苏联学校音乐教育卡巴列夫斯基上海教育出版社考研正版全新9787544430647 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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魏煌，侯锦虹 著

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出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544430647

商品编码：29859862309

页数：211

图书基本信息
书名：	苏联学校音乐教育:卡巴列夫斯基音乐教育体系儿童音乐学校
丛书名：	学校艺术教育研究丛书
出版社：	上海教育出版社
ISBN号：	9787544430647
出版年份：	2011年1月1日

版次：	第1版
总页数：	211页
开本：	1/16
图书定价：	30元
实际重量：	399g
新旧程度：	正版全新

《苏联学校音乐教育:卡巴列夫斯基音乐教育体系·儿童音乐学校(新版)》：全国教育科学“八五”规划重点项目“学校美育理论与实践研究”成果

编章 苏联音乐教育理论基础节 苏联党和国家对文化教育事业的领导第二节 苏联音乐教育学概况一、苏联音乐教育学的研究对象二、苏联音乐教育学的研究范围和分类三、苏联音乐教育学的任务和作用四、苏联音乐教育学的研究与学习方、法第三节 音乐艺术在苏联美育和思想道德教育中的作用第四节 苏联音乐教育的改革第二章 苏联音乐教育体系节 概述第二节 大众音乐教育一、学前音乐教育二、学校音乐教育第三节 校外音乐教育第四节 音乐教育一、教育目的及特点二、三级音乐教育体系?0?2第二编第三章 卡巴列夫斯基与《苏联普通学校音乐教学大纲》节 卡巴列夫斯基生平及概况第二节 《苏联普通学校音乐教学大纲》的指导思想、特点和方法一、注重美育和思想品德方面的教育，培养完善的人格二、“三个支柱”，《苏联普通学校音乐教学大纲》的突出特点三、用音乐吸引孩子，创造愉快的教学氛围四、注重利用音乐本身的规律和特点来教育孩子们五、按照专题编排大纲，注重教学内容的相对独立和内在的连续性六、坚持循序渐进的教学原则，注重教师的键盘演奏能力第四章 苏联普通学校音乐教学大纲(摘录)节 前言第二节 一至三年级教学说明一、一年级教学说明二、二年级教学说明三、三年级教学说明第三节 五至八年级教学说明一、五年级教学说明二、六年级教学说明三、七年级教学说明四、八年级教学说明附：苏联普通学校音乐教学大纲选编(一年级)?0?2第三编第五章 苏联儿童音乐学校教学内容节 儿童音乐学校的目的与任务第二节 儿童音乐学校的教学计划及教学大纲一、教学计划：二、教学大纲：附一：苏联儿童音乐学校四年级音乐文献教材目录附二：儿童音乐学校钢琴教学大纲(一年级)第六章 儿童音乐学校的组织形式、教学手段及方法节 儿童音乐学校的组织形式与授课形式一、儿童音乐学校的组织形式二、儿童音乐学校的几种授课形式三、考试(或考查)形式第二节 儿童音乐学校的主要教学方法一、讲授法二、直观性教学法三、实践法第三节 儿童音乐学校的教学手段一、音乐教材二、音乐文献三、申仲赫学第七章 苏联儿童音乐学校管理的基本原则和方法节 学校机构一、分校和预备班二、入学第二节 教育教学过程的组织第三节 学校领导中的一长制和集体领导的结合第八章 儿童音乐学校与普通学校的联系节 儿童音乐学校与普通学校教学的协调第二节 学生周作息制度的组织第三节 家庭音乐教育第四节 儿童音乐学校的课外音乐活动第九章 儿童音乐学校教师节 作为一门职业的音乐教育第二节 音乐教师的职责和作用一、音乐教师的职责二、音乐教师的作用第三节 音乐教师的素质一、对音乐教师的要求二、音乐教师的教育才能附一：苏联小学四年级音乐课设计方案附二：苏联普通学校七年级音乐课授课内容摘编参考文献

