音乐技法综合分析教程作曲技术理论综合课程姚恒璐高等教育出版社9787040253566 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姚恒璐 著

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040253566

商品编码：29859865104

出版时间：2009-02-28

图书基本信息
书名：	音乐技法综合分析教程--作曲技术理论综合课程（附光盘）
丛书名：	普通高等教育“十一五”规划教材
作者/主编：	姚恒璐
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040253566
出版年份：	2009年

版次：	第1版
总页数：	561页
开本：	1/16
图书定价：	58.00元
实际重量：	1.3kg
新旧程度：	正版全新

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《音乐技法综合分析教程——作曲技术理论综合课程()》依照音乐历史中音乐风格发展的脉络进行技法归类，联系到风格与技法之间的密切关系。力求使学习者能够从音乐的谱面到听觉，去识别和记忆音乐作品中具有代表性的不同音乐风格和写作技法。本教材的写作特点是遵循技术理论相互之间互为依存的关系而设置的：单一节奏和旋律、双重线条（复调）、三声部以上的声部运动（和声）、音乐的结构规律、配器知识、近现代音乐风格等方面层层剥离，逐渐明朗。《音乐技法综合分析教程——作曲技术理论综合课程()》同传统技术理论教材相区别的是，改变了许多讲授方式、顺序，这是为了突出重点、加强学习的目的性，力争做到既节约了授课时间又加深了难点重点的学习。所以，教师应当首先领会课程内容安排的实际意义和授课方式目的所在。 作者简介姚恒璐，音乐学院作曲系教授、博士生导师。于英国利兹大学攻读学位，连续四年获英国政府奖学金，1990。年获得该院作曲音乐硕士学位、1994年获得该院作曲位哲学博士学位。1995年8月任教于音乐学院作曲系，开设“作曲”、“20世纪作曲技法分析”课并继续从事音乐创作和理论研究。 主要音乐作品有室内乐《七重奏》、交响曲《升华》（七乐章）、管弦乐《虹》、大提琴与钢琴《阳关三叠》、《追忆》（为大提琴与7位演奏者而作）、六重奏《山曲》、弹拔乐合奏《一枝花》、钢琴组曲《琴韵拾遗》、双钢琴《双磬》等50余首（部）。

