音乐批评学概论张宇辉文化艺术出版社音乐与舞蹈考研正版教材9787503947391 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张宇辉 著

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• 音乐批评
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• 考研教材
• 张宇辉
• 文化艺术出版社
• 音乐与舞蹈
• 高等教育
• 教材
• 9787503947391
• 艺术理论

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出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503947391

商品编码：29859867310

页数：274

图书基本信息
书名：	音乐批评学概论
作者/主编：	张宇辉
出版社：	文化艺术出版社
ISBN号：	9787503947391
出版年份：	2010年10月

版次：	第1版
总页数：	274页
开本：	1/16
图书定价：	27.80元
实际重量：	480 g
新旧程度：	正版全新

张宇辉，1960年1月生，汉族，辽宁沈阳人，1983年毕业于沈阳音乐学院民乐系板胡演奏。曾任乐队演奏员和文化行政管理机关工作人员。1997年开始先后在沈阳市艺术研究所、辽宁省艺术研究所从事艺术学研究工作。2000年入中国艺术研究院研究生部学位班，学习音乐学和戏剧戏曲学两个的研究生课程并结业。现为沈阳音乐学院教授、研究员。 

序章 绪论节 音乐批评学是一门亟待建立的学科一、音乐批评古已有之二、音乐批评学的学科属性第二节 音乐批评学的学科建设一、什么是音乐批评学二、音乐批评学的学科定位第三节 音乐批评学的学科任务 第二章 音乐批评本体论节 音乐批评的本体一、音乐批评的本体内涵二、音乐批评的本质三、音乐批评的基本特征第二节 音乐批评的对象一、音乐作品二、音乐家三、音乐欣赏者四、音乐现象和音乐思潮五、音乐理论和音乐批评及音乐批评者第三节 音乐批评的主体一、音乐批评主体的基本任务二、音乐批评主体的社会责任三、音乐批评家的素质与修养 第三章 音乐批评活动论节 音乐批评的活动构成一、音乐批评的视角二、音乐批评的文化惯例三、音乐批评的传播第二节 音乐批评的氛围一、音乐批评氛围的构成二、音乐批评的争鸣第三节 音乐批评的受众一、受众对音乐批评的意义二、受众的音乐批评立场三、受众对音乐批评的影响 第四章 音乐批评作用论节 音乐批评的功能一、与创作对话二、与欣赏互动三、与自我交流第二节 音乐批评的标准一、音乐批评标准的基本性质二、音乐批评标准的种类第三节 音乐批评的价值一、音乐批评对音乐创作的价值二、音乐批评对音乐文化建构的价值三、音乐批评对音乐欣赏的价值 第五章 音乐批评观念论节 音乐批评的观念一、音乐批评的观念二、音乐批评的观念类型第二节 音乐批评的结构与形态一、音乐批评的结构二、音乐批评的基本形态 第六章 音乐批评方法论节 逻辑思辨的研究方法一、归纳与演绎相结合的方法二、分析与综合相统一的方法三、假说与理论相验证的方法第二节 一般自然科学的研究方法一、比较研究方法二、论、信息论、控制论相结合的方法第三节 边缘学科研究方法一、音乐美学方法二、音乐社会学方法三、音乐心理学方法四、音乐人类学方法 第七章 音乐批评类型论节 音乐的艺术类型一、以音乐产生的声源性质分类二、以音乐的时代性和风格性分类三、以音乐的美学性质分类第二节 音乐的美学类型一、美的音乐二、反美的音乐三、不美的音乐第三节 音乐批评的类型一、评介类的音乐批评二、学理类的音乐批评……第八章 音乐批评写作论第九章 音乐批评风格论第十章 音乐批评派论附录：音乐批评选读二则参考书目后记 

《音乐批评学概论》讲述了作为省部级重点课题，作者力求全面，学理严谨、体例科学，笔法简练、通俗易懂。从而填补了国内学术空白，使《音乐批评学概论》可以成为音乐艺术院校和综合大学、师范院校中音乐学、音乐教育、艺术管理等相关音乐批评课程的教材，称得上是一部很好的音乐批评学教科书。 

