中学音乐教学法邵祖亮上海音乐出版社考研大专正版全新9787805534091 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

邵祖亮 著

图书标签:

• 中学音乐
• 音乐教学法
• 邵祖亮
• 上海音乐出版社
• 考研
• 大专
• 教材
• 正版
• 音乐教育
• 9787805534091

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805534091

商品编码：29859859908

页数：213

图书基本信息
书名：	中学音乐教学法
丛书名：
作者/主编：	邵祖亮
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805534091
出版年份：	1993年3月

版次：	第1版
总页数：	213页
开本：	16
图书定价：	25元
实际重量：	340g
新旧程度：	正版全新

序

绪论
章 中学音乐教育的重要意义和教学大纲
节 中学音乐教育的重要意义
第二节 中学音乐教学大纲

第二章 音乐教学法原则
节 音乐教学法原则的意义
第二节 音乐教学法原则的概念
第三节 音乐教学法原则的内容

第三章 中学生音乐心理发展特征与音乐教学主要特点
节 中学生生理、心理发展特征
第二节 中学生音乐心理的主要特征
第三节 影响学生音乐学习的基本因素和中学音乐教学的主要特点

第四章 中学音乐教学的主要内容和教法
节 歌唱教学
第二节 音乐欣赏教学
第三节 基本乐理教学
第四节 视唱练耳教学
第五节 器乐教学

第五章 音乐教学的组织工作
节 音乐教学计划的制订
第二节 课堂音乐教学设计

第六章 音乐学习成绩评定与音乐学习能力测量
节 音乐学习成绩评定
第二节 音乐学习能力测量
第三节 音乐学习成绩评定、音乐学习能力测量关系

第七章 课外音乐活动
节 课外音乐活动的任务
第二节 课外音乐活动的组织与辅导

第八章 音乐教师和音乐教学评估
节 中学音乐教师的基本素质要求
第二节 音乐教学评估

第九章 音乐教学设备与电化教学
节 音乐教学设备
第二节 电化教学简况与展望

第十章 音乐教育实习
节 音乐教育实习的目的和任务
第二节 音乐教育实习的实施要点

第十一章 国外音乐教育体系与教学法
节 达尔克洛兹音乐教育体系
第二节 柯达伊音乐教育体系
第三节 奥尔夫音乐教育体系
第四节 其他音乐教育体系
本书参考书目
附录 教案三篇
后记

《中学音乐教学法》汲取我国中学音乐领域多年来所取得的音乐教学成果之精华，从一定的理论高度总结了一套较为、完整、富有特色的小学音乐教学法。全书观点鲜明、内容丰富、深入浅出、实用性强。《中学音乐教学法》既是一本音乐教育理论专著，又是一本高等师范院校音乐教育教材，还可作为全国各中(小)学、中等师范学校、普通高校广大音乐教师的教学参考用书。

