正版實用復調音樂基礎教程馮鄂生西南師範大學齣版社9787562145745 ? pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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馮鄂生 著

圖書標籤:

• 復調音樂
• 音樂基礎
• 和聲
• 樂理
• 音樂教材
• 高等教育
• 馮鄂生
• 西南師範大學齣版社
• 音樂教學
• 實用教程

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齣版社： 重慶西南師範大學齣版社

ISBN：9787562145745

商品編碼：29859860364

頁數：96

圖書基本信息
書名：	實用復調音樂基礎教程
叢書名：	21世紀高等院校音樂教材
作者/主編：	馮鄂生
齣版社：	西南師範大學齣版社
ISBN號：	9787562145745
齣版年份：	2009年

版次：	第1版
總頁數：	96頁
開本：	1/16
圖書定價：	12.00元
實際重量：	159g
新舊程度：	正版全新

 本書係21世紀高等院校音樂教材之一。復調音樂課是高師本科的必修課，在教學計劃中，它一般隻開設一個學期。本教材目錄中所選擇的內容，便是復調音樂寫作技術中基礎的部分。同時，考慮到高師學生今後工作之需，又加入瞭復調音樂的應用部分。在教材各章節都有作業要求，教師可根據實際，適當增加一些作業，以提高學生的寫作能力。 

緒論一、復調音樂二、復調音樂的類型三、復調音樂的錶現章 鏇律一、鏇律綫的運動(音高)二、鏇律的節奏三、鏇律的結構 第二章 二聲部對比復調(二聲部單對位)一、對比二聲部節奏的一音對一音的練習二、對比二聲部節奏的一音對二音的練習三、對比二聲部節奏的一音對三音、四音、延音、切分音與休止符的練習四、對比二聲部的織體與應用 第三章 二聲部復對位一、二聲部八度復對位二、二聲部十二度復對位、十度復對位三、倒影對位 第四章 二聲部模仿復調一、局部模仿、卡農式模仿二、模仿的種類三、模仿與復對位的結閤四、無終卡農五、卡農式模進 第五章 支聲復調一、支聲復調的分支二、支聲復調的匯閤三、支聲復調的聲部進行、節奏與和聲 第六章 二聲部復調小麯寫作一、二聲部閤唱組閤形式二、用支聲與依附性手法寫作的二聲部樂麯三、用對比手法寫作的二聲部樂麯四、用模仿手法寫作的二聲部樂麯五、簡述寫作鋼琴復調小麯主要參考書目

《實用復調音樂基礎教程》係21世紀高等院校音樂教材之一。復調音樂課是高師本科的必修課，在教學計劃中，它一般隻開設一個學期。本教材目錄中所選擇的內容，便是復調音樂寫作技術中基礎的部分。同時，考慮到高師學生今後工作之需，又加入瞭復調音樂的應用部分。在教材各章節都有作業要求，教師可根據實際，適當增加一些作業，以提高學生的寫作能力。 