乐章与哲思：二十世纪西方音乐思潮的流变 一部深入剖析二十世纪西方音乐思想、美学观念与创作实践的权威著作。 本书旨在为音乐研究者、高等院校师生以及对西方现代与后现代音乐抱有浓厚兴趣的读者，提供一份全面、深入且富有洞察力的导览。它并非简单地罗列作曲家的名字与作品，而是致力于挖掘支撑起二十世纪复杂音乐图景背后的哲学思辨、社会文化语境以及核心美学原则的演变脉络。 核心内容聚焦： 第一部分：现代主义的黎明与反叛（1900-1945） 本部分详尽考察了二十世纪初西方音乐对传统调性体系的彻底决裂，及其由此引发的结构性革命。 1. 晚期浪漫主义的终结与印象主义的色彩探寻： 德彪西与拉威尔如何通过对非传统音阶、和声模糊化以及对音色本身的极致关注，为现代音乐铺设了道路。重点分析其与象征主义文学的内在关联。 2. 表现主义的内在精神剧场： 舍恩堡的无调性探索及其逻辑推演——十二音体系的诞生。深入剖析其背后的弗洛伊德心理学影响，以及音乐如何成为对焦虑、异化和内在冲突的直接表达。巴比特和韦伯恩对序列原则的系统化构建，被置于当时的社会动荡背景下进行审视。 3. 新古典主义的回归与理性化构建： 斯特拉文斯基的“回归秩序”运动，不仅仅是对巴洛克、古典语汇的简单复古，更是一种对现代性过度主观化的反拨。分析其如何运用复调技巧、清晰的节奏型态和“客观化”的音乐语言，试图在破碎的世界中重建结构清晰度。 4. 民族主义的再激活与原始主义的冲击： 探讨巴托克与沃尔夫等作曲家对民间音乐的采集、分析与内化，这如何成为抵抗德奥中心主义、重建地方文化身份的重要途径。对《春之祭》中原始节奏的冲击力及其引发的文化事件进行细致的文本分析。 第二部分：战后新探索与序列主义的深化（1945-1970） 二战的创伤，使欧洲知识界对“进步”的概念产生了深刻怀疑，这直接体现在战后音乐激进的实验浪潮中。 1. 总体序列主义的全面渗透： 不仅限于音高，而是将时间、力度、演奏法等所有音乐要素纳入严格的序列控制。分析布列、斯托克豪森等人在达姆施塔特夏令营背景下进行的理论建构，探讨其逻辑上的完美性与听觉体验之间的张力。 2. 电子音乐的崛起与声音的解放： 区分磁带音乐（Musique Concrète，皮埃尔·谢弗）与纯电子音乐（Elektronische Musik，科隆学派）。考察录音技术如何彻底改变了“作曲”的定义，使声音本身成为可塑的原材料。 3. 概率音乐与不确定性的引入： 约翰·凯奇对东方哲学（尤其是禅宗）的接纳，以及他如何通过机遇法则（Chance Operations）和“沉默”的概念，挑战了西方音乐传统中关于“作者意图”和“作品结构”的绝对权威。对《4'33"》的哲学意义进行详尽探讨。 第三部分：多元化时代的并存与对话（1970至今） 随着激进主义的降温，音乐进入了一个更加宽容和融合的阶段，历史、技术与文化间的界限变得模糊。 1. 极简主义的回归与过程美学： 莱利、赖希、格拉斯等人如何通过对简单材料的重复、累加和相位移动，创造出冥想性、近乎催眠的听觉体验。分析其与美国世俗音乐（如爵士乐、摇滚乐）的隐秘联系。 2. 新浪漫主义与后现代的语境： 对早期现代主义的内在情绪进行重新审视，同时吸收后现代语境下的“拼贴”手法。探讨吕托斯瓦夫斯基、潘德列茨基等人在技术成熟后，如何寻求更具人性和叙事性的表达。 3. 跨文化与技术融合的趋势： 探讨世界音乐（World Music）的影响如何催生了新的“普世”音乐语言。分析计算机技术在音乐创作、分析和演奏中的日益重要性，以及人工智能对未来创作范式的潜在颠覆。 4. 音乐理论的转向： 介绍二十世纪后期重要的分析理论，如格式塔理论在音乐结构分析中的应用、音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）在无调性音乐分析中的地位，以及现象学美学对听觉体验研究的贡献。 本书特色： 本书结构严谨，论证详实，力求在理论深度与文本可读性之间取得平衡。它不回避复杂的理论术语，但始终将其置于清晰的历史和美学框架内加以阐释。