《苏联学校音乐教育:卡巴列夫斯基音乐教育体系·儿童音乐学校(新版)》是音乐教育学课程体系的重要组成部分，为艺术类教育课程的必修类教材，此次为原书的新修订版。该套教育书已成为艺术教育学习的经典而长销不衰。魏煌、侯锦虹编著的《苏联学校音乐教育——卡巴列夫斯基音乐教育体系儿童音乐学校(新版)》为其中一册，以儿童音乐学校和卡巴列夫斯基的研究为中心而展开对苏联整个学校音乐教育的概况式的描述，并以三个比较独立的内容分为三编。

音乐的史诗：二十世纪管弦乐发展新论 作者： [虚构人名，例如：亚历山大·彼得罗夫] 出版社： [虚构出版社，例如：人文艺术学社] ISBN： [虚构ISBN，例如：978-1-5678-9012-3] --- 内容简介 本书深入探讨了二十世纪以来管弦乐队音乐在形式、技术与哲学内涵上所经历的深刻变革。它并非简单地梳理作曲家的生平与作品年表，而是试图构建一个宏大的叙事框架，解析技术革新、社会思潮与艺术理念是如何相互作用，共同塑造了我们今天所听到的管弦乐图景。 第一部分：世纪之交的余晖与裂痕（1900-1930） 本部分聚焦于浪漫主义晚期巨匠们的“最后一次辉煌”以及随之而来的结构性危机。《世纪之交的余晖与裂痕》首先分析了马勒与理查·施特劳斯晚期作品中，对传统交响曲体裁的极致拉伸与解构倾向。作者认为，随着调性体系的瓦解和表现主义情绪的渗透，传统“叙事性”管弦乐语汇已达极限。 随后，章节转向德彪西与拉威尔在色彩和声学上的革命性探索。重点剖析了印象主义对配器技巧的颠覆——乐器不再是单纯的旋律或和声载体，而是成为“音色粒子”的集合体。通过对《牧神午后前奏曲》和《波莱罗》的细致考察，我们看到作曲家如何通过对乐器高低音域的精妙切割，创造出流动、非中心化的听觉体验。 在东欧，斯特拉文斯基的早期“原始主义”为管弦乐注入了新的节奏动力。《春之祭》中的多重节拍、强烈的非对称性，以及对传统管弦乐团声部逻辑的彻底颠覆，标志着管弦乐重心从“和声叙事”彻底转向“节奏结构”。本部分还探讨了勋伯格的十二音技法在管弦乐中的早期实验，分析了其如何试图用数学的严谨性来取代传统调性的主导地位，及其在首批管弦乐作品中面临的实践挑战。 第二部分：功能性与非功能性的张力（1930-1950） 这一时期，政治气候对艺术创作产生了显著影响，但艺术内部的革新并未停滞。本部分深入剖析了在不同意识形态背景下，管弦乐配器和织体所扮演的角色。 一方面，我们探讨了如肖斯塔科维奇等作曲家，如何在既定的创作框架内，通过对传统俄罗斯交响乐传统的继承与反叛，创造出具有深刻社会隐喻的管弦乐史诗。重点分析了其对铜管组和打击乐的“战术性”使用，以烘托宏大叙事或表达内心挣扎。 另一方面，西欧的作曲家，如巴托克和普罗科菲耶夫，则在民族主义与新古典主义之间寻求平衡。巴托克的匈牙利民间音乐元素如何被精炼并融入到他严谨的对位结构中，创造出既具有原始力量又具备高度智性化的管弦乐织体，是本章的重点讨论对象。作者特别关注了他们对中提琴、低音提琴声部的强化，以增加中低频的厚重感。 第三部分：序列主义与音色景观的拓荒（1950-1970） 战后的音乐界迎来了激进的变革。序列主义（Serialism）从对音高的控制扩展到了对所有音乐元素——时长、力度、音色——的全面序列化处理。《音色景观的拓荒》详细梳理了布列瑟斯（Pierre Boulez）和施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）的工作。 本书首次将“微观结构分析”应用于序列管弦乐作品。分析表明，这些作品的本质不再是旋律的展开，而是宏观上的“音色矩阵”的构建。例如，通过对特定乐器组的“点描式”处理，作曲家成功地将乐团切割成了无数独立的、具有特定数值参数的音响模块。