音阶、琶音、和弦24调弹奏速成 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 音阶
• 琶音
• 和弦
• 钢琴
• 速成
• 乐理
• 24调
• 音乐教材
• 练琴
• 入门

店铺： 悦读时光图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103053027

商品编码：29755277281

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	音阶、琶音、和弦24调弹奏速成 音乐 书籍
作者：	林碧炼编著
定价：	36.0
出版社：	人民音乐出版社
出版日期：
ISBN：	9787103053027
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

本书为音阶、琶音、和弦24调弹奏速成练习，将音阶、琶音、和弦所包含的各项内容按指法分门别类编排在一起，读者将一样的指法集中在一起练习，练习时只需要注意变化音即可。本书将包括音阶、琶音、和弦在内的24个大小调的同向、反向、正反向、三度、六度这五项内容一一列举，

《古典音乐大师的秘密：从巴赫到德彪西的创作技法与风格演变》 内容提要： 本书深入剖析了西方古典音乐史上，自巴洛克时期至印象派时期最重要的作曲大师们的创作核心理念、和声语言、配器技巧以及风格演变脉络。这不是一本枯燥的音乐史综述，而是聚焦于“如何创作”与“如何聆听”的实践性导览。我们摒弃了传统教材中对基础乐理的重复讲解，转而着眼于大师们如何突破既有限制，运用创新手法构建宏大结构与精致细节。全书分为四大板块，系统梳理了从对位法的严谨逻辑到浪漫主义情感的无限张力，再到印象派色彩的模糊美学，为有志于深入理解古典音乐结构与意图的演奏者、创作者和高级听众提供了一张详尽的“作曲家思维导图”。 --- 第一章：巴洛克时期的结构哲学——从对位法的逻辑到赋格的艺术 本章将约翰·塞巴斯蒂安·巴赫置于历史的中心，探讨其音乐的建筑美学。我们不再仅仅讨论对位法（Counterpoint）的规则，而是深入挖掘巴赫如何运用模仿（Imitation）、增值（Augmentation）、减值（Diminution）等手法，在严格的约束下实现情感的自由表达。 1. “音乐的数学”：平均律的革命性意义： 探讨《平均律钢琴曲集》如何确立了十二平均律在键盘音乐中的霸主地位，及其对后世和声自由度的解放作用。重点分析C大调和c小调的内在逻辑差异，以及巴赫如何通过调性色彩的对比来推动音乐叙事。 2. 赋格的内在张力：主题的诞生与变形： 以《平均律》和《音乐的奉献》中的典型赋格为例，详细解析“主体”（Subject）、“应答”（Answer）与“间插”（Episode）的构建模式。特别关注巴赫如何巧妙地处理“真实应答”与“移调应答”，以及在多声部写作中，如何确保声部之间的清晰度和独立性，避免声部间的“拥堵”。 3. 巴洛克协奏曲的引擎：快慢快（Fast-Slow-Fast）的戏剧冲突： 分析维瓦尔第和亨德尔协奏曲中，快速乐章的节奏驱动力源于不断发展的动机，以及慢速乐章中装饰音的使用如何体现即兴创作的精神。 第二章：古典主义的清晰与平衡——奏鸣曲式的理性构建 古典主义时期，音乐的重心从垂直的对位转向水平的旋律线条与清晰的结构形式。本章聚焦于海顿、莫扎特和贝多芬如何将“奏鸣曲式”（Sonata Form）发展为一种充满心理戏剧性的叙事工具。 1. 奏鸣曲式的三幕剧结构：呈示部、发展部与再现部： 详细拆解呈示部中“呈示主题”与“副呈示主题”之间的调性关系（主调与属调/关系小调），以及如何通过“结束部”为听众预设听觉期待。 2. 发展部的“炼金术”：动机的解构与重组： 发展部是古典主义作曲家的战场。本章分析贝多芬如何利用模态转换（Modal Mixture）和快速的转调技巧，将呈示部的主题碎片化，并在不协和的张力中酝酿戏剧高潮。 3. 和声的“语法”：清晰的终止式与调性导航： 探讨古典主义时期终止式（Cadence）的规范性使用——如何利用正格终止式（Perfect Authentic Cadence）来确立调性中心的稳固性，以及半终止式（Half Cadence）在制造悬念中的作用。 第三章：浪漫主义的个人表达与和声的拓展 随着个人情感的凸显，浪漫主义作曲家开始挑战古典主义的结构界限，并通过扩展和声语言来描绘更深层次的心理状态。 1. 舒曼与肖邦：钢琴上的文学与“色彩和弦”： 重点解析肖邦如何利用半音进行（Chromaticism）和不协和音程来营造梦幻或忧郁的氛围，尤其关注其夜曲（Nocturne）中旋律下方持续的、充满暗示的和声铺垫。 2. 瓦格纳的“和声毒药”：三全音的解放与无尽旋律： 深入分析《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”（Tristan Chord），探讨其如何模糊了调性功能，并将功能和声推向了极致。解析“无尽旋律”（Endless Melody）的写作手法，以及它如何打破了传统乐句的对称性。 3. 李斯特与交响诗的叙事革命：主题变形法（Thematic Transformation）： 探讨李斯特如何通过一个核心主题，在不同乐章或段落中通过改变节奏、速度和和声色彩，来讲述一个完整的故事，为后来的理查·施特劳斯奠定基础。 第四章：印象派的“光影”与听觉的消融 德彪西和拉威尔代表了对浪漫主义宏大叙事的反叛，他们将焦点从“发展”转向了“描绘”，音乐语言变得更加依赖音色和氛围。 1. 调性的“溶解”：五声音阶与全音阶的运用： 分析德彪西如何系统性地引入非传统音阶（如日本音乐影响下的五声音阶），这些音阶的特性是缺乏明确的主音和导音，从而消解了传统调性的中心感。 2. 和弦的“独立性”：平行移动与九和弦、十一和弦的使用： 探讨印象派作曲家如何打破功能和声的“上下级关系”，允许和弦（如九和弦、十一和弦）像色彩块一样自由平行移动，而非必须解决到下一个功能和弦。 3. 配器的“朦胧”：音色作为结构元素： 关注管弦乐法中对木管乐器（尤其是长笛和单簧管）高音区的细腻使用，以及打击乐器（如钹、锣）的边缘化点缀，如何共同营造出水波或雾气般的听觉景象。 结语：跨越时代的技法融汇 本书旨在引导读者将这些大师的技法视为一个连续的演化过程，理解从巴赫的严密逻辑到德彪西的随性色彩之间，和声与形式是如何一步步被拓展和重塑的。掌握这些创作背后的思维模式，将极大深化对任何一部经典作品的演奏和鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