音樂的織體與心靈的共鳴：一部探索西方音樂理論的深度之旅 書名： 音樂的織體與心靈的共鳴：西方復調音樂理論的深度解析與實踐指南（暫定） 作者： 知名音樂教育傢、作麯傢團隊 齣版社： 權威音樂學專著齣版機構 ISBN： 978-X-XXXXXX-XXX-X --- 圖書簡介 本書並非對某一特定教材的重復或替代，而是站在更廣闊的音樂學視角下，對西方復調音樂這一核心藝術形式進行一次全麵、深入且具有前瞻性的梳理與闡釋。我們旨在構建一座堅實的橋梁，連接枯燥的理論規則與鮮活的音樂實踐，引導讀者從“學習規則”的層麵躍升至“理解精神”的高度。 一、 理論的溯源與結構的剖析：超越錶象的深度挖掘 本書的首章將從音樂的“時間藝術”本質齣發，追溯復調音樂的起源。我們不會僅僅停留在中世紀奧爾加農（Organum）的簡單介紹，而是深入探討其背後的神學、社會結構及其對早期多聲部思維的影響。隨後，重點將放在文藝復興時期對位法的黃金時代——從帕萊斯特裏那（Palestrina）的嚴格對位到雅各布·奧布雷赫特（Jacob Obrecht）的精妙交織。 我們引入瞭“聲部邏輯與空間感知”這一核心概念，強調復調作品並非簡單鏇律的疊加，而是聲部之間相互獨立性與內在關聯性的動態平衡。書中將詳細分析“步態”（Pacing）與“張力點”（Tension Nodes）在不同曆史階段的演變規律，特彆是巴赫（J.S. Bach）對位法中，如何利用和聲的色彩變化來指示結構的高潮與轉摺。我們提供的分析模型，將比傳統教材更為精細化，涉及到對位綫條的“心理重力”研究。 二、 風格的流變與和聲的進化：從規範到自由的跨越 本書的第二部分聚焦於巴洛剋時期（特彆是巴赫與亨德爾）的對位技法，但我們的重點將放在“對位如何服務於戲劇性錶達”。我們將深入解析賦格麯（Fugue）的結構層次，不僅講解呈示部、展開部、再現部的標準範式，更著重探討“主題的變形潛力”——如何通過移位、反嚮、擴充等手段，在既定的框架內實現無限的創新。我們將利用現代音樂分析工具，對《平均律鍵盤麯集》中的具體範例進行聲部交織的可視化分析，幫助讀者直觀感受“聲部對話”的精妙。 進入古典主義與浪漫主義時期，本書將探討和聲的“色彩化”趨勢如何衝擊並重塑傳統的對位手法。貝多芬的晚期作品、莫紮特的室內樂中，對位是如何從主體地位退居為織體骨架的輔助手段？勃拉姆斯（Brahms）如何將嚴謹的對位邏輯融入到他那充滿抒情性的晚期風格中，實現瞭“新古典主義”的復調復興？這一部分將特彆關注“不協和音的解決機製”在不同時代審美下的差異，以及如何運用這些差異來增強音樂敘事的張力。 三、 現代復調的探索與實踐：拓展聲響的邊界 本書的後半部分，將目光投嚮20世紀及以後的復調音樂實踐。這不是對序列主義或十二音體係的簡單介紹，而是探討這些新技法在“聲部組織”上的繼承與顛覆。 我們將分析勛伯格（Schoenberg）、魏本恩（Webern）如何用數學的精確性來構建新的多聲部關係，以及這些關係如何影響聽覺體驗。對於德彪西（Debussy）和拉威爾（Ravel）的印象派和聲，我們討論的是“聲響的平麵化”——如何用平行的和弦運動和非傳統的調性中心來構建一種流動、模糊的復調美學。 更進一步，本書將引入當代音樂中的“聲場復調”概念，探討電子音樂和空間音樂如何將傳統的綫性對位擴展到三維空間維度，例如，如何利用延時（Delay）和相位（Phasing）技術來創造“電子化的對位效果”。 四、 實踐方法論：從模仿到創新的橋梁 本書的實踐章節拒絕提供僵硬的“練習題庫”，而是提供一套係統性的“分析-模擬-重構”方法論： 1. 範例的解構分析（Deconstruction）： 挑選不同時代最具代錶性的復調片段，要求讀者不僅寫齣其和聲進行，更要標齣每個聲部的獨立動機、轉調點和結構功能。 2. 限製性寫作練習（Constrained Writing）： 設定嚴格的限製條件（如：使用五度圈外的平行進行、僅用卡農原則構建中段），迫使學習者在約束下尋找創造性的齣路。 3. 風格混音實驗（Style Blending）： 嘗試用巴赫的對位法則去處理德彪西的和聲色彩，或用勛伯格的組織方式去發展莫紮特的主題動機，以測試和理解不同時代技法的兼容性與衝突點。 結語：復調——永恒的對話 本書的最終目標，是使讀者認識到，復調音樂不僅僅是一套曆史悠久的技法集閤，它更是一種關於“群體智慧”與“個體錶達”的哲學思考。掌握瞭這些織體構建的原則，讀者便能更深刻地理解所有類型的音樂——從古典交響樂到現代電影配樂，都能從中洞察其內在的邏輯脈絡與情感張力，最終實現“用心聆聽，用腦構建”的音樂境界。 --- （全書預計配有超過三百個詳盡的樂譜示例分析，涵蓋從四部和聲到復雜賦格的不同難度等級，並輔以必要的音樂工程學視角輔助理解。）

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格，用我的話說，簡直是教科書的典範——清晰、精確，但絕不乏味。很多音樂理論書讀起來就像在啃乾巴巴的數學公式，讓人昏昏欲睡，但這本書的敘述方式卻有一種內在的節奏感。它總能在一個看似復雜的概念之後，恰到好處地穿插一些精妙的樂例進行佐證，而不是簡單地堆砌術語。我記得有一段講到巴赫賦格麯中主題的呈示和擴展時，作者用瞭一種比喻，將聲部的進入比作“河流的分叉與匯聚”，這個描述瞬間就讓原本抽象的對位技巧變得生動起來，我一下子就明白瞭那種多綫條交織的美妙。而且，這本書的編排非常注重循序漸進，它不會把太難的概念一下子拋給你，而是像搭積木一樣，用你已經掌握的知識作為基石，去構建更高階的結構。這種嚴密的邏輯鏈條，讓我感覺學習過程非常踏實，每掌握一個知識點，都有一個清晰的“成就感”定位。對於非科班齣身、但對復調音樂充滿熱情的自學者來說，這種娓娓道來的教學方式，比那種冷冰冰的定義集閤要有效率高齣百倍。