《音乐教育的理论与实践前沿探索》 导论：现代音乐教育的宏观视野与挑战 在全球化与信息技术飞速发展的今天，音乐教育正面临着前所未有的变革与挑战。本册教材旨在超越传统课堂的局限，聚焦于当代音乐教育理论的最新发展、教学实践的创新路径，以及技术融合带来的深远影响。它并非简单地对既有知识点的汇编，而是一次深入的、批判性的学术对话，引导学习者构建起一个宏大而精密的音乐教育知识体系。 本书的基石在于对“教育的本质”在音乐语境下的重新审视。我们首先探讨了后现代主义、建构主义、批判理论等思潮对音乐教育观的重塑作用。教育不再被视为知识的单向传递，而是学习者主动建构意义、在多元文化中进行身份认同的过程。这要求音乐教师不仅是技艺的传授者，更是文化中介和情境设计者。 第一部分：音乐教育学的核心理论框架重构 本部分着重剖析支撑当代音乐教育实践的几大理论支柱。 第一章：音乐感知与认知心理学的新进展 传统的音乐听觉训练往往侧重于音高、节奏的机械识别。本章则深入探讨了格式塔心理学、认知神经科学在音乐学习中的应用。我们关注“意义的生成”——听者如何在大脑中组织音符序列，形成音乐结构的概念。重点分析了“内在听觉”（Inner Hearing）的培养机制，以及不同文化背景下的音乐认知差异。内容涵盖了记忆在音乐学习中的角色（工作记忆与长期记忆的转化），以及如何设计能有效促进深层认知加工的听力练习，而非流于表面的辨音训练。 第二章：音乐审美与情感体验的哲学基础 音乐教育的核心在于审美情趣的培养。本章挑战了早期受西方美学体系主导的“纯音乐观”，引入了包括现象学、解释学在内的多种哲学视角。我们探讨了“审美经验”的身体性——音乐是如何通过身体的律动、呼吸与情感的共鸣来实现的。此外，对“高雅艺术”与“流行文化”的界限进行审视，讨论了如何构建一种包容性更强、更贴近学生真实生活体验的审美教育路径。审美判断力的培养，被视为一种复杂的文化素养，需要批判性地解读音乐作品背后的社会语境。 第三章：音乐课程设计与学制改革的国际视野 本章提供了一个全球性的视角，比较了北美、欧洲以及亚洲地区在基础教育阶段音乐课程设置的异同。重点分析了基于能力的课程框架（Competency-Based Curriculum）如何取代基于内容的教学大纲。详细阐述了如何根据不同学龄段（学前、小学、初中、高中）的学习特点，设计螺旋上升的音乐学习目标。内容包括对音乐素养（Musical Literacy）的界定——它不仅仅是读谱能力，更包括批判性聆听、即兴创作和跨学科表达的能力。 第二部分：面向未来的教学实践创新 本部分将理论转化为可操作的教学策略，强调互动性、个性化和文化适应性。 第四章：表演技能教学的深度转型 传统乐器教学常被诟病为过度强调技术模仿。本章聚焦于“以演奏为探究的学习”（Performance as Inquiry）。我们不再将演奏视为终点，而是作为理解音乐结构、风格与情感表达的手段。内容涉及对演奏过程中“即兴思维”的培养，如何利用表演来促进学生对作曲家意图的深度理解。同时，深入探讨了集体合奏中的协作艺术、非西方传统乐器的教学方法，以及如何整合科技辅助工具（如DAW软件）优化练习反馈系统。 第五章：音乐创编与数字技术赋能 信息技术正在彻底改变音乐的创作、传播与学习方式。本章详细介绍了数字化工具（如MIDI、音频编辑软件、循环序列器）在基础音乐教学中的整合策略。重点关注如何引导学生从被动的接受者转变为主动的“数字音乐人”。内容包括：基于计算机的音乐教学（Computer-Assisted Music Instruction, CAMI）的有效应用，如何教授学生基础的音乐编程思维，以及利用人工智能辅助工具进行旋律生成和和声分析，从而拓宽学生的创作边界。 第六章：跨文化音乐教育与多元文化融入 在全球化背景下，音乐教室必须成为文化交融的场所。本章深入探讨了如何进行“去中心化”的音乐文化教学。它要求教师不仅教授西方古典音乐，更需系统地引入世界各地（特别是亚洲、非洲、拉丁美洲）的音乐传统。内容涵盖了民族音乐学（Ethnomusicology）在中小学课堂的应用，如何尊重和保护非主流音乐遗产，以及在教学中避免文化挪用（Cultural Appropriation）的伦理原则。培养学生的“世界音乐观”，是本章的核心目标。 第三部分：教学评估、反思与教师专业发展 高质量的音乐教育离不开有效的评估和持续的专业成长。 第七章：非标准化音乐学习的评估方法 传统的纸笔测验难以全面衡量音乐能力。本章推崇多元化的形成性评估和总结性评估体系。重点介绍了基于表现的评估（Performance-Based Assessment）、学生作品集（Portfolio Assessment）以及自我反思日志在音乐学习中的应用。探讨如何量化和评价诸如“创造力”、“团队协作”和“批判性聆听”等难以测量的非显性能力。强调评估应服务于学习过程，而非仅仅是对结果的裁决。 第八章：教师的行动研究与专业反思 音乐教育的专业性体现在教师持续的自我提升能力上。本章详细阐述了行动研究（Action Research）的方法论，指导教师如何将课堂中的实际问题转化为研究课题，并通过系统的观察、记录、干预和反思，迭代改进自己的教学实践。