斯克里亚宾钢琴作品集(Ⅰ练习曲原版引进) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 土星图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787807512691

商品编码：29748405685

开本：8

出版时间：2009-01-01

基本信息

• 商品名称：斯克里亚宾钢琴作品集(Ⅰ练习曲原版引进)
• 作者：编者:君特·***|译者:周密
• 定价：35
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787807512691

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2009-01-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：5
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：93

内容提要

亚历山大·尼古拉耶维奇·斯克里亚宾于1872年 1月6日出生在莫斯科，父亲是外交官，母亲是钢琴家 。在莫斯科音乐学院毕业后（师从W.I.萨富诺夫、 S.I塔涅耶夫和A.G.阿连斯基），他以钢琴家的身份 游历国外。1898年起在莫斯科音乐学院担任钢琴教师 ，之后又去了国外，直到1910年重返并定居莫斯科。
    1900年后创作了他*重要的作品（三部交响曲、《狂 喜之诗》、《普罗米修斯》、第四至第十奏鸣曲及其 他一些钢琴作品），这些作品日渐指向他大胆的人生 目标：一种“神秘主义”的创建，即把所有艺术形式 构建成一种辉煌的宗教艺术行为，在达到**狂喜的 境界中实现人性的自我**和救赎。1915年4月27日 ，这位43岁的大师死于败血症，告别了他无法实现的 计划。
     君特·***编的《斯克里亚宾钢琴作品集(Ⅰ 练习曲原版引进)》收录斯克里亚宾的《12首练习曲 Op.8》、《8首练习曲 Op.42》、《3首练习曲 Op.65》，供钢琴学习者练习使用。
    