評分☆☆☆☆☆

當我把這本書帶到我的專業課上時，我發現很多同學都在翻閱它，這讓我感到非常欣慰。這本書的價值不僅僅在於它理論的深度，更在於它在實踐應用上的指導性。我特彆留意瞭其中關於“解決平行五度/八度”的章節，與其他教材往往采取“一刀切”的禁止性規定不同，這本書深入探討瞭這些現象在不同曆史時期和不同風格作品中的處理差異。它沒有將音樂創作簡化為一套僵硬的規則，而是強調瞭“語境”的重要性。比如，它會引導你去思考，在一種追求清晰織體感的音樂語境下，為什麼平行進行需要避免；而在追求宏大效果的特定段落，某些“破格”的處理又如何服務於整體的戲劇性。這種 nuanced（細緻入微）的講解，極大地拓寬瞭我對復調寫作的理解邊界。我開始明白，理論不是為瞭限製創造力，而是為瞭更好地駕馭創造力的工具。這本書教會我的，是如何在遵守基本法度的前提下，去探索聲音的無限可能性，而不是僅僅滿足於交齣“閤格”的作業。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和字體選擇也體現瞭齣版方對知識的尊重。內頁的紙張選擇非常適中，不會反光到讓人頭暈，也不會因為太薄而顯得廉價。更重要的是，樂譜的排版簡直是一流的。在處理四聲部或五聲部的對位練習時，清晰的聲部標記（比如用不同的粗細或字體來區分主導聲部和跟隨聲部）至關重要。這本書在這方麵做得非常齣色，即使在最密集的對位段落，我依然能迅速、準確地追蹤到每一條聲部的走嚮，這極大地減少瞭閱讀和分析樂譜時的認知負荷。很多理論書在樂譜呈現上極其敷衍，導緻學習者光是辨認聲部就耗費瞭大量精力。而這本書則像一位耐心的樂譜編輯，確保你的注意力完全集中在“聲音如何進行”這個問題上，而不是“這個音符印得夠不夠清楚”。這種對細節的極緻追求，是衡量一本優秀音樂教材的重要標準，它體現瞭作者和齣版社對學習者的同理心。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計給我一種非常古典和嚴肅的感覺，那種厚重的紙張和略帶泛黃的字體選擇，仿佛能讓人立刻沉浸到音樂的殿堂之中。我特彆喜歡它那種紮實、不花哨的風格，一看就知道是那種沉下心來鑽研理論的教材。初翻開目錄時，那些熟悉的和聲學、對位法的基礎概念撲麵而來，讓人感到既親切又充滿挑戰。我記得我之前嘗試過幾本市麵上很流行的“速成”教程，結果總是不得要領，感覺隻是學瞭一些皮毛。而這本書，從排版到內容組織，都透露著一股“慢工齣細活”的匠人精神。它沒有試圖用花哨的圖錶或過於現代的例子來吸引眼球，而是非常忠實於音樂邏輯本身的構建。這對我這樣一個追求係統性知識構建的人來說，簡直是福音。我尤其關注瞭它關於“聲部獨立性”和“織體平衡”的處理，感覺作者在這些看似枯燥的規則背後，蘊含瞭對音樂美學深刻的理解。閱讀過程中，我時常會停下來，拿起我的鍵盤或者樂譜，對照著書中的例子反復推敲，那種豁然開朗的感覺，是其他任何快餐式學習材料都無法給予的。這本書更像是一位嚴謹的老師，時刻提醒你，音樂的深度源於對基礎的深刻理解。

評分☆☆☆☆☆

從整體感受上來說，這本書提供瞭一種非常“內嚮型”的學習體驗，它要求你坐下來，關掉外界的噪音，與音樂的內在邏輯進行一場深入的對話。它不是那種讓你快速通過考試的工具書，而更像是一部可以陪伴你多年、隨著你的音樂閱曆增長而不斷能讀齣新東西的“音樂哲學入門”。我發現，當我聽瓦格納的管弦樂或者德彪西的鋼琴作品時，這本書中關於聲部如何相互支撐、如何産生張力的原理，會不自覺地跳齣來作為分析的框架。它真正做到瞭將理論內化為一種聽覺直覺。相比那些隻停留在“是什麼”的講解，這本書更側重於“為什麼會這樣”以及“如何運用”。它構建瞭一個堅實的理論地基，使得未來學習更復雜的二十世紀復調技巧或者爵士和聲時，都不會感到無所適從。這是一本真正能夠沉澱下來，成為你音樂知識體係核心支撐的經典之作。