音乐美学基础冯长春南京师范大学出版社正版教材9787811015973 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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冯长春 著

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• 音乐美学
• 美学
• 音乐
• 教材
• 冯长春
• 南京师范大学出版社
• 高等教育
• 艺术理论
• 音乐理论
• 9787811015973

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 南京师范大学出版社

ISBN：9787811015973

商品编码：29859862212

页数：311

图书基本信息
书名：	音乐美学基础
丛书名：	全国普通高等院校音乐系列教材
作者/主编：	冯长春
出版社：	南京师范大学出版社
ISBN号：	9787811015973
出版年份：	2008年1月

版次：	第1版
总页数：	311页
开本：	1/16
图书定价：	35.00元
实际重量：	460 g
新旧程度：	正版全新

《全国普通高等院校音乐系列教材?音乐美学基础》不仅能够增加学生对音乐美学理论的深入认识，而且对推进音乐美学学科进程也有着重要的意义。 

序言绪论 音乐美学概述第*章 音乐观念与音乐存在方式第*节 音乐观念的基本含义第二节 音乐观念的形成第三节 音乐存在方式 第二章 音乐语言与音乐形式第*节 声音的三种类型：日常音、语音与音乐音第二节 音乐语言的基本要素及其特点第三节 音乐的形式 第三章 音乐内容与音乐表现第*节 音乐内容的基本结构第二节 音乐表现第三节 音乐和标题音乐 第四章 音乐创作与音乐立美第*节 音乐创作的本质第二节 音乐创作的规律第三节 音乐立美与音乐创作 第五章 音乐表演与音乐-行为第*节 音乐表演活动的基本特征第二节 音乐表演者的任务第三节 音乐表演的审美评价标准第四节 音乐-行为 第六章 音乐欣赏与音乐批评第*节 音乐欣赏第二节 音乐批评 第七章 音乐功能与音乐价值第*节 音乐的功能第二节 音乐的价值第三节 音乐功能与价值的类别第四节 音乐功能与音乐价值的历史性和传承性 第八章 音乐审美与音乐美育第*节 音乐审美在音乐实践中的意义第二节 音乐审美的本质与特征第三节 音乐美育 第九章 中国音乐美学思想简述第*节 先秦诸子音乐美学思想第二节 儒家音乐美学思想的发展轨迹第三节 道家音乐美学思想的发展轨迹第四节 佛教音乐美学思想及儒道佛三教合一第五节 以李贽为代表的“主情思潮”及其影响第六节 20世纪中国音乐美学第七节 中国音乐美学思想的总体特征 第十章 西方音乐美学思想简述第*节 古希腊时期第二节 中世纪时期第三节 文艺复兴时期第四节 巴洛克时期第五节 启蒙运动与古典主义时期第六节 浪漫主义时期第七节 20世纪的西方音乐美学思想结语附录 音乐美学进阶必读书目后记

《音乐美学基础》来自全国不同院校的九位作者，结合各自的教学科研实践，对音乐美学基础理论做出了一系列新的表述。书中所介绍与论述的音乐美学基本原理，基本涵盖了音乐本体、音乐实践等为根本的重要原理性问题，同时，还专辟两章对中西音乐美学的沿革加以梳理与介绍。《音乐美学基础》还通过问题进行叙述，凸显问题意识，并提出了相应的关系范畴，像观念与存在方式、语言与形式、内容与表现、创作与立美、表演与行为、欣赏与批评、功能与价值、审美与美育等。 

