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黄祖禧 编

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店铺： 思睿图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968416

商品编码：29763726810

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：歌曲写作教程
• 作者：黄祖禧
• 定价：32
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968416

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：225

艺术的殿堂：音乐理论与实践精要 深入探索音乐创作的底层逻辑与无限可能 本书旨在为所有对音乐怀有热情、渴望掌握其内在规律与创作技巧的探索者提供一份全面而深入的指南。我们不专注于某一特定流派或工具的使用，而是致力于构建一个坚实、普适的音乐理论知识体系，并引导读者将其有效地转化为实际的艺术表达。 本书的结构围绕着音乐的“骨架”——理论，以及如何用“血肉”——实践技巧来填充它而展开。我们相信，真正的创造力并非凭空而降，而是建立在对音乐基本元素的深刻理解之上。 第一部分：音乐的基石——音高与节奏的科学 本部分是所有音乐表达的起点，我们将从最基础的物理学原理出发，剖析人类听觉如何感知声音，并将其转化为具有组织性的音乐结构。 第一章：音高的维度：十二平均律的解析与调性的构建 我们将细致讲解音高的概念，从赫兹（Hz）到心理感知之间的转换。重点在于对西方音乐主流体系——十二平均律的结构性分析。读者将理解八度、半音、全音的精确关系，并掌握音程（Intervals）的听觉特征与功能。 调性（Tonality）的建立： 详细解析大调与小调的音阶构成原理，以及其背后的情感色彩差异。我们将超越简单的音阶背诵，深入探讨导音（Leading Tone）在建立稳定感和推动力中的关键作用。 音级与功能和声前奏： 介绍I、IV、V级等基础和弦的功能性，理解它们如何共同构筑一个调性的中心感。这部分内容将为后续的和声学学习打下坚实的基础，帮助读者理解“听起来对”背后的逻辑。 第二章：时间的雕刻者：节奏、节拍与律动（Groove） 节奏是音乐的脉搏。本章将剥离一切复杂的术语，专注于节奏的感知与控制。 节拍（Meter）的结构： 分析二拍子、三拍子、复合拍子（如6/8）的内部结构和重音模式。我们将探讨如何通过重音的微小变化来塑造不同的律动感。 时值与复合节奏： 学习如何精确地划分和组合不同的音符时值（全音符到十六分音符的分解）。更重要的是，我们将引入“切分音”（Syncopation）的概念，展示如何打破常规的重音模式来创造张力和活力。 速度（Tempo）的心理学： 探讨BPM（每分钟节拍数）对音乐情感表达的影响，以及如何使用速度的变化（如加速/减速、自由速度）来增强乐句的表现力。 第二部分：和声的语言——色彩与张力的交织 和声是音乐的色彩和深度所在。本部分将引领读者进入和声学的宏大世界，学习如何用多个音的组合来丰富旋律。 第三章：三和弦的奥秘与功能和声基础 本书将严格遵循功能和声的视角来解析和声。 三和弦的构建与识别： 大三、小三、增三、减三和弦的音响特征和构成公式。 功能和声的三大支柱： 深入剖析主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）的功能性定义、它们之间的相互转化关系，以及它们如何共同完成一个和声“乐段”的陈述、发展与解决。 导七和弦的威力： 重点分析属七和弦（Dominant Seventh）在制造强烈解决倾向中的不可替代性。 第四章：和声的扩展与色彩变化 掌握了基础后，我们将探索如何增加和声的复杂性和情感的微妙性。 九、十一、十三和弦的运用： 学习如何通过添加高音来增加和声的密度和现代感，以及这些和弦在爵士乐和后浪漫主义音乐中的典型用法。 