 章 音乐作品的材料与结构

节 旋律、节奏的概念及意义一、旋律的概念及基本特征二、节奏的作用第二节 三种思维——音高组织的形成规律一、音阶思维二、音程思维三、音列思维第三节 音乐作品的材料及其变形思维一、主题的意义二、主题材料的基本展开手法第四节 音乐结构分析的基础知识一、曲式结构分析的构成原则二、音乐作品小的陈述单位——部曲式 第二章 音乐作品中的横向线形分析节 二声部对比复调的规范与要点一、纵向和声音程的运用二、对比的技术要素三、二声部复对位对比复调之一四、二声部复对位对比复调之二第二节 二声部模仿复调的规范与要点一、局部模仿、卡农式模仿、严格模仿二、变化模仿三、二声部复对位模仿复调形式第三节 三声部的复调形式一、三声部对比复凋二、三声部模仿复调 第三章 音乐作品中的纵向和声分析节 和弦及四部和声的基本规则一、三和弦二、七和弦以及其他高叠和弦三、大、小调式中的和弦及其和弦功能四、关于四部和声五、和弦的连接法六、和弦连接中应避免的“不良进行”第二节 原位正三和弦的和声配置与和弦外音一、分析旋律二、选配和弦三、完成低音四、填写内声部五、和弦外音第三节 音乐织体一、音乐织体的构成及形态特征二、和声层常见的织体形态三、关于低音声部第四节 和声语汇一、和声基本语汇二、终止语汇三、属七和弦的应用四、经过四六和弦与辅助四六和弦五、副三和弦对基本语汇的扩充六、和声语汇与音乐结构的关系 第四章 音乐作品中的三部性结构原则节 再现——三部性的结构模式及相关曲式一、再现——三部性结构的重要意义二、单三部曲式三、复三部曲式四、单二部曲式第二节 回旋曲式一、基本概念二、实例分析三、回旋曲式的分析要点四、回旋曲式、复三部曲式的辨异 第五章 乐器的基本知识与性能节 弦乐器一、弦乐器的记谱、定弦与音域二、各弦音色及力度特性三、弦乐器的演奏技术第二节 木管乐器一、木管乐器的记谱、音域、各音区音色及力度特性二、木管乐器的演奏技术第三节 铜管乐器一、铜管乐器的记谱、音域、各音区音色及力度特性二、铜管乐器的演奏技术第四节 打击乐器一、有固定音高的打击乐器二、无固定音高的打击乐器第五节 拨弦乐器及键盘乐器一、竖琴二、钢琴三、钢片琴 第六章 线性写作的应用节 认识复调的体裁一、卡农曲与创意曲二、赋格之——一赋格的主题及呈示部三、赋格之二——赋格的中部、再现部及整体结构分析第二节 线性写作在音乐创作中的作用、意义一、复调音乐刻画音乐形象的作用二、复调音乐对音乐展开的意义 第七章 音乐作品中的调性关系节 离调一、概述二、副属和弦三、副下属和弦第二节 转调一、离调、转调、移调、换调二、调性关系三、共同和弦转调方法及分析第三节 完整作品的调性布局一、单一部曲式的调性布局二、单二部曲式的调性布局三、单三部曲式的调性布局四、其他单曲式的调性布局五、回旋曲式的调性布局六、变奏曲式的调性布局七、复三部曲式的调性布局八、奏鸣曲式的调性布局九、附属结构的调性问题 第八章 音乐作品中的中、大型曲式结构节 变奏曲式一、基本概念二、变奏曲式的种类三、变奏曲式的分析要点第二节 奏鸣曲式及其变体一、基本概念二、奏鸣曲式的各个部分三、奏鸣曲式的变体四、回旋奏鸣曲式五、复三部曲式、回旋曲式、奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式的辨异第三节 套曲结构一、基本概念二、器乐套曲三、声乐套曲 第九章 总谱的构成与分析方法节 管弦乐队的组织形式与总谱排列方式一、管弦乐队中乐器的分类二、管弦乐队的编制三、管弦乐队的舞台排列位置及总谱排列格式第二节 钢琴谱与总谱的关系以及移调乐器一、钢琴谱与室内乐、管弦乐总谱的关系二、管弦乐总谱中移调乐器与多种谱号的阅读第三节 总谱中的多声部织体一、主调音乐织体二、主调音乐织体中的音型化因素三、复调音乐织体第四节 各种乐器组合的配器分析一、弦乐器的配器分析二、木管乐器与弦乐器结合的配器分析三、多乐器组结合的配器分析 第十章 近现代音乐作品的认知节 音高体系的变革——三种音高思维的观念一、音阶思维二、音列思维三、音程思维第二节 调性形态的多样性一、双调性与多调性二、泛调性第三节 非调性的音乐作品一、十二音序列二、音级集合三、自由无调性 第十一章 综合分析的方法与实践节 小型作品的分析第二节 中、大型钢琴作品的分析第三节 室内乐与乐队作品总谱的分析一、室内乐编制的作品分析二、管弦乐队的作品分析后记

《音乐技法综合分析教程——作曲技术理论综合课程》为普通高等教育“十一五”规划教材，属于普通高等院校音乐中作曲技术理论的基础必修课。它针对音乐教育、音乐表演、音乐史美论等的特性，采用综合分析课取代原来作曲技术理论四大件的教学，将作曲技术理论的各类课程内容融入到对具体音乐作品的分析当中。本课程以音乐作品的技法现象为依据、以作品的风格发展为线索，选取各种风格技法方面的典型作品，力求做到所接触的作品技法、风格涵盖面宽，达到拓宽其艺术视野的目的。“音乐技法”是指构成音乐作品的各种要素及其相应的作曲技术理论，“综合分析”是指学习音乐作品时所应采用的分析观念。教材采用局部写作、以分析为主的教学方式，更加贴近于一般普修音乐的学习者认识音乐作品的接受心理和认识途径。此教材的独特之处在于“综合”二字，将以往作曲技术课程的“四大件”在音乐技法方面综合；分析方法的综合，不仅分析作品的旋律、和声、曲式，更要分析音乐作品展开的逻辑与整体结构的关系。综合分析能力的培养是建立在分学科的基础上，没有各个学科的扎实基础，就谈不到融会贯通。《音乐技法综合分析教程——作曲技术理论综合课程》依据学习的目的，将教学的内容、排序重新设计，打破各个学科门类互不交融的教学模式，明确加强、舍弃的意图，明确新的教学方法的意义、施教方式以及综合分析所能够带给学生的认识能力。