好的，这是一本关于西方艺术史的宏大叙事的图书简介，它将带你穿越古希腊的雕塑辉煌，抵达现代主义的先锋浪潮。 --- 尘世之光与永恒回响：一部西方艺术史的深度巡礼 本书并非仅是一本“入门读物”，而是一部精心构建的史诗，旨在揭示西方艺术自诞生之初，如何与人类的信仰、权力结构、社会变迁乃至技术革新进行深刻的对话。 它提供了一个多维度的观察框架，将艺术作品置于其诞生的历史语境之中，探讨“美”与“真理”在不同时代背景下的嬗变。 第一卷：古典的回响——秩序、神性与理想的人性（约公元前5世纪 – 公元4世纪） 本卷聚焦于艺术的源头——古希腊与古罗马。我们不再满足于对“黄金分割”的简单赞美，而是深入剖析雅典民主的兴盛如何催生了对理想人体的极致追求。从帕特农神庙的建筑比例中，我们解读城邦公民精神的投射；从波留克列特斯的《荷枪者》到米隆的《掷铁饼者》，探讨“沉思中的动感”如何成为西方雕塑的永恒母题。 进入罗马时代，叙事转向实用性与宏伟叙事。我们将详细考察罗马工程学的奇迹，如万神殿穹顶的结构秘密，以及纪念性建筑（如提图斯凯旋门）如何成为国家权力与军事胜利的视觉宣传工具。艺术不再仅仅是追求纯粹的和谐，更承载了对帝国法律和秩序的维护。 第二卷：信仰的疆域——中世纪的符号与精神景观（约5世纪 – 14世纪） 当古典帝国崩塌，西方艺术进入了以基督教为绝对核心的时代。本卷将剖析“光线即是神性”的审美观如何主导了拜占庭马赛克与罗马式教堂的厚重结构。我们详细解读哥特式大教堂——如沙特尔或兰斯——如何通过高耸的尖拱、飞扶壁和绚烂的“玫瑰窗”，将信徒的目光和灵魂向上引导，构建出一个垂直的、等级森严的“天堂缩影”。 尤其值得注意的是，本卷深入探讨了手抄本插画和教义剧场布景，它们是那个时代“大众媒介”的雏形。艺术的任务不是模仿自然，而是清晰地、象征性地传达教义，每一个色彩、每一个手势都具有明确的神学指代。 第三卷：觉醒的个体与重塑的世界——文艺复兴的科学与人文（约14世纪 – 16世纪） 文艺复兴是人类对自身价值的重新发现。本书将焦点置于佛罗伦萨与罗马的知识精英阶层。我们不仅回顾达·芬奇的素描练习和解剖学研究，更着重分析“透视法”的发明对世界观的革命性影响——它将二维平面转化为一个由数学和理性主导的、可测量的三维空间。 米开朗基罗的西斯廷天顶画不再是简单的宗教故事，而是对普罗米修斯式人类潜能的颂歌。我们对比早期文艺复兴的精致与盛期文艺复兴的宏大，探讨人文主义思想如何巧妙地与宗教母题共存，创造出“神人同形同性”的理想化美学典范。威尼斯画派对光影与色彩的突破，也预示着巴洛克时代的来临。 第四卷：戏剧性与理性之光——巴洛克、洛可可与启蒙（约17世纪 – 18世纪） 巴洛克时期是视觉艺术的“情感高潮”。本书分析了卡拉瓦乔的“明暗对比法”如何将圣徒置于普通民众的现实场景中，制造出强烈的心理冲击。我们考察贝尼尼雕塑中“被冻结的瞬间”的戏剧张力，以及它如何为反宗教改革服务。 随后，视线转向18世纪的洛可可——一种对巴洛克宏大叙事的“精致的逃逸”。它关注宫廷的私密生活、爱欲的暗示与轻快的感官享受。 然而，审美转向并未停止。启蒙运动催生了对“崇高”（Sublime）的重新定义。新古典主义作为对洛可可轻浮的反动，重新举起了古典的道德旗帜，雅克-路易·大卫的作品成为了法国大革命前夜公民美德的视觉宣言。 第五卷：颠覆与重构——现代性的诞生（约19世纪） 19世纪是艺术史的“大爆炸”时期。工业革命、摄影术的出现以及城市化的进程，彻底动摇了艺术的传统职能。 浪漫主义：对理性的反叛，拥抱非理性、异国情调和自然伟力（如透纳的暴风雨）。 现实主义：库尔贝将画笔转向了泥土和工人，宣称“我画我所见”，挑战了学院派对高贵主题的垄断。 印象派：对时间和光线的瞬间捕捉，彻底解放了色彩，画布成为了视觉感受的实验室。 后印象派：从塞尚对几何结构的还原，到梵高对主观情感的色彩喷发，这些探索直接为20世纪的抽象艺术奠定了哲学基石。 第六卷：流动的边界——20世纪的艺术激进主义 本卷是关于“打破一切”的编年史。我们将系统梳理现代艺术如何从审美对象转向观念载体。从野兽派的纯粹色彩，到立体主义对多视角的几何解构，艺术开始质疑“什么是艺术”。 详细分析达达主义对逻辑的嘲弄，以及超现实主义如何深入潜意识的迷宫。毕加索、马蒂斯、康定斯基等大师的贡献，被置于两次世界大战和科技飞速发展的宏大背景下，探讨艺术如何应对意义的瓦解。 最后，本书将简要触及战后从纽约兴起的抽象表现主义，以及波普艺术对消费文化的挪用，展示西方艺术是如何从对“永恒之美”的追求，转向对“当下经验”的捕捉与批判，最终使得艺术的定义变得开放且充满张力。 全书的结构设计旨在引导读者超越对单件作品的孤立欣赏，将其视为人类文明不断演进、自我审视的连续文本。 这是一场关于观看、理解与存在状态的视觉盛宴。

