正版实用复调音乐基础教程冯鄂生西南师范大学出版社9787562145745 ? pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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冯鄂生 著

图书标签:

• 复调音乐
• 音乐基础
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• 音乐教材
• 高等教育
• 冯鄂生
• 西南师范大学出版社
• 音乐教学
• 实用教程

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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562145745

商品编码：29859860364

页数：96

图书基本信息
书名：	实用复调音乐基础教程
丛书名：	21世纪高等院校音乐教材
作者/主编：	冯鄂生
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562145745
出版年份：	2009年

版次：	第1版
总页数：	96页
开本：	1/16
图书定价：	12.00元
实际重量：	159g
新旧程度：	正版全新

 本书系21世纪高等院校音乐教材之一。复调音乐课是高师本科的必修课，在教学计划中，它一般只开设一个学期。本教材目录中所选择的内容，便是复调音乐写作技术中基础的部分。同时，考虑到高师学生今后工作之需，又加入了复调音乐的应用部分。在教材各章节都有作业要求，教师可根据实际，适当增加一些作业，以提高学生的写作能力。 

绪论一、复调音乐二、复调音乐的类型三、复调音乐的表现章 旋律一、旋律线的运动(音高)二、旋律的节奏三、旋律的结构 第二章 二声部对比复调(二声部单对位)一、对比二声部节奏的一音对一音的练习二、对比二声部节奏的一音对二音的练习三、对比二声部节奏的一音对三音、四音、延音、切分音与休止符的练习四、对比二声部的织体与应用 第三章 二声部复对位一、二声部八度复对位二、二声部十二度复对位、十度复对位三、倒影对位 第四章 二声部模仿复调一、局部模仿、卡农式模仿二、模仿的种类三、模仿与复对位的结合四、无终卡农五、卡农式模进 第五章 支声复调一、支声复调的分支二、支声复调的汇合三、支声复调的声部进行、节奏与和声 第六章 二声部复调小曲写作一、二声部合唱组合形式二、用支声与依附性手法写作的二声部乐曲三、用对比手法写作的二声部乐曲四、用模仿手法写作的二声部乐曲五、简述写作钢琴复调小曲主要参考书目

《实用复调音乐基础教程》系21世纪高等院校音乐教材之一。复调音乐课是高师本科的必修课，在教学计划中，它一般只开设一个学期。本教材目录中所选择的内容，便是复调音乐写作技术中基础的部分。同时，考虑到高师学生今后工作之需，又加入了复调音乐的应用部分。在教材各章节都有作业要求，教师可根据实际，适当增加一些作业，以提高学生的写作能力。 

