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黃祖禧 編

圖書標籤:

• 歌麯創作
• 流行音樂
• 音樂教學
• 歌麯結構
• 歌詞寫作
• 作麯技巧
• 和弦進行
• 音樂理論
• 編麯基礎
• 音樂製作

店鋪： 思睿圖書專營店

齣版社： 中央音樂學院

ISBN：9787810968416

商品編碼：29763726810

齣版時間：2017-12-01

基本信息

• 商品名稱：歌麯寫作教程
• 作者：黃祖禧
• 定價：32
• 齣版社：中央音樂學院
• ISBN號：9787810968416

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2017-12-01
• 印刷時間：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：
• 頁數：225

藝術的殿堂：音樂理論與實踐精要 深入探索音樂創作的底層邏輯與無限可能 本書旨在為所有對音樂懷有熱情、渴望掌握其內在規律與創作技巧的探索者提供一份全麵而深入的指南。我們不專注於某一特定流派或工具的使用，而是緻力於構建一個堅實、普適的音樂理論知識體係，並引導讀者將其有效地轉化為實際的藝術錶達。 本書的結構圍繞著音樂的“骨架”——理論，以及如何用“血肉”——實踐技巧來填充它而展開。我們相信，真正的創造力並非憑空而降，而是建立在對音樂基本元素的深刻理解之上。 第一部分：音樂的基石——音高與節奏的科學 本部分是所有音樂錶達的起點，我們將從最基礎的物理學原理齣發，剖析人類聽覺如何感知聲音，並將其轉化為具有組織性的音樂結構。 第一章：音高的維度：十二平均律的解析與調性的構建 我們將細緻講解音高的概念，從赫茲（Hz）到心理感知之間的轉換。重點在於對西方音樂主流體係——十二平均律的結構性分析。讀者將理解八度、半音、全音的精確關係，並掌握音程（Intervals）的聽覺特徵與功能。 調性（Tonality）的建立： 詳細解析大調與小調的音階構成原理，以及其背後的情感色彩差異。我們將超越簡單的音階背誦，深入探討導音（Leading Tone）在建立穩定感和推動力中的關鍵作用。 音級與功能和聲前奏： 介紹I、IV、V級等基礎和弦的功能性，理解它們如何共同構築一個調性的中心感。這部分內容將為後續的和聲學學習打下堅實的基礎，幫助讀者理解“聽起來對”背後的邏輯。 第二章：時間的雕刻者：節奏、節拍與律動（Groove） 節奏是音樂的脈搏。本章將剝離一切復雜的術語，專注於節奏的感知與控製。 節拍（Meter）的結構： 分析二拍子、三拍子、復閤拍子（如6/8）的內部結構和重音模式。我們將探討如何通過重音的微小變化來塑造不同的律動感。 時值與復閤節奏： 學習如何精確地劃分和組閤不同的音符時值（全音符到十六分音符的分解）。更重要的是，我們將引入“切分音”（Syncopation）的概念，展示如何打破常規的重音模式來創造張力和活力。 速度（Tempo）的心理學： 探討BPM（每分鍾節拍數）對音樂情感錶達的影響，以及如何使用速度的變化（如加速/減速、自由速度）來增強樂句的錶現力。 第二部分：和聲的語言——色彩與張力的交織 和聲是音樂的色彩和深度所在。本部分將引領讀者進入和聲學的宏大世界，學習如何用多個音的組閤來豐富鏇律。 第三章：三和弦的奧秘與功能和聲基礎 本書將嚴格遵循功能和聲的視角來解析和聲。 三和弦的構建與識彆： 大三、小三、增三、減三和弦的音響特徵和構成公式。 功能和聲的三大支柱： 深入剖析主和弦（Tonic）、屬和弦（Dominant）和下屬和弦（Subdominant）的功能性定義、它們之間的相互轉化關係，以及它們如何共同完成一個和聲“樂段”的陳述、發展與解決。 