我们详细解析了串流配器（Klangfarbenmelodie的极端化）如何被应用于构建瞬态的、非重复性的音响场域。 此外，本部分也探讨了“偶然音乐”（Indeterminacy）对传统管弦乐团角色的冲击。约翰·凯奇的作品如何通过引入不确定性，迫使乐团和指挥从“执行者”转变为“现场声音事件的引导者”，这对于传统的管弦乐编制和演奏观念构成了根本性的挑战。 第四部分：空间、噪音与电子融合（1970至今） 进入后现代阶段，管弦乐的边界被彻底打破。本部分关注的焦点在于“空间化”和“非传统音源”的整合。 克热诺斯（Iannis Xenakis）的工作被视为连接结构主义与声音物理学的桥梁。作者详细介绍了随机音乐理论如何指导管弦乐的配器选择，特别是如何利用大量的、细微变化的声音簇（Clouds）来模拟自然界的物理现象，如粒子碰撞或建筑结构共振。 同时，本书也系统地梳理了电子音乐技术（如磁带、采样、实时电子处理）如何被整合进传统的管弦乐队编制中。这并非简单的“加法”，而是对传统管弦乐的“渗透”与“共生”。分析了如布鲁克纳的管弦乐作品如何被重新“激活”，通过电子反馈系统获得前所未有的动态范围和音质纹理。 最后，本书展望了当代管弦乐的趋势，包括对“极简主义”节奏模式的回归，以及新兴的“新浪漫主义”思潮对强烈情感表达的重新探索。作者总结道，二十世纪管弦乐的发展史，就是一部不断突破工具（乐器、技巧）限制，并试图用声音来表达人类在复杂现代性中的精神困境的史诗。本书旨在为研究者提供一个全面、深刻且富于批判性的分析视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到振聋发聩的，是它不动声色地揭示了“普及化”背后的复杂代价。在苏联的教育理想中，每一个孩子都应该接受高质量的音乐教育，这是极具乌托邦色彩的目标。书中记录了为实现这一目标所投入的巨大资源——从师资培养到教材印制，规模之宏大令人咋舌。然而，作者也毫不留情地指出了，在追求绝对的“统一标准”和“政治正确性”的过程中，如何牺牲了地方特色、民族音乐的独立发展，以及对音乐前沿探索的宽容度。这让我反思，在追求教育公平和国家认同的过程中，我们是否也在无意中设定了过多的“上限”和“禁区”。书中的案例展示了一个高效运转但同时也极度僵硬的系统，它能批量生产出具备基础乐理知识的公民，却可能难以培养出真正具有批判性思维和创新精神的艺术家。阅读完毕后，我久久无法平静，思考着教育体系的“效率”与“生命力”之间，那条微妙而难以把握的平衡线究竟在哪里。这本书不是教科书，它更像是一面镜子，映照出所有国家在试图用教育塑造未来的宏伟计划中，所必须面对的内在悖论。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在处理“‘卡巴列夫斯基’的个体贡献与‘苏联教育体系’的集体塑造”之间的关系时，采取了一种非常巧妙的视角。作者没有将卡巴列夫斯基塑造成一个孤立的教育天才，而是将其视为体制内最成功、影响力最大的“执行者”和“调和者”。书中花了大量篇幅分析他的作品如何被选择、改编，以及如何被纳入统一的教学法框架内，使其既能满足政治要求，又能保持一定的音乐趣味性。这种深入到“教学实践层面”的考察，远比泛泛而谈宏大理论要来得更有价值。我尤其对其中关于教材修订历史的比较研究留下了深刻印象。不同年代的课本，在选曲、文字描述乃至插画风格上的差异，清晰地折射出权力核心对教育内容控制的松紧变化。这是一种“无声的政治史”，通过音乐教育这个介质展现出来。对于任何一位研究教育史、音乐史，乃至冷战时期文化史的学者来说，这本书都构成了一个不可绕过的基石性文本。它的厚重感，恰恰来自于对细节和历史语境的深度挖掘，让人觉得手中的每一页都凝聚着时间的重量。