通过对关键文献、原始乐谱片段及历史录音的交叉分析，读者将能建立起一个清晰的认知地图，理解二十世纪西方音乐如何从结构性的坍塌走向无限的可能性。本书特别注重分析不同流派间的内在张力与相互启发，揭示了这一百年间音乐思潮发展的内在逻辑而非简单的线性推进。它不仅是学术参考书，更是理解现代文化精神面貌的一扇重要窗口。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真不错，拿到手里就感觉挺有分量的。封面设计简洁大气，符合艺术类教材的调性，拿在书架上看着也挺赏心悦目。纸张的质量也值得称赞，印刷清晰，油墨均匀，长时间阅读眼睛也不会觉得特别累。翻开内页，可以看到排版布局考虑得很周到，字体大小适中，段落之间的留白处理得当，使得阅读体验非常流畅。作为一本考研教材，它在细节上的用心程度看得出来，这对于需要反复翻阅和做笔记的学生来说，无疑是一个加分项。而且，这本书的尺寸拿在手上很合适，方便携带，无论是去图书馆还是咖啡馆学习，都很方便。整体来看，从外到内，这本书的制作工艺都达到了较高的水准，让人在学习之余，也能享受到阅读的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构安排上体现了极高的教学智慧。它似乎是为考研学生量身定制的，清晰地划分了理论基础、历史发展和应用实践三大板块，每个章节之间的递进关系处理得非常自然。我感觉作者非常懂得如何引导学生的学习过程，从宏观概念的建立，到微观分析方法的教授，每一步都衔接得恰到好处，没有那种突然跳跃性的知识断层。特别是一些关键概念的解释，作者用了非常直观的比喻和清晰的定义，彻底扫清了初学者在理解复杂理论时的障碍。此外，书后附带的复习导图或者重点总结，对于我们梳理知识体系、查漏补缺帮助极大，这体现了作者强烈的服务意识，不仅仅是知识的传授者，更是学习过程的引导者。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的语言风格非常吸引人，它成功地避免了许多学术著作中常见的枯燥和晦涩。作者的文字功底深厚，表达既精确又富有文采，读起来有一种“娓娓道来”的感觉，仿佛在听一位资深的学者在进行一场精彩的讲座。这种流畅的叙述方式，极大地降低了阅读门槛，让原本可能让人望而生畏的专业术语和复杂的理论体系变得平易近人。它在保持学术严谨性的同时，注入了人文关怀和思辨的火花，使得学习过程本身也成了一种享受。对于我们这些面对高强度备考压力的学生来说，这种‘润物细无声’的教学方法，比生硬的灌输有效得多，它激发了我们主动探索和思考的热情。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度和广度都超出了我的预期，尤其是在梳理音乐批评史的脉络时，作者的逻辑性非常强。它不是简单地罗列事实和理论，而是通过深入的案例分析，将抽象的批评思想具象化了。我特别欣赏作者在处理不同流派之间的对话和冲突时所展现出的中立和深刻洞察力，这对于我们理解音乐批评的复杂性至关重要。书中引用的文献资料非常扎实，很多都是一手研究成果，这为后续的深入研究打下了坚实的基础。对于初学者来说，它提供了一个非常系统和可靠的入门路径；对于有一定基础的学习者，它又能提供新的思考角度和研究切入点。可以说，这本书的知识密度非常高，需要细细品味，每一次重读都能发现新的理解层次，绝对是值得收藏的学术工具书。

评分☆☆☆☆☆

作为一本音乐与舞蹈类考研教材，这本书的选材范围非常精准，它紧密围绕历年考试的重点和难点进行了布局。在涉及中西方音乐批评史的关键人物和核心文献时，作者的选取标准清晰明确，没有冗余信息干扰考生的主线复习。更值得称赞的是，它不仅仅停留在知识点的罗列，还巧妙地融入了对学科前沿动态的关注，这对于那些追求高分的考生来说至关重要，因为它能帮助我们构建一个与时俱进的知识框架。我可以清晰地感觉到，编写团队对考研的题型和评分标准有着深刻的理解，书中的案例分析和练习题都具有很高的实战价值，能有效训练我们运用理论知识解决实际问题的能力，是备考路上不可或缺的“导航仪”。