《巴洛克音乐风格与实践研究》 作者： [虚构作者姓名，例如：艾伦·斯特恩] 出版社： [虚构出版社名称，例如：古典音乐学苑出版社] ISBN： [虚构ISBN，例如：978-1-234567-89-0] --- 内容简介 跨越时空的音乐对话：深度解析巴洛克艺术的精髓与技法 本书旨在为音乐学者、演奏家、作曲家以及所有对西方音乐史黄金时代——巴洛克时期（约1600年至1750年）——抱有浓厚兴趣的读者，提供一本全面、深入且富有实践指导意义的专著。我们不仅聚焦于对这一时期标志性音乐风格特征的理论剖析，更强调其在实际创作与演奏中的应用与传承。 第一部分：巴洛克语境的构建——历史、哲学与社会基础 本部分首先为读者构建了一个理解巴洛克音乐的宏大历史背景。巴洛克时期是欧洲社会经历剧烈变革的时代，宗教改革的余波、绝对君主制的兴起、科学革命的浪潮以及“情感理论”（Affektenlehre）的盛行，共同塑造了其独特的艺术面貌。 章节一：从文艺复兴到巴洛克：审美观的转变。 详细探讨了对位法音乐的“衰落”与单旋律（Monody）的崛起，解析了“第二艺术”（Seconda Prattica）如何挑战了文艺复兴时期的和谐规范，追求更直接、更有力的情感表达。 章节二：教廷、宫廷与市民阶层：资助体系与体裁的演变。 分析了路易十四的凡尔赛宫廷、威尼斯共和国的歌剧院以及德意志诸邦的教会机构如何资助音乐创作，以及这种资助模式如何直接影响了清唱剧、大协奏曲和奏鸣曲等主要体裁的发展方向。 章节三：情感理论的基石。 深入解读了以阿塔纳修斯·基歇尔（Athanasius Kircher）和约翰·菲利普·法伯格（Johann Philipp Krieger）为代表的理论家对“情态”（Affects）的界定，阐明了特定的调性、节奏型和和声进行如何被用来唤起听众特定的情绪状态，这是理解巴赫、亨德尔作品的关键钥匙。 第二部分：和声的革新与结构的逻辑——巴洛克音乐语法的核心 巴洛克时期标志着现代功能和声体系的最终确立。本书的第二部分将巴洛克音乐的语法分解为可理解和可操作的单元。 章节四：通奏低音（Basso Continuo）的实践艺术。 通奏低音是巴洛克音乐的骨架。本章不仅解释了其概念，更通过大量实例（包括键盘谱与低音线谱）讲解了即兴实现低音填充的技巧，探讨了羽管键琴、琉特琴与维奥尔琴在这一角色中的差异与配合。 章节五：调性的确立与色彩运用。 探讨了从大调/小调体系的初步形成，到对位法中模态色彩的残留和利用。特别关注了“和弦进行”在构建乐章张力与解决中的作用，例如著名的帕赫贝的“卡农进行”的变体分析。 章节六：对位法的新范式——主调与对位的融合。 与文艺复兴的纯粹对位不同，巴洛克对位是建立在清晰的主音与和声基础之上的。通过对赋格曲（Fugue）的结构分析，详细阐述了主题呈示、展开、中段（Episode）的写作规律，以及如何运用技巧如倒影、增值和减值来丰富对位织体。 第三部分：体裁的典范与代表人物的作品深度剖析 本书的后半部分通过具体体裁的分析，展示了巴洛克音乐语言的最高成就。 章节七：歌剧的诞生与发展。 从佛罗伦萨的“摄影学会”到克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）的《奥尔费奥》，解析了宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的功能分离，以及“重唱段”（Stile Concertato）在戏剧性高潮中的应用。 章节八：器乐的辉煌：协奏曲与组曲。 聚焦于阿卡迪亚学派以及科雷利、维瓦尔第的作品。深入分析了快-慢-快的协奏曲结构，以及“合奏”（Tutti）与“独奏”（Solo）之间的戏剧性对话（Ritornello Principle）。同时，对巴洛克组曲（如阿尔本、库朗特、萨拉班德、吉格）的舞蹈规范进行了详细的考察。 章节九：键盘音乐的巅峰——巴赫的遗产。 本章是本书的重点之一，致力于解析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫作品中的集大成性。我们将超越单纯的和声分析，探讨《平均律键盘曲集》中调性实验的意义，以及《音乐的奉献》中复调技术的哲学深度。 章节十：亨德尔的宏大叙事与清唱剧。 针对乔治·弗里德里希·亨德尔，重点研究其清唱剧（Oratorio）作为一种公共音乐形式的特征，特别是其合唱的戏剧张力、对英国观众的适应性，以及赋格与主调段落的巧妙结合。 第四部分：实践与传承——巴洛克演奏的当代视角 本书的最终目标是连接历史研究与当代实践。 