音乐作品分析应用教程修订版高佳佳中国广播电视出版社艺术考研9787504341181 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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高佳佳，赵冬梅 著

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• 9787504341181
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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 中国广播电视出版社

ISBN：9787504341181

商品编码：29859884103

出版时间：2008-12-31

页数：519

图书基本信息
书名：	音乐作品分析应用教程（修订版）
丛书名：	全国艺术院校公共必修课适用
作者/主编：	高佳佳 赵冬梅
出版社：	中国广播电视出版社
ISBN号：	9787504341181
出版年份：	2009年1月

版次：	第2版
总页数：	519页
开本：	1/16
图书定价：	68.00元
实际重量：	1.2 kg
新旧程度：	正版全新

《音乐作品分析应用教程(全国艺术院校公共必修课适用)(修订版)》还选入一引起的经典作品作为欣赏之用，使同学们在掌握分析技能的同时，又可开阔视野，丰富修养。因此，《音乐作品分析应用教程(全国艺术院校公共必修课适用)(修订版)》也可用作普通高校音乐素质课和音乐欣赏课的授课教材。 

章 音乐的基本表现要素节 概述第二节 旋律第三节 节奏节拍第四节 调式调性和声第五节 速度力度第六节 音区音色第七节 织体 第二章 音乐语言的陈述结构节 概述第二节 音乐陈述结约的类型及区分原则 第三章 音乐陈述的基础结构节 乐段结构第二节 三个乐句的乐段结约第三节 扩展乐段结构第四节 复乐段结构第五节 乐段、乐句、乐节与乐汇的独立形态与组群形态 第四章 音乐陈述的衍生结构节 连句结构第二节 模进结构第三节 自由结构 第五章 一部曲式节 曲式与曲式功能第二节 一部曲式的结构特征第三节 实例分析 第六章 再现单二部曲式节 再现在曲式形成中的意义和作用第二节 再现单二部曲式的结构特征第三节 再现单二部曲式两部分的组成第四节 实例分析 第七章 再现单二部曲式第节 再现在曲式形成中的意义和作用-第二节 再现单二部曲式的结构特征第三节 再现单二部曲式两部分的组成第四节 实例分析 第八章 并列单二部曲式第节 并列单二部曲式的结构特征与组成第二节 实例分析 第九章 再现单三部曲式第节 再现单三部曲式的结构特征第二节 再现单三部曲式各部分的组成第三节 再现多部曲式第四节 实例分析 第十章 并列单三部曲式第节 并列单三部曲式的结构特征与各部分组成第二节 实例分析 第十一章 复三部曲式第节 概述与结构特征第二节 复三部曲式各部分的组成第三节 复二部曲式第四节 实例分析 第十二章 回旋曲式第节 概述与结构特征第二节 典型回旋曲式的结构特征第三节 实例分析 第十三章 变奏曲式第节 概述与结构特征第二节 固定基础变奏曲第三节 变体主题变奏曲第四节 自由变奏曲第五节 实例分析 第十四章 奏鸣曲式节 概述与结构特征第二节 奏鸣曲式各部分的组成第三节 奏鸣曲式在应用中的变体发展第四节 实例分析 第十五章 回旋奏鸣曲式节 概述与结构特征第二节 回旋奏鸣曲式各部分的组成第三节 实例分析” 第十六章 套曲曲式参考书目 分析谱例一部曲式：再现单二部曲式：并列单二部曲式：再现单三部曲式：再现多部曲式：并列单三曲式：复三部曲式回旋曲式变奏曲式奏鸣曲式回旋奏鸣曲式套曲

《音乐作品分析应用教程（修订版）》的特色是以谱例分析为主，其谱例用量完全可以满足共同课一学年（两个学期）的教学内容。谱例程度难易相当，有充足的余地可供不同院校和不同学生们的选择。本教程要求通过对作品的分析，使学生能科学地掌握音乐分析原则，提高分析技能；并通过研究作品的创作背景、风格、手法以及曲式结构等，使学生能更深入地了解作品的思想内容，从而达到更深刻地感受艺术和表现艺术的目的。