评分☆☆☆☆☆

初翻目录，便能感受到作者在体系构建上的匠心独运。它并非简单地罗列概念，而是遵循着一条清晰、逻辑严密的探索引导线。从最基础的听觉感知现象切入，逐步深入到对音乐结构、形式以及情感表达机制的剖析，这种层层递进的编排方式，极大地降低了初学者的入门门槛。我尤其欣赏其中对一些经典音乐片段的引用和分析，它们不再是枯燥的理论公式，而是鲜活的案例，仿佛作者正握着我的手，耐心地把我领入那片声音的迷宫，然后一步步指出其中精妙的结构。这种“在实践中理解理论”的教学思路，远比死记硬背概念来得有效和深刻。翻阅时，我甚至能想象到课堂上老师们如何利用这些章节进行生动的讲解，每一个小节的安排都似乎预设了师生间的互动场景，充满了教育的智慧。

评分☆☆☆☆☆

从一个老乐迷的角度来看，这本书的价值在于它提供了一副新的“透镜”，让我重新审视那些我耳熟能详的作品。过去我可能仅仅停留在“好听”、“感动”这种感性的层面，但通过阅读，我开始理解这些情感背后的结构性原因和文化根源。比如，书中对调式变化和和声语言的分析，竟然能精准地解释出为什么某段旋律会让我感到“宿命的悲凉”或“瞬间的狂喜”。这就像是拿到了一个音乐的“解码器”，让那些曾经朦胧的情感体验，变得清晰、可溯源。这种从“听者”到“解读者”的转变，极大地丰富了我对音乐的整体体验，不再是盲目的接受，而是一种有意识的欣赏和参与，实在是功德无量。

评分☆☆☆☆☆

我对教材的实用性和前瞻性总是非常关注，而这本教材在这两方面都表现出色。它的理论框架非常扎实，足以支撑后续更高阶的学习，但同时，它并没有将自己局限在纯粹的古典范畴内。我注意到其中对现代音乐和跨文化音乐现象的探讨，展现了作者与时俱进的视野。这对于身处信息爆炸时代的学习者来说至关重要，因为音乐的边界早已被打破。教材没有回避那些新兴的、有时甚至有些争议性的音乐表达形式，而是用审慎的美学视角去考察它们。这表明，它不仅是传授历史的知识，更是在培养读者用批判性思维去评估未来音乐发展的能力，这种开放而包容的态度，才是真正的高水平学术教材所应具备的品质。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格极其凝练，却又饱含哲思，绝非那种堆砌术语的学院派教条。它有一种独特的韵律感，仿佛在阐述美学原理时，也自觉地模仿了音乐自身的节奏和张力。阅读过程中，我时常需要放慢速度，不是因为内容晦涩，而是因为某些句子蕴含的信息量太大，需要时间去消化、去反复咀嚼其中的精妙之处。例如，在探讨“时间性”与“空间性”在音乐中的交织时，作者用了一种近乎诗歌般的语言来描绘那种无形之物的具象化过程，让人在智性上得到满足的同时，心灵也受到了一次微妙的触动。这种学术的严谨与人文的温情完美融合的笔调，让我感觉自己不是在阅读一本教科书，而是在与一位深刻的智者进行一场长谈，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是充满了古典与现代交织的美感，那种沉稳的墨绿色调，配上烫金的书名和作者信息，立刻就给人一种庄重而专业的印象。我刚拿到手的时候，忍不住反复摩挲了好几次，感觉就像捧着一件艺术品。虽然我还没完全深入内容，但光是这份对视觉的尊重，就让我对内容的深度充满了期待。装帧的质量也是一流的，纸张的厚度和触感都非常棒，阅读起来眼睛一点都不累，这对于需要长时间研读的教材来说，简直是太重要了。而且，出版社的用心还体现在细节上，比如页码清晰的排布和合理的留白处理，都让整体的阅读体验提升了一个档次。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件值得珍藏的学术工具。我特别喜欢那种书脊在书架上摆放时的视觉效果，低调却又不失格调，让人一眼就能识别出它的专业性。这无疑是为那些真正热爱音乐、致力于深入探究其本质的读者准备的精品。