目录

12首练习曲 Op.8
8首练习曲 Op.42
3首练习曲 Op.65

好的，这里为您撰写一份关于其他图书的详细简介，内容不涉及《斯克里亚宾钢琴作品集（Ⅰ练习曲原版引进）》。 --- 现代钢琴演奏技艺的探索与实践：一部前瞻性的钢琴教程 导言：重塑我们对钢琴演奏的认知 在当代钢琴教育与演奏实践的广袤领域中，我们常常需要寻找那些能够真正拓宽演奏者视野、深化技术理解，并引导其进入更深层次音乐哲思的教材。本书《现代钢琴演奏技艺的探索与实践》正是在此背景下应运而生的一部力作。它并非简单的曲目汇编或技巧罗列，而是一套系统性、理论与实践并重的指导手册，旨在帮助学习者和专业人士跨越传统教学的局限，直面二十世纪及二十一世纪钢琴作品对演奏技巧提出的新挑战。 全书分为四大核心板块，层层递进，确保读者不仅能掌握“如何弹奏”，更能理解“为何要这样弹奏”。 第一部分：传统根基的再审视与深化 本部分着眼于巩固和提升学习者已有的技术基础，但切入点更具现代性。我们不再将音阶和琶音视为孤立的练习，而是将其置于宏大的音乐结构中进行分析和实践。 1. 触键的物理学与美学： 深入探讨手指、手腕、手臂乃至身体重量在钢琴发音中的动态关系。书中详尽分析了不同作曲家（如德彪西、拉赫玛尼诺夫）对音色（Timbre）的特殊要求，并提供了一套量化分析工具，帮助演奏者精确控制触键的深度、速度和角度，以实现从“机械敲击”到“声音塑形”的转变。尤其关注非传统触键法（如半踏板、深压琴键的延音效果）在浪漫主义后期和印象主义作品中的应用。 2. 节奏的解构与重构： 现代音乐对节奏的精准度和灵活性要求极高。本章通过对复节奏、不规则拍号（如 7/8、11/16）的处理，结合节拍器的高级运用（如改变节拍器的重音位置），训练演奏者在复杂节奏中的内在稳定性和自由度。我们探讨了如何通过微小的节奏弹性来表现“流动性”而非“僵硬的机械感”。 3. 织体的透明度与层次感： 在巴赫对位法的基础上，本书拓展到对位声部在复调织体中的清晰分离。特别针对需要处理三层以上复杂对位（如巴赫晚期作品、布格缪勒的后期练习中对位片段的强化练习）时，如何利用指尖的独立性、声部的动态对比，使每一个声部都具有独立的生命力，避免声音的“糊化”。 第二部分：二十世纪钢琴语汇的语言学 二十世纪的音乐语言是演奏技艺面临的最大变革。本部分将这些新技巧视为一种新的“语言”，教授学习者如何像掌握一门外语一样去掌握它们。 1. 线性与块状的张力： 重点分析了斯特拉文斯基、巴托克作品中频繁出现的“音块”（Clusters）的演奏技巧。这不仅仅是物理上的力量集中，更关乎如何在瞬间爆发能量后迅速恢复手指的独立性。书中详细图解了手掌、前臂在打击和支撑音块时的正确姿态，以避免腕部和肘部的损伤。 2. 拓展音域与非传统音响： 探讨了如何高效地演奏极宽音程的跨越，以及如何应对现代作品中对钢琴高音区和极低音区的极端使用。同时，引入了对“噪音”和“非音高”元素的处理，如琴弦的拨动、琴体的敲击等，并将其纳入音乐的整体结构中进行系统训练。 3. 踏板的“色彩调色盘”： 抛弃传统的“全踏板”或“半踏板”的简单二分法，我们构建了一个详尽的“踏板色彩矩阵”。分析了德彪西、拉威尔作品中对延音踏板微妙渐变的运用，以及如何利用“弱音踏板”（Una Corda）来创造“室内乐般的亲密感”。大量的听觉辨别练习是本章的重点。 第三部分：前沿作品的演奏挑战与对策 本部分选取了数部具有代表性的现代钢琴作品作为案例研究，解析其中技术难点的具体攻克方法。 1. 微观节奏的精确控制： 以梅西安的部分作品为例，深入剖析“不连续的节奏”和“延长音”（Longue Durée）的演奏策略。这要求演奏者对时间感有极高的内在把握，能够将看似随机的节奏点，组织成具有内在逻辑的音乐流。 2. 触觉记忆与身体协调： 针对极度依赖快速大跳、复杂的和弦交替和非对称指法的大型现代曲目，本书提出了一套“身体映射”的记忆训练法。这种方法侧重于建立肌肉对乐谱结构的非视觉性认知，提高身体在高速运动中的自主反应能力。 3. 诠释的科学性： 在解释现代作品时，如何平衡作曲家的指示与演奏者自身的听觉体验，是关键。本书鼓励演奏者通过研究作曲家的背景、创作环境，而非仅仅依赖前人的录音，来建立自己对作品速度、强弱和音色的“科学理解”。 第四部分：演奏者的身心健康与持续发展 成功的演奏不仅依赖手指的力量，更依赖于稳定的心智和健康的身体。 1. 演奏中的生物力学调整： 邀请了运动康复专家撰写章节，系统性地讲解了预防职业性肌腱炎、腕管综合征的日常练习和休息策略。强调了如何通过呼吸和姿势的调整来减少不必要的肌肉紧张。 2. 心理韧性与舞台焦虑管理： 提供了基于认知行为疗法（CBT）的练习模块，帮助演奏者将对失误的恐惧转化为对即时表现的专注力。书中包含了一系列在不同压力水平下模拟演奏场景的心理训练方法。 3. 录音技术与自我评估： 在数字化时代，准确的自我评估至关重要。本章指导演奏者如何设置家庭录音环境，如何客观地分析自己的录音，识别出那些在演奏现场可能被忽略的微小技术瑕疵或音色问题。 结语：通往无限可能的桥梁 《现代钢琴演奏技艺的探索与实践》旨在成为当代钢琴学习者工具箱中不可或缺的一把多功能瑞士军刀。它所倡导的，是一种既尊重传统又勇于探索未知的演奏哲学，为每一位致力于在钢琴艺术上追求卓越的音乐家，铺设一条清晰且富有启发性的成长阶梯。

评分☆☆☆☆☆

这次购买体验，很大程度上源于对“原版引进”这几个字的信任。我深知，西方古典音乐的精髓，往往被保存在其原始的出版文献中，任何翻译或转录都可能带来理解上的偏差。这本练习曲集，很明显是基于最权威的早年版本进行影印或重制，其最大的价值在于保留了未经后人过度诠释的“纯净度”。当我对照听了几个不同演奏家对同一首练习曲的演绎后，回头再看乐谱本身，会发现很多演奏上的细微差异，其实已经埋藏在了乐谱的细枝末节之中——比如高音区那些看似随意的装饰音的处理方式。对于那些想要真正吃透斯克里亚宾那充满“唯美主义”和“内省”特质的音乐的严肃学习者而言，这种对源头文本的尊重是无可替代的。它提供了一个坚实可靠的基石，让你不再需要猜测哪个版本才是“对的”。