借用和弦（Borrowed Chords）： 探讨如何从平行小调或关系调中借用和弦，以瞬间改变乐段的情感基调，制造出意料之外的色彩对比。 非功能性和声的初探： 简要介绍一些打破传统功能链条的技法，例如连续的平行移动，为读者未来探索更前卫的和声结构做铺垫。 第三部分：旋律的艺术与结构布局 旋律是音乐中最直接与听众对话的部分。本章关注如何创作出令人难忘、流畅且富有逻辑性的旋律线条。 第五章：旋律构建的黄金法则 我们将从听觉心理学角度解析“好听”的旋律是如何产生的。 轮廓（Contour）与动机（Motive）： 探讨旋律线条的起伏走向、弧度设计。如何从一个核心的、简短的音乐动机出发，通过模进、扩大、缩小等方式发展出一个完整的乐句。 音程的选择与平衡： 分析大跳音程与级进（Stepwise Motion）的比例。理解级进带来的流畅感和跳进带来的对比张力。 旋律与和声的同步： 学习旋律音如何在和弦的根音、三音、五音（强音）与经过音、邻音（弱音）之间进行选择性分布，从而确保旋律与和声背景的完美契合或有意图的冲突。 第六章：乐曲的架构设计与形式分析 任何有价值的音乐作品都必须拥有一个清晰的结构。本章聚焦于宏观的布局。 段落的构建： 详细分析乐段（Phrase）、乐句（Period）的定义与连接方式。学习如何运用“问句”与“答句”的模式来组织旋律的呼吸。 经典曲式解析： 深入剖析复调音乐中最基础且重要的曲式结构，如二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A），并探讨它们在流行歌曲结构（主歌/副歌/桥段）中的演变与对应关系。 转调的策略： 学习如何使用转调作为结构发展的强大工具，保持听众的兴趣，并在曲式的高潮部分实现情感的释放。 第四部分：配器与音色设计——将声音物质化 理论的知识需要通过具体的乐器或音色来实现。本部分将指导读者理解声音的物理特性及其在不同媒介中的表现。 第七章：人声与传统乐器的音域与功能定位 声部的划分与实用性： 简要介绍人声（Soprano, Alto, Tenor, Bass）的典型音域，以及弦乐、木管、铜管和打击乐器的基本特性。 乐器组合的平衡： 探讨在不同乐器组合中，如何避免“声音的打架”，确保每个声部都有其清晰的听觉空间。例如，如何在高密度的和声中为低音线保留足够的“呼吸空间”。 音色的对比与融合： 学习如何利用音色的差异来强调音乐主题。例如，用柔和的木管对位一个明亮的小提琴主题，以达到情感的微妙对比。 第八章：现代制作与声场构建（侧重理念而非软件） 本章着眼于将音乐构思转化为可播放的成品时需要考虑的“空间感”问题。 立体声像（Panning）的艺术： 探讨如何通过左右声道的分配来塑造听众的听觉空间，增加作品的宽度和层次感。这并非技术操作指南，而是关于如何用空间来指导听众的注意力。 动态范围（Dynamics）的管理： 强调从宏观到微观的动态控制。理解整体的响度起伏（如渐强、渐弱）如何服务于曲式结构，以及单个乐器上的微小力度变化如何影响表现力。 混响与延迟的心理效果： 探索不同的空间效果（如大厅、房间、板式）如何影响音乐的“环境感”和情感投射，帮助读者根据作品的情绪选择恰当的空间化处理。 本书的最终目标，是培养读者形成一种结构化、系统化的音乐思维方式。通过对这些基础和进阶知识的全面掌握，创作者将能够更自信、更精准地将内心的音乐蓝图付诸实践。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的价值，我认为在于它对“创作心态”和“工业流程”的探讨，这部分内容远超出了我对一本传统教程的预期。它并没有止步于教授如何“写出好听的旋律”，而是深入探讨了“如何完成一首可以发布的作品”。比如，它详尽地分析了商业歌曲结构中常见的陷阱与巧妙的变体，如何在高潮部分设置情绪的“锚点”，以及如何利用音色选择来烘托歌词的意境。我特别欣赏其中关于“歌词与旋律的咬合度”的讨论，作者强调，歌词的重音必须与旋律的强拍完美契合，否则听感上就会像一双不合脚的鞋。