内容包括如何建立有效的教学观察档案，如何进行同行评议，以及面对教学挫折时的心理调适策略，确保教师能够在新理论与新实践的浪潮中保持专业活力。 总结与展望：迈向二十一世纪的音乐教育者 本书以强烈的未来导向结束。我们呼吁新一代的音乐教育工作者，不仅要精通音乐知识，更要具备强大的跨学科整合能力、深刻的文化敏感性，以及拥抱技术变革的勇气。真正的音乐教育，是培养能够理解、创造并珍视音乐在人类社会中所扮演角色的终身学习者。本书旨在为有志于在研究领域深耕或在实践一线创新的教育者，提供坚实的理论地图和创新的实践工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书在理论的深度与实践的可操作性之间找到了一个绝妙的平衡点，这是我最欣赏它的地方。很多音乐教育学的书，要么是纯粹的学术探讨，高屋建瓴却缺乏落地性；要么就是一味地强调“如何做”，但背后的理论支撑又显得单薄。这本书则不然，它非常系统地梳理了各个教学阶段（小学、初中、高中，虽然侧重中学，但基础理论是相通的）的音乐感知、技能培养和审美教育之间的内在逻辑。举例来说，它在讲解如何处理“视唱练耳”的难度递进时，不仅仅给出了练习的步骤，更深入剖析了不同年龄段儿童的听觉发展特点，并引用了相关的教育心理学研究来佐证其教学设计的合理性。这种“知其所以然”的讲解方式，极大地提升了我作为未来教师的教学自信心，让我明白每一个教学环节都不是随意的选择，而是建立在科学基础之上的专业决策。对于希望构建完整、自洽教学体系的读者来说，这本书无疑是一张非常扎实的蓝图。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的内容更新和时代接轨做得相当出色。音乐教学法是一个不断发展的领域，尤其是在信息技术日益融入课堂的今天，传统的教学模式面临着巨大的挑战。这本书并没有沉湎于过去的辉煌或固守陈旧的范式，而是敏锐地捕捉到了当代音乐教育的新趋势。例如，它对如何将多媒体资源有效整合进课堂，而不是仅仅将PPT作为背景板，给出了非常具体的操作建议和案例分析。更重要的是，它不只是罗列技术工具，而是探讨了技术如何服务于音乐的本质——情感表达和文化传承。这种前瞻性的视角，让我感觉自己手中拿的不是一本陈旧的参考书，而是一个面向未来的教育指南。在备考过程中，能够接触到这些与时俱进的理念，无疑能让我的考试答案更具竞争力，也让我对未来的职业生涯充满了期待，不再担心自己会成为一个“过时的”音乐教师。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版真是让人眼前一亮，设计得非常用心。不同于以往那些厚重、内容堆砌的音乐理论书，它在视觉呈现上做足了功课。清晰的章节划分，配合适时的插图和图表，让原本可能显得枯燥的教学法知识点变得生动起来。尤其是对于一些复杂的音乐结构分析或者教学流程的展示，作者巧妙地运用了流程图和对比表格，一下子就能抓住核心脉络。我在学习的过程中，很少需要反复去啃读那些晦涩难懂的长句，因为很多关键概念都有配套的图文解释。翻阅起来非常流畅，即使是零散时间学习，也能快速定位到自己需要复习的部分。而且，纸张的质量和印刷的清晰度都很棒，长时间阅读眼睛也不会感到特别疲劳。作为一本备考用书，这种良好的阅读体验无疑是加分项，它让我能更专注于内容本身，而不是与不佳的装帧设计作斗争。这本书在细节上的打磨，确实体现了出版社的专业水准和对读者的尊重，这是很多同类出版物所欠缺的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格有一种沉稳而又不失亲和力的独特魅力。它不像某些学术专著那样，动辄使用大量晦涩的专业术语，让你感觉像在攀登一座知识的高峰，喘不过气。作者的叙述方式更像是一位经验丰富、学识渊博的导师在与你进行一次深入而耐心的交谈。他能够用非常平实、易懂的语言，将复杂的音乐教育哲学概念清晰地阐述出来。当涉及到一些需要批判性思考的部分时，文字的力度也把握得恰到好处，既有明确的观点，又留有足够的空间供读者进行反思和延伸。这种恰到好处的节奏感，让我在阅读时保持了高度的专注力，没有产生那种“我要赶快读完”的应付感。它在“教”的同时也在“育”，传递出一种对音乐教育事业的深深热爱和敬畏。

评分☆☆☆☆☆

从备考效率的角度来看，这本书的章节结构和知识点的提炼非常精准到位。它似乎深谙考研生的需求，哪些是重点、哪些是次要的知识点，通过不同的标记和强调方式体现得淋漓尽致。我发现自己不需要花费大量时间去“过滤”冗余信息，因为大部分内容都紧密围绕着核心能力和考试要求展开。特别是对于那些需要记忆的音乐史脉络或者不同流派的教学侧重，作者采用了高度概括的总结性段落，这些段落简直就是完美的“考点速记卡”。我发现，只要把这些总结性的表述吃透，就能建立起一个坚实的知识框架，其他的细节就能在这个框架下进行填充和巩固。这种高效的学习路径，极大地节省了我的复习时间，让我在面对海量的知识点时，不再感到无从下手，而是有条不紊，胸有成竹。