从排版和装帧来看，这本书给人的感觉是比较注重实用性的，没有过多花哨的装饰。我注意到书页的材质似乎是那种比较厚实、耐翻的纸张，这对于经常需要在练习时摊开书本的人来说是个加分项——不容易反光，也不容易被汗水浸湿损坏。关于内容组织，我最关心的是它对“速成”二字的诠释。我的理解是，它应该提供的是一种高效掌握核心技能的捷径，而不是肤浅地掠过。我特别好奇它会如何处理那些平时难以练习的、涉及到大量远距离跨度和复杂指法的调性，比如升 F 大调或者降 E 小调。如果书中能设计一些针对这些“难点调性”的专项突破练习，比如专门训练手指的拉伸和独立性的小练习，并且这些练习是集成在音阶和琶音的练习流程之中的，那么这本书的实用价值就大大提升了。我希望它能真正帮助我突破目前在速度和准确性上的瓶颈。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计倒是挺吸引人的，那种经典的黑白配色，中间用金色勾勒出一些乐谱的符号，看起来很有专业范儿。我最近刚好在琢磨怎么把以前学的那些零散的乐理知识串起来，正好瞄上了这个标题，觉得“速成”这个词听起来让人精神一振。拿到手里掂了掂，厚度适中，不像那种动辄几百页的“砖头书”，感觉翻起来不会太有压力。我最期待的是，它能不能用一种清晰易懂的方式，把大调、小调，以及那些复杂的七和弦、挂留和弦的指法和音型都梳理清楚。毕竟，很多教材讲到后面就容易陷入枯燥的理论堆砌，让人望而却步。我希望这本书能像一个耐心的老师，手把手地带着我把 C 大调到 B 大调，每一个调性下的音阶和琶音都练得滚瓜烂熟，最好还能附带一些针对不同乐器（比如钢琴或吉他）的实用指法建议，这样学习起来效率肯定能大大提高。如果内容安排得当，能让我快速上手，建立扎实的演奏基础，那真是太值了。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐学习资料的评价标准之一，就是它们是否能有效地帮助我“内化”知识。单纯地看着谱子弹下来是机械记忆，真正掌握则需要理解背后的规律。我希望这本书在讲解二十四调音阶和琶音时，不仅仅是给出指法图，更能深入探讨它们之间的内在联系——比如大小调关系的转换、平行调的对应，以及如何从一个基础调性推导出其他调性的模式。如果书中能融入一些关于“指型记忆法”或“听觉训练”的辅助内容，将听觉、视觉和触觉有效地结合起来，那么学习过程就会更加自然和深入。我期待它能提供一种宏观的视角，让我看到这二十四种调性并不是孤立存在的，而是构成了一个完整的音乐体系。如果能做到这一点，这本书就不再是一本简单的练习手册，而更像是一把开启音乐大门的钥匙，让学习者能够触类旁通，举一反三，真正实现高效的“弹奏速成”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对市面上很多声称“速成”的音乐教材抱持着一种审慎的态度，因为音乐的精深非一朝一夕之功。但是，这本书的目录结构给我留下了一个比较好的第一印象。它似乎是按照一个逻辑递进的脉络来的，从最基础的音阶模式开始，逐步过渡到琶音的分解和弦，最后才深入到不同调性的和弦进行练习。这种循序渐进的编排方式，对于我这种需要系统性梳理知识的自学者来说，是相当友好的。我特别关注了它对“二十四调”的处理方式，这块往往是学习者最容易感到困惑的地方——如何快速在所有大调和小调之间切换，并且保持指法的流畅性。如果这本书能提供一些跨调性的练习曲目或者视奏小片段，帮助我们的大脑和手指建立起一种“调性思维”，而不是仅仅停留在“背谱子”的层面，那么它就成功了一半。我希望能看到一些巧妙的练习方法，而不是简单地罗列音符。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱实践操作的学习者，对于纯粹的理论讲解总是提不起兴趣。因此，这本书的实际“可用性”对我来说至关重要。我希望它不仅仅是理论的集合，更应该是一本“工具书”。具体来说，我期待看到大量的图例和示例，最好是高清印刷的乐谱片段，能够清晰地展示出在不同把位上，音阶和琶音的指型是如何变化的。更重要的是，如果它能提供一些进阶的练习思路，比如如何将琶音融入即兴演奏的片段中，或者如何利用特定的音阶模式来构建具有色彩感和情绪张力的和弦连接，那就太棒了。很多教材教完基础就戛然而止了，让人感觉像学完了字母表却不会写诗。我希望这本“速成”不仅教我如何“弹奏”，还能启发我如何“思考”和“应用”这些音阶和和弦，让它们真正成为我音乐表达的工具。