音乐的织体与心灵的共鸣：一部探索西方音乐理论的深度之旅 书名： 音乐的织体与心灵的共鸣：西方复调音乐理论的深度解析与实践指南（暂定） 作者： 知名音乐教育家、作曲家团队 出版社： 权威音乐学专著出版机构 ISBN： 978-X-XXXXXX-XXX-X --- 图书简介 本书并非对某一特定教材的重复或替代，而是站在更广阔的音乐学视角下，对西方复调音乐这一核心艺术形式进行一次全面、深入且具有前瞻性的梳理与阐释。我们旨在构建一座坚实的桥梁，连接枯燥的理论规则与鲜活的音乐实践，引导读者从“学习规则”的层面跃升至“理解精神”的高度。 一、 理论的溯源与结构的剖析：超越表象的深度挖掘 本书的首章将从音乐的“时间艺术”本质出发，追溯复调音乐的起源。我们不会仅仅停留在中世纪奥尔加农（Organum）的简单介绍，而是深入探讨其背后的神学、社会结构及其对早期多声部思维的影响。随后，重点将放在文艺复兴时期对位法的黄金时代——从帕莱斯特里那（Palestrina）的严格对位到雅各布·奥布雷赫特（Jacob Obrecht）的精妙交织。 我们引入了“声部逻辑与空间感知”这一核心概念，强调复调作品并非简单旋律的叠加，而是声部之间相互独立性与内在关联性的动态平衡。书中将详细分析“步态”（Pacing）与“张力点”（Tension Nodes）在不同历史阶段的演变规律，特别是巴赫（J.S. Bach）对位法中，如何利用和声的色彩变化来指示结构的高潮与转折。我们提供的分析模型，将比传统教材更为精细化，涉及到对位线条的“心理重力”研究。 二、 风格的流变与和声的进化：从规范到自由的跨越 本书的第二部分聚焦于巴洛克时期（特别是巴赫与亨德尔）的对位技法，但我们的重点将放在“对位如何服务于戏剧性表达”。我们将深入解析赋格曲（Fugue）的结构层次，不仅讲解呈示部、展开部、再现部的标准范式，更着重探讨“主题的变形潜力”——如何通过移位、反向、扩充等手段，在既定的框架内实现无限的创新。我们将利用现代音乐分析工具，对《平均律键盘曲集》中的具体范例进行声部交织的可视化分析，帮助读者直观感受“声部对话”的精妙。 进入古典主义与浪漫主义时期，本书将探讨和声的“色彩化”趋势如何冲击并重塑传统的对位手法。贝多芬的晚期作品、莫扎特的室内乐中，对位是如何从主体地位退居为织体骨架的辅助手段？勃拉姆斯（Brahms）如何将严谨的对位逻辑融入到他那充满抒情性的晚期风格中，实现了“新古典主义”的复调复兴？这一部分将特别关注“不协和音的解决机制”在不同时代审美下的差异，以及如何运用这些差异来增强音乐叙事的张力。 三、 现代复调的探索与实践：拓展声响的边界 本书的后半部分，将目光投向20世纪及以后的复调音乐实践。这不是对序列主义或十二音体系的简单介绍，而是探讨这些新技法在“声部组织”上的继承与颠覆。 我们将分析勋伯格（Schoenberg）、魏本恩（Webern）如何用数学的精确性来构建新的多声部关系，以及这些关系如何影响听觉体验。对于德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的印象派和声，我们讨论的是“声响的平面化”——如何用平行的和弦运动和非传统的调性中心来构建一种流动、模糊的复调美学。 更进一步，本书将引入当代音乐中的“声场复调”概念，探讨电子音乐和空间音乐如何将传统的线性对位扩展到三维空间维度，例如，如何利用延时（Delay）和相位（Phasing）技术来创造“电子化的对位效果”。 四、 实践方法论：从模仿到创新的桥梁 本书的实践章节拒绝提供僵硬的“练习题库”，而是提供一套系统性的“分析-模拟-重构”方法论： 1. 范例的解构分析（Deconstruction）： 挑选不同时代最具代表性的复调片段，要求读者不仅写出其和声进行，更要标出每个声部的独立动机、转调点和结构功能。 2. 限制性写作练习（Constrained Writing）： 设定严格的限制条件（如：使用五度圈外的平行进行、仅用卡农原则构建中段），迫使学习者在约束下寻找创造性的出路。 3. 风格混音实验（Style Blending）： 尝试用巴赫的对位法则去处理德彪西的和声色彩，或用勋伯格的组织方式去发展莫扎特的主题动机，以测试和理解不同时代技法的兼容性与冲突点。 结语：复调——永恒的对话 本书的最终目标，是使读者认识到，复调音乐不仅仅是一套历史悠久的技法集合，它更是一种关于“群体智慧”与“个体表达”的哲学思考。掌握了这些织体构建的原则，读者便能更深刻地理解所有类型的音乐——从古典交响乐到现代电影配乐，都能从中洞察其内在的逻辑脉络与情感张力，最终实现“用心聆听，用脑构建”的音乐境界。 --- （全书预计配有超过三百个详尽的乐谱示例分析，涵盖从四部和声到复杂赋格的不同难度等级，并辅以必要的音乐工程学视角辅助理解。）