章节十一：古乐实践的挑战与机遇。 讨论了“真实性”（Authenticity）的议题，对巴洛克时期乐器（如天然小提琴、自然长号）的音色特点进行了介绍。重点分析了力度、速度、装饰音的演奏规范，以及如何根据情感理论来指导这些细微的音乐处理。 章节十二：巴洛克思维的未来映射。 探讨了巴洛克时期的音乐原则如何间接地影响了后世的古典主义和浪漫主义音乐，为读者提供了一个将巴洛克技法融入现代作曲思维的桥梁。 目标读者： 音乐学院作曲、音乐学、音乐表演专业学生；寻求深入理解西方音乐传统核心的专业演奏家；音乐教育工作者及研究人员。 本书力求以严谨的学术态度，辅以丰富的乐谱实例和清晰的图表说明，带领读者沉浸式体验一个充满结构美感、情感张力和无穷创造力的音乐时代。它不是一本简单的历史回顾，而是一部探寻巴洛克音乐“如何工作”的实用指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排实在是太巧妙了，它不像其他教材那样将理论点割裂开来，而是将作曲技术与理论融为一体，形成一个有机的整体。我发现，当我学习某个特定的技巧时，书中会立即提供相应的理论支撑和实际范例，这种结合让我能够很快地将理论知识转化为实践能力。对于那些想要尝试自己创作音乐的朋友来说，这本书无疑是极佳的向导。它不只是教你“怎么做”，更重要的是教你“为什么这么做”，这种深层次的思考训练对于提高作曲水平至关重要。里面的练习题设计得也非常有挑战性，迫使我去主动思考，而不是被动接受。读完这本书，我感觉自己对音乐的“语言”掌握得更好了，不再是只会说几个简单的词汇，而是能够组织起复杂的句子了。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐理论学习的宝库，我用了它好几个月，感觉对音乐的理解提升了一个台阶。特别是它对和声学的阐述，非常系统和深入，不像有些教材那样只是罗列规则，而是真正从音乐功能的角度去剖析和声进行，让我明白了为什么某些和弦连接听起来会那么顺畅。而且，书中对各种曲式结构的分析，也让我对古典音乐的宏大叙事有了更清晰的认识。作者的讲解非常到位，即便是初学者也能循序渐进地掌握复杂概念。我特别喜欢它穿插的一些历史背景知识，这让枯燥的理论学习变得生动起来，让我对音乐的发展脉络有了更立体的感受。总之，这本书为我打开了一扇通往专业音乐学习的大门，非常值得推荐给所有对音乐创作和分析有兴趣的人。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理复杂技法时表现出了极高的专业水准和清晰的逻辑性。我注意到，作者在讲解复调写作和对位法时，没有回避其难度，而是通过层层递进的方式，将原本令人望而却步的技巧分解成易于理解的小步骤。我曾尝试过其他几本教材，但都因为讲解过于抽象而放弃，唯独这本，让我感受到了理论与实践的完美结合。它不仅仅是一本教科书，更像是一本实用的工具手册，里面提供的许多分析框架和写作指导，在我的实际创作中被反复使用。每一次翻阅，都能有新的领悟，这正是好书的价值所在。它真正做到了“授人以渔”，教会我如何独立地分析和构建音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的震撼在于其广博的视野和严谨的学术态度。它不仅仅局限于某一特定风格或时期的音乐理论，而是力图构建一个全面的技术分析体系，从基础的和声学到复杂的曲式结构，再到对位和管弦乐配器的基本原则，都有详尽而深入的探讨。我尤其欣赏作者在引用音乐实例时，所表现出的深刻洞察力，这些实例的选择既有代表性，又极富启发性。对于严肃对待音乐学习的读者来说，这本书提供的知识深度是无可替代的。它不仅仅是教会你如何“写”音乐，更是教会你如何“听懂”音乐背后的精妙设计，这种思维方式的培养，远比单纯掌握某些技巧要宝贵得多。我强烈推荐给所有音乐专业学生和希望提升音乐鉴赏能力的爱好者。

评分☆☆☆☆☆

我以前总觉得音乐理论离我很遥远，充满了艰涩难懂的术语，但这本书彻底改变了我的看法。作者的笔触非常亲切，仿佛一位经验丰富的老师在耳边耐心指导。最让我惊喜的是，书中对配器法和织体处理的讲解，既有经典的案例分析，也有现代的创作思路，拓宽了我的视野。我尤其欣赏书中那种鼓励创新精神的氛围，它在教授传统规则的同时，也启发我们要敢于打破常规，寻找属于自己的音乐声音。这本书的排版也很舒服，图表清晰明了，公式推导过程严谨而不失易读性。对于那些想在音乐领域深耕下去的人来说，这本书无疑是奠定扎实基础的基石，让我对未来的学习充满了信心。