书中提供的案例分析，是将一首平庸的草稿，通过精细打磨，最终提升到可以竞争的水平的全过程展示，这比单纯的理论堆砌要有效率和说服力得多。它让我意识到，写歌不只是灵感的爆发，更是一项需要系统化训练和迭代优化的工程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种复古的米黄色调，配上手绘的音符和乐器插图，立刻就营造出一种温暖而又充满创作激情的氛围。我特别喜欢封面上那种略带磨损感的质地，仿佛这本书已经被无数音乐人翻阅、摩挲过无数次，每一页都承载着汗水和灵感。内页的纸张选择也很有考量，不是那种反光的亮白，而是柔和的米白，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳，这点对于需要大量阅读和记录的创作者来说，简直是福音。排版上，字体大小适中，段落间距和行距都处理得恰到好处，即便是复杂的乐理符号也能清晰易读，这体现了出版方对细节的极致追求。装订方式也非常牢固，我试着将它完全摊平在桌面上，它能稳稳地保持住，这对于边弹边记笔记的场景非常友好，不用担心书页会莫名其妙地合上打断思绪。总而言之，从拿起它的那一刻起，我就能感受到它不仅仅是一本工具书，更像是一位沉默却热情的创作伙伴，外观和触感上的用心程度，已经为接下来的学习体验打下了坚实而愉悦的基础。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对这类“教程”类的书籍抱有很高的期望，也做好了可能要啃硬骨头的心理准备。然而，这本书的章节逻辑安排简直是教科书级别的流畅。它没有一上来就抛出那些佶屈聱牙的音乐术语，而是非常巧妙地从最基础的“旋律的呼吸感”这个相对抽象却又人人都能感知的概念切入。作者似乎非常擅长“翻译”晦涩的理论，将复杂的和声进行、曲式结构，用生活化的比喻和清晰的图示来阐述，让我这个自学多年的业余爱好者，第一次真正理解了“为什么某些和弦连接听起来就是更舒服”。更让我惊艳的是，它似乎非常了解学习者的瓶颈期——那些在尝试写歌时，感觉自己陷入“才思枯竭”的瞬间。书中专门开辟了一小节，讨论如何通过改变节奏型来激活僵化的旋律线，这个技巧我立刻在我的半成品歌曲上试了一下，效果立竿见影，直接打通了原本卡住的桥段。这种循序渐进，且每一步都有实际操作指导的编排方式，大大降低了学习的挫败感。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书给我带来了一种极其沉浸的“陪伴感”，仿佛作者本人就坐在我旁边，手把手地指导着我。书中穿插的那些“作者笔记”和“实战反思”部分，语气非常坦诚和接地气，没有那种高高在上的专家姿态。例如，作者会坦白自己早期作品中犯过的某些“低级错误”，并详细剖析了犯错的原因和后续的改正路径，这种透明度极大地拉近了与读者的距离，让人觉得“原来大师也会犯错，我的挣扎是正常的”。此外，书中提供的配套练习素材（虽然我是在线上资源中找到的）设计得非常巧妙，它们往往不是标准的十二平均律练习，而是模仿特定风格，比如“乡村叙事体的起承转合”或者“电子舞曲的节奏铺陈”，这些练习直接指向了实际的风格化创作，而不是空泛的技巧训练。我甚至会把书中的一些观点打印出来，贴在我的MIDI键盘旁边，时刻提醒自己要注重细节的打磨和情感的真实性表达。

评分☆☆☆☆☆

从工具书的角度来看，这本书的参照价值和检索效率也做得相当出色。虽然内容深度足够支撑长期学习，但它在“快速查阅”方面的设计同样到位。书的末尾附有一个详尽的索引和关键词列表，当我在创作中遇到特定问题，比如“如何用属七和弦增加紧张感”时，我能迅速定位到相关章节，而不是大海捞针般地翻阅。更重要的是，这本书的视野非常开阔，它不局限于某一种音乐流派，而是尝试建立一套普适性的音乐创作框架。它会讨论流行音乐的套路，也会提及古典和声的严谨性，甚至会触及一些世界音乐的调式运用。这种广博的视角，避免了让读者陷入狭隘的创作思维定式中，鼓励我们在掌握规则后，去思考如何打破规则。对于希望建立自己独特声音的创作者来说，这本书提供了一个坚实而又富有弹性的“理论基座”。