评分☆☆☆☆☆

从整体感受上来说，这本书提供了一种非常“内向型”的学习体验，它要求你坐下来，关掉外界的噪音，与音乐的内在逻辑进行一场深入的对话。它不是那种让你快速通过考试的工具书，而更像是一部可以陪伴你多年、随着你的音乐阅历增长而不断能读出新东西的“音乐哲学入门”。我发现，当我听瓦格纳的管弦乐或者德彪西的钢琴作品时，这本书中关于声部如何相互支撑、如何产生张力的原理，会不自觉地跳出来作为分析的框架。它真正做到了将理论内化为一种听觉直觉。相比那些只停留在“是什么”的讲解，这本书更侧重于“为什么会这样”以及“如何运用”。它构建了一个坚实的理论地基，使得未来学习更复杂的二十世纪复调技巧或者爵士和声时，都不会感到无所适从。这是一本真正能够沉淀下来，成为你音乐知识体系核心支撑的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计给我一种非常古典和严肃的感觉，那种厚重的纸张和略带泛黄的字体选择，仿佛能让人立刻沉浸到音乐的殿堂之中。我特别喜欢它那种扎实、不花哨的风格，一看就知道是那种沉下心来钻研理论的教材。初翻开目录时，那些熟悉的和声学、对位法的基础概念扑面而来，让人感到既亲切又充满挑战。我记得我之前尝试过几本市面上很流行的“速成”教程，结果总是不得要领，感觉只是学了一些皮毛。而这本书，从排版到内容组织，都透露着一股“慢工出细活”的匠人精神。它没有试图用花哨的图表或过于现代的例子来吸引眼球，而是非常忠实于音乐逻辑本身的构建。这对我这样一个追求系统性知识构建的人来说，简直是福音。我尤其关注了它关于“声部独立性”和“织体平衡”的处理，感觉作者在这些看似枯燥的规则背后，蕴含了对音乐美学深刻的理解。阅读过程中，我时常会停下来，拿起我的键盘或者乐谱，对照着书中的例子反复推敲，那种豁然开朗的感觉，是其他任何快餐式学习材料都无法给予的。这本书更像是一位严谨的老师，时刻提醒你，音乐的深度源于对基础的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和字体选择也体现了出版方对知识的尊重。内页的纸张选择非常适中，不会反光到让人头晕，也不会因为太薄而显得廉价。更重要的是，乐谱的排版简直是一流的。在处理四声部或五声部的对位练习时，清晰的声部标记（比如用不同的粗细或字体来区分主导声部和跟随声部）至关重要。这本书在这方面做得非常出色，即使在最密集的对位段落，我依然能迅速、准确地追踪到每一条声部的走向，这极大地减少了阅读和分析乐谱时的认知负荷。很多理论书在乐谱呈现上极其敷衍，导致学习者光是辨认声部就耗费了大量精力。而这本书则像一位耐心的乐谱编辑，确保你的注意力完全集中在“声音如何进行”这个问题上，而不是“这个音符印得够不够清楚”。这种对细节的极致追求，是衡量一本优秀音乐教材的重要标准，它体现了作者和出版社对学习者的同理心。

评分☆☆☆☆☆

当我把这本书带到我的专业课上时，我发现很多同学都在翻阅它，这让我感到非常欣慰。这本书的价值不仅仅在于它理论的深度，更在于它在实践应用上的指导性。我特别留意了其中关于“解决平行五度/八度”的章节，与其他教材往往采取“一刀切”的禁止性规定不同，这本书深入探讨了这些现象在不同历史时期和不同风格作品中的处理差异。它没有将音乐创作简化为一套僵硬的规则，而是强调了“语境”的重要性。比如，它会引导你去思考，在一种追求清晰织体感的音乐语境下，为什么平行进行需要避免；而在追求宏大效果的特定段落，某些“破格”的处理又如何服务于整体的戏剧性。这种 nuanced（细致入微）的讲解，极大地拓宽了我对复调写作的理解边界。我开始明白，理论不是为了限制创造力，而是为了更好地驾驭创造力的工具。这本书教会我的，是如何在遵守基本法度的前提下，去探索声音的无限可能性，而不是仅仅满足于交出“合格”的作业。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，用我的话说，简直是教科书的典范——清晰、精确，但绝不乏味。很多音乐理论书读起来就像在啃干巴巴的数学公式，让人昏昏欲睡，但这本书的叙述方式却有一种内在的节奏感。它总能在一个看似复杂的概念之后，恰到好处地穿插一些精妙的乐例进行佐证，而不是简单地堆砌术语。我记得有一段讲到巴赫赋格曲中主题的呈示和扩展时，作者用了一种比喻，将声部的进入比作“河流的分叉与汇聚”，这个描述瞬间就让原本抽象的对位技巧变得生动起来，我一下子就明白了那种多线条交织的美妙。而且，这本书的编排非常注重循序渐进，它不会把太难的概念一下子抛给你，而是像搭积木一样，用你已经掌握的知识作为基石，去构建更高阶的结构。这种严密的逻辑链条，让我感觉学习过程非常踏实，每掌握一个知识点，都有一个清晰的“成就感”定位。对于非科班出身、但对复调音乐充满热情的自学者来说，这种娓娓道来的教学方式，比那种冷冰冰的定义集合要有效率高出百倍。