评分☆☆☆☆☆

这本关于苏联学校音乐教育的著作，初读时便被其宏大的历史视角和细腻的个案剖析所吸引。作者似乎并不满足于仅仅罗列教育政策的演变，而是深入挖掘了在特定历史背景下，音乐教育如何成为塑造国民精神和意识形态的重要工具。我印象最深的是其中对于“集体主义”在音乐教学中体现的论述。书中详尽描述了合唱训练、集体演奏在苏联课堂中的核心地位，以及如何通过这些实践，潜移默化地培养出高度统一的集体荣誉感。这种教育模式，在今天看来或许有些僵化，但在当时无疑具有极强的社会动员力和凝聚力。更让我感到震撼的是，作者没有回避其负面效应，比如对个体创造力的潜在压抑，以及在美学标准上的一元化倾向。书中引用的那些早期苏联音乐教材片段和教学大纲，仿佛打开了一扇尘封的窗户，让我得以一窥那个时代艺术与政治交织的复杂图景。无论是对音乐教师的培训要求，还是对不同音乐流派的筛选标准，都展现出一种精心设计过的系统性。可以说，这本书不仅是音乐教育史的梳理，更是一部深刻的社会文化分析报告，它迫使我们重新审视“普及”与“精英化”、“意识形态”与“艺术本质”之间的永恒张力。阅读过程如同经历了一场穿越时空的田野调查，充满了发现的乐趣和历史的沉重感。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书的后半部分，我不得不承认，它提供的洞察力远远超出了我最初对“教材解读”的预期。我原本以为会看到更多关于作曲家如卡巴列夫斯基个人创作与教学思想的纯粹探讨，但作者巧妙地将他的贡献置于整个教育体制的宏大叙事之中。书中对20世纪中期苏联音乐课程改革的细致梳理尤其精彩，特别是关于如何平衡世界经典曲目与本土苏维埃创作的策略。这其中蕴含的权衡和妥协，对于理解任何一个国家在推广特定文化价值观时所采取的教育路径，都具有极强的借鉴意义。我特别关注了其中关于“音乐素养”定义的演变。从早期的强调识谱和视唱练耳的硬技能，到后来逐渐融入更多情感体验和爱国主义教育的比重，这种微妙的重心转移，揭示了教育目标本身的波动性。书中穿插的几位老教师的回忆录片段，虽然零散，却为冰冷的制度描述增添了人情味和烟火气。那些关于如何在严苛的考核压力下，依然努力激发孩子们对旋律本身热爱的细节，让人动容。这本书的价值在于，它没有给出一个简单的“好”或“坏”的结论，而是提供了一套精密的分析工具，让我们能够批判性地看待任何一种由国家主导的、旨在培养未来公民的教育实践。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，坦率地说，并没有太多现代学术著作的精美感，但内容上的扎实程度足以弥补这一点。它更像是一份年代久远的、经过反复打磨的档案汇编。我最欣赏它在引用俄语原版文献时所展现出的严谨态度，那些脚注和参考文献列表的庞大，本身就说明了作者耗费的心力。特别是在讨论美育与政治的交汇点时，作者展现了令人惊叹的平衡感。例如，在分析特定时期的“社会主义现实主义”在音乐教育中的体现时，既清晰指出了其思想局限性，又客观评价了它在提升基础音乐技能普及度方面的历史功绩。这并非是为过去的某种做法辩护，而是一种学术上的审慎，即理解特定环境下的最优解。书中关于小学音乐教育与专业音乐院校教育之间的衔接链条的描述，也让我对苏联教育体系的连贯性有了更直观的认识。从小学音乐课本的设计逻辑，到中央音乐学院的入学标准，形成了一个相对闭合但逻辑自洽的系统。这种系统性思考，对于当前我们反思自身音乐教育体系的断层和碎片化问题，提供了极具启发性的参照系。