评分☆☆☆☆☆

从教学者的角度来看待这本乐谱，它的结构安排简直是教科书级别的范例。它不仅仅是一本曲集，更像是一部关于如何驾驭浪漫主义晚期钢琴技巧的“技术手册”。我注意到，书中对于一些特定指法（比如非传统的跨指或小指的强化训练）的出现频率和位置安排，都经过了精心的设计，目的性极强。比如，某一套练习曲可能专注于解决琶音中的快速换指问题，而下一套则完全聚焦于半音阶跑动中的力度控制和触键的颗粒感。这种系统化的训练路径，远比随机挑选曲目来练习要高效得多。它教会的不仅仅是弹奏这些特定的练习曲，更是提供了一种解决未来遇到任何高难度、非标准技术问题的思维框架。对于我的学生们来说，遵循这本书的进度进行练习，无疑能最快、最稳健地提升他们的演奏表现力和技术广度。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年与技术难题较量的钢琴学习者，我对练习曲的“实用性”有着近乎苛刻的要求。这本练习曲集的难度梯度设置得非常合理，它并非简单地罗列曲目，而是似乎遵循了一条循序渐进的教学逻辑。最初的几首练习曲，虽然在技术上依然要求极高的灵活性，但它们更侧重于指间力量的均匀分布和对快速音型的掌控，这为进入更深层次的复杂技巧打下了坚实的基础。随着页码的推进，挑战性开始几何级数增长，特别是那些要求双手跨越巨大音程、同时保持独立声部清晰度的乐章，简直是对手指独立性和大脑协调能力的终极考验。我特别留意了那些关于“速度”和“力度”的标注，它们往往是并列且矛盾的——要求极快的同时又要极轻柔，这正是斯克里亚宾音乐的魅力所在，而这本乐谱忠实地记录了这些“不可能完成”的要求，强迫演奏者不断突破自身极限。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间来寻找一套真正能体现斯克里亚宾钢琴作品“超凡脱俗”特质的练习曲集，而这本引进的乐谱在某种程度上满足了我的期待，尤其是在对原版演奏习惯的尊重上。阅读这些乐谱时，我能感受到编辑者在尽可能地还原作曲家创作时的意图，这一点从他们对和声复杂性与节奏细微差别的处理上就能看出来。斯克里亚宾的音乐本身就充满了神秘主义色彩和极其细致的情感层次，这本书的排版似乎有意地引导演奏者去探索这些隐藏在音符之下的“颜色”和“感觉”。例如，某些和弦的分解和声进行，在这本乐谱中被清晰地划分出来，使得原本模糊不清的结构瞬间清晰化，这对于我深入理解他的晚期作品中的“光之和弦”概念非常有帮助。相比我之前使用的某些删改版本，这里的每一个休止符和重音记号都像是经过了慎重的考量，不容丝毫马虎，这让我的练习过程变得更加专注和富有启发性。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱的装帧设计真是没得说，纸张厚实，拿在手里沉甸甸的，很有分量感。油墨的印刷清晰度极高，即便是那些最复杂的音符和指法标记，也能一眼看清楚，这对经常需要反复研读乐谱的演奏者来说，简直是福音。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如对踏板标记的处理，非常精确到位，这在很多国内出版的版本中是很难见到的。打开书页时，那种油墨散发出的淡淡的、熟悉的味道，总能勾起我对古典音乐练习时光的怀念。封面设计典雅而不失现代感，虽然我关注的重点是内容，但一个好的外部包装确实能提升每次翻阅时的愉悦度。不过，如果说有一点小小的遗憾，那就是在一些连奏的指示上，可能还欠缺一些更直观的图示辅助，虽然文字描述已经足够详尽，但对于初学者来说，视觉引导的作用仍然不可替代。总而言之，从制作工艺的角度来看，这是一部值得收藏和长期使用的版本，它的物理品质完全匹配了斯克里亚宾作品应有的那种精致和严谨。