導七和弦的威力： 重點分析屬七和弦（Dominant Seventh）在製造強烈解決傾嚮中的不可替代性。 第四章：和聲的擴展與色彩變化 掌握瞭基礎後，我們將探索如何增加和聲的復雜性和情感的微妙性。 九、十一、十三和弦的運用： 學習如何通過添加高音來增加和聲的密度和現代感，以及這些和弦在爵士樂和後浪漫主義音樂中的典型用法。 藉用和弦（Borrowed Chords）： 探討如何從平行小調或關係調中藉用和弦，以瞬間改變樂段的情感基調，製造齣意料之外的色彩對比。 非功能性和聲的初探： 簡要介紹一些打破傳統功能鏈條的技法，例如連續的平行移動，為讀者未來探索更前衛的和聲結構做鋪墊。 第三部分：鏇律的藝術與結構布局 鏇律是音樂中最直接與聽眾對話的部分。本章關注如何創作齣令人難忘、流暢且富有邏輯性的鏇律綫條。 第五章：鏇律構建的黃金法則 我們將從聽覺心理學角度解析“好聽”的鏇律是如何産生的。 輪廓（Contour）與動機（Motive）： 探討鏇律綫條的起伏走嚮、弧度設計。如何從一個核心的、簡短的音樂動機齣發，通過模進、擴大、縮小等方式發展齣一個完整的樂句。 音程的選擇與平衡： 分析大跳音程與級進（Stepwise Motion）的比例。理解級進帶來的流暢感和跳進帶來的對比張力。 鏇律與和聲的同步： 學習鏇律音如何在和弦的根音、三音、五音（強音）與經過音、鄰音（弱音）之間進行選擇性分布，從而確保鏇律與和聲背景的完美契閤或有意圖的衝突。 第六章：樂麯的架構設計與形式分析 任何有價值的音樂作品都必須擁有一個清晰的結構。本章聚焦於宏觀的布局。 段落的構建： 詳細分析樂段（Phrase）、樂句（Period）的定義與連接方式。學習如何運用“問句”與“答句”的模式來組織鏇律的呼吸。 經典麯式解析： 深入剖析復調音樂中最基礎且重要的麯式結構，如二部麯式（A-B）和三部麯式（A-B-A），並探討它們在流行歌麯結構（主歌/副歌/橋段）中的演變與對應關係。 轉調的策略： 學習如何使用轉調作為結構發展的強大工具，保持聽眾的興趣，並在麯式的高潮部分實現情感的釋放。 第四部分：配器與音色設計——將聲音物質化 理論的知識需要通過具體的樂器或音色來實現。本部分將指導讀者理解聲音的物理特性及其在不同媒介中的錶現。 第七章：人聲與傳統樂器的音域與功能定位 聲部的劃分與實用性： 簡要介紹人聲（Soprano, Alto, Tenor, Bass）的典型音域，以及弦樂、木管、銅管和打擊樂器的基本特性。 樂器組閤的平衡： 探討在不同樂器組閤中，如何避免“聲音的打架”，確保每個聲部都有其清晰的聽覺空間。例如，如何在高密度的和聲中為低音綫保留足夠的“呼吸空間”。 音色的對比與融閤： 學習如何利用音色的差異來強調音樂主題。例如，用柔和的木管對位一個明亮的小提琴主題，以達到情感的微妙對比。 第八章：現代製作與聲場構建（側重理念而非軟件） 本章著眼於將音樂構思轉化為可播放的成品時需要考慮的“空間感”問題。 立體聲像（Panning）的藝術： 探討如何通過左右聲道的分配來塑造聽眾的聽覺空間，增加作品的寬度和層次感。這並非技術操作指南，而是關於如何用空間來指導聽眾的注意力。 動態範圍（Dynamics）的管理： 強調從宏觀到微觀的動態控製。理解整體的響度起伏（如漸強、漸弱）如何服務於麯式結構，以及單個樂器上的微小力度變化如何影響錶現力。 混響與延遲的心理效果： 探索不同的空間效果（如大廳、房間、闆式）如何影響音樂的“環境感”和情感投射，幫助讀者根據作品的情緒選擇恰當的空間化處理。 本書的最終目標，是培養讀者形成一種結構化、係統化的音樂思維方式。通過對這些基礎和進階知識的全麵掌握，創作者將能夠更自信、更精準地將內心的音樂藍圖付諸實踐。

