统梳理西方音乐发展脉络的学习者来说，这种结构上的逻辑自洽性是至关重要的，它避免了碎片化学习的弊端，让人能够真正建立起一个完整的知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅在于它提供了多少信息量，更在于它培养了读者一种深入探究的习惯。阅读过程中，我经常会发现自己被引导去查阅相关的历史图片、或者去寻找原版的录音进行比对验证。它提供的知识体系像一个坚固的骨架，但如何将血肉填充进去，则需要学习者自己去实践和探索。这一点，对于高等教育的教材来说是至关重要的——它不只是提供答案，更是提供提问和探索的路径。它激发了一种自我驱动的学习欲望，而不是被动地接受灌输。总而言之，这是一本让人愿意反复阅读、每一次重读都能获得新感悟的著作，它给予读者的，是一种长久有效的“音乐思维能力”，而非一时的知识储备。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它介于学术论文的精准和普及读物的亲和力之间，找到了一种极佳的平衡点。初读时，你可能会觉得它有些信息密度大，但随着阅读的深入，会发现作者的叙述方式其实非常内敛且富有洞察力。它很少使用夸张的形容词去堆砌赞美，而是通过对音乐细节的精确描述，让读者自己去体会作品的伟大。例如，在探讨某一特定作曲家的和声创新时，作者不会直接断言“这是革命性的”，而是会细致地分析其所使用的和弦进行是如何突破了当时的规范，这种理性的分析力量，远胜于任何主观的赞美。对于我们这些非科班出身但又对音乐抱有浓厚兴趣的读者来说，这种不卖弄学问、只专注于呈现事实和逻辑的写作态度，让人倍感信赖。它像一位经验丰富、学识渊博的老师，耐心地在你耳边讲解，而不是急于让你记住答案。