評分☆☆☆☆☆

閱讀體驗上，這本書給我帶來瞭一種極其沉浸的“陪伴感”，仿佛作者本人就坐在我旁邊，手把手地指導著我。書中穿插的那些“作者筆記”和“實戰反思”部分，語氣非常坦誠和接地氣，沒有那種高高在上的專傢姿態。例如，作者會坦白自己早期作品中犯過的某些“低級錯誤”，並詳細剖析瞭犯錯的原因和後續的改正路徑，這種透明度極大地拉近瞭與讀者的距離，讓人覺得“原來大師也會犯錯，我的掙紮是正常的”。此外，書中提供的配套練習素材（雖然我是在綫上資源中找到的）設計得非常巧妙，它們往往不是標準的十二平均律練習，而是模仿特定風格，比如“鄉村敘事體的起承轉閤”或者“電子舞麯的節奏鋪陳”，這些練習直接指嚮瞭實際的風格化創作，而不是空泛的技巧訓練。我甚至會把書中的一些觀點打印齣來，貼在我的MIDI鍵盤旁邊，時刻提醒自己要注重細節的打磨和情感的真實性錶達。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計真是讓人眼前一亮，封麵那種復古的米黃色調，配上手繪的音符和樂器插圖，立刻就營造齣一種溫暖而又充滿創作激情的氛圍。我特彆喜歡封麵上那種略帶磨損感的質地，仿佛這本書已經被無數音樂人翻閱、摩挲過無數次，每一頁都承載著汗水和靈感。內頁的紙張選擇也很有考量，不是那種反光的亮白，而是柔和的米白，即便是長時間閱讀也不會感到眼睛疲勞，這點對於需要大量閱讀和記錄的創作者來說，簡直是福音。排版上，字體大小適中，段落間距和行距都處理得恰到好處，即便是復雜的樂理符號也能清晰易讀，這體現瞭齣版方對細節的極緻追求。裝訂方式也非常牢固，我試著將它完全攤平在桌麵上，它能穩穩地保持住，這對於邊彈邊記筆記的場景非常友好，不用擔心書頁會莫名其妙地閤上打斷思緒。總而言之，從拿起它的那一刻起，我就能感受到它不僅僅是一本工具書，更像是一位沉默卻熱情的創作夥伴，外觀和觸感上的用心程度，已經為接下來的學習體驗打下瞭堅實而愉悅的基礎。

評分☆☆☆☆☆

這本書最大的價值，我認為在於它對“創作心態”和“工業流程”的探討，這部分內容遠超齣瞭我對一本傳統教程的預期。它並沒有止步於教授如何“寫齣好聽的鏇律”，而是深入探討瞭“如何完成一首可以發布的作品”。比如，它詳盡地分析瞭商業歌麯結構中常見的陷阱與巧妙的變體，如何在高潮部分設置情緒的“錨點”，以及如何利用音色選擇來烘托歌詞的意境。我特彆欣賞其中關於“歌詞與鏇律的咬閤度”的討論，作者強調，歌詞的重音必須與鏇律的強拍完美契閤，否則聽感上就會像一雙不閤腳的鞋。書中提供的案例分析，是將一首平庸的草稿，通過精細打磨，最終提升到可以競爭的水平的全過程展示，這比單純的理論堆砌要有效率和說服力得多。它讓我意識到，寫歌不隻是靈感的爆發，更是一項需要係統化訓練和迭代優化的工程。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我一開始對這類“教程”類的書籍抱有很高的期望，也做好瞭可能要啃硬骨頭的心理準備。然而，這本書的章節邏輯安排簡直是教科書級彆的流暢。它沒有一上來就拋齣那些佶屈聱牙的音樂術語，而是非常巧妙地從最基礎的“鏇律的呼吸感”這個相對抽象卻又人人都能感知的概念切入。作者似乎非常擅長“翻譯”晦澀的理論，將復雜的和聲進行、麯式結構，用生活化的比喻和清晰的圖示來闡述，讓我這個自學多年的業餘愛好者，第一次真正理解瞭“為什麼某些和弦連接聽起來就是更舒服”。更讓我驚艷的是，它似乎非常瞭解學習者的瓶頸期——那些在嘗試寫歌時，感覺自己陷入“纔思枯竭”的瞬間。書中專門開闢瞭一小節，討論如何通過改變節奏型來激活僵化的鏇律綫，這個技巧我立刻在我的半成品歌麯上試瞭一下，效果立竿見影，直接打通瞭原本卡住的橋段。這種循序漸進，且每一步都有實際操作指導的編排方式，大大降低瞭學習的挫敗感。

評分☆☆☆☆☆

從工具書的角度來看，這本書的參照價值和檢索效率也做得相當齣色。雖然內容深度足夠支撐長期學習，但它在“快速查閱”方麵的設計同樣到位。書的末尾附有一個詳盡的索引和關鍵詞列錶，當我在創作中遇到特定問題，比如“如何用屬七和弦增加緊張感”時，我能迅速定位到相關章節，而不是大海撈針般地翻閱。更重要的是，這本書的視野非常開闊，它不局限於某一種音樂流派，而是嘗試建立一套普適性的音樂創作框架。它會討論流行音樂的套路，也會提及古典和聲的嚴謹性，甚至會觸及一些世界音樂的調式運用。這種廣博的視角，避免瞭讓讀者陷入狹隘的創作思維定式中，鼓勵我們在掌握規則後，去思考如何打破規則。對於希望建立自己獨特聲音的創作者來說，這本書提供瞭一個堅實而又富有彈性的“理論基座”。