音乐理论与实践前沿探索 《和声学原理与二十世纪音乐分析》 内容提要： 本书旨在为音乐学习者、研究者以及专业音乐工作者提供一套全面而深入的音乐理论与实践的桥梁。我们聚焦于西方音乐体系自巴洛克时期至二十世纪中叶的核心理论基础，并以此为基石，探讨现代音乐语法的演变与结构。本书不涉及具体某一版本的应用教程或应试技巧的侧重，而是致力于构建扎实的理论框架和开阔的分析视野。 全书分为三个主要部分：基础和声学体系重构、调性与功能和声的深化解析，以及二十世纪音乐语言的初步触探。 第一部分：基础和声学体系重构 本部分从最基本的音乐元素——音高、节奏和节拍出发，系统梳理了从古代记谱法到标准五线谱的演变历程，强调理解记谱法背后的历史逻辑而非仅仅机械记忆。 音级与音程的物理基础与听觉感知： 深入探讨音程的纯律、十二平均律的数学关系，以及不同音程在听觉中的心理感受。我们详细分析了泛音列在和声构建中的决定性作用，强调了声音的物理属性如何塑造了人类的音乐审美。 基础和弦的构成与连接逻辑： 详述三和弦、七和弦的结构，以及它们在基础调性框架内的功能性指代。此处重点剖析了和弦连接的“倾向性”与“解决”，通过大量实例分析，揭示了为什么某些进行听起来“自然”或“不协和”。我们避免使用过于简化的“口诀式”教学，而是追溯功能和声的起源及其在不同历史时期的细微变化。 调式与转调的精妙艺术： 详细区分大小调性体系下的各种调式（如自然音阶、和声小调、旋律小调）的特点及其在和声色彩中的应用。转调部分超越了常见的“关系调转调”，深入探讨了功能转调、半音模进转调等复杂技巧的内在动机，重点在于如何通过和声的“张力点”实现平滑或突兀的色彩转换。 第二部分：调性与功能和声的深化解析 本部分将理论的深度推向古典主义与浪漫主义音乐的巅峰时期，关注和声语言的复杂化和个人化表达。 七和弦以外的扩展与色彩和声： 探讨九和弦、十一和弦、十三和弦的实际应用，以及如何利用增六和弦（意大利式、法国式、德国式）来制造强烈的和声色彩对比和半音进行。我们将这些和弦视为“色彩工具”，而非仅仅是“特定规则下的产物”。 非功能性和声倾向的萌芽： 考察浪漫主义晚期作曲家（如瓦格纳、李斯特）如何开始模糊调性中心。重点分析了“偏离”和声功能（如半音进行和弦、借用和弦）的使用，这些是通往现代音乐的桥梁。我们精选片段，剖析这些“不和谐”是如何在特定的情绪渲染中发挥其不可替代的作用。 通奏低音与巴赫对位法对和声结构的奠基： 尽管本书不是专论对位法，但我们必须追溯巴洛克时期和声的“生成方式”。通过分析巴赫的赋格曲和三声部创意曲的低音声部，展示和声是如何在严格的对位约束下自然产生的，这对于理解和声的“纵向”与“横向”的统一性至关重要。 第三部分：二十世纪音乐语言的初步触探 本部分旨在引导读者从传统的调性思维中解放出来，接触现代音乐的基本语汇和分析方法。 调性的瓦解与新调性的探索： 讨论从晚期浪漫主义向无调性过渡的几种主要路径。分析了“和弦的不再解决”现象，以及作曲家如何寻找新的组织原则来替代传统的功能中心。 十二音体系的结构逻辑： 详细阐述勋伯格十二音技法（Dodecaphony）的基本规则，包括音列的原始型（P）、逆行型（I）、倒影型（R）和倒影逆行型（RI）的构建与应用。重点在于理解音列的内部对称性与结构潜力，而非机械地进行序列排列。 集合理论（Set Theory）的初步概念： 介绍在分析非调性音乐，特别是韦伯恩等作曲家的作品时，集合理论如何提供一种量化和分类和弦集合（Pitch-Class Sets）的工具。我们以最基础的音高集合的“等级”（Class）和“特征向量”（Prime Form）进行初步讲解，为进一步深入研究打下概念基础。 本书特点： 本书强调分析的内在逻辑性与历史演进的必然性。我们认为，任何音乐理论的学习，都应服务于对伟大音乐作品的深刻理解。因此，本书配备了大量详尽的乐例分析，这些乐例均选自不同历史时期、不同体裁的经典作品，旨在培养读者“听见”理论的实践能力。我们提供的不是一套应试的“模板”，而是帮助学习者建立一套独立、严谨的音乐思维体系。 适用对象： 高等音乐院校本科生、研究生、音乐理论进修者，以及所有希望系统提升自身音乐分析能力，拓展理论视野的音乐爱好者。本书的深度适合作为两年制音乐理论课程的参考教材。

评分☆☆☆☆☆

初捧此书，被其厚实的篇幅和严谨的排版所震撼。那些密密麻麻的五线谱、复杂的和声图示，仿佛一下子将我带入了一个宏大而又精密的音乐宇宙。我一直对音乐分析抱有浓厚的兴趣，但市面上的教材往往过于晦涩或碎片化，让人不得其门而入。然而，这本书的结构布局却展现出一种循序渐进的引导力。从最基础的旋律线条分析，到复杂的对位法和曲式结构剖析，作者似乎深谙初学者的困惑点，总能在关键时刻给出清晰的例证和详尽的推导过程。我尤其欣赏其中穿插的大量经典音乐片段，它们并非孤立地存在，而是紧密服务于理论的阐释，使得抽象的规则变得触手可及。阅读过程中，我常常需要停下来，对着谱例反复推敲，甚至拿出自己的乐器来实践和验证。这种沉浸式的学习体验，极大地提升了我对音乐内部逻辑的理解深度。对于任何渴望从“听众”蜕变为“解读人”的音乐爱好者或专业学生来说，这本书无疑是一把开启音乐殿堂大门的金钥匙，它要求的不仅仅是阅读，更是一种主动的、带着批判性思维的参与。

评分☆☆☆☆☆

我感受到作者在写作过程中倾注的热忱，这种热忱超越了单纯的知识传授，更像是一种对音乐艺术的深度敬畏。书中的语言风格，在保持高度学术性的同时，偶尔流露出一种温和的鼓励，仿佛在说：“是的，这很难，但你完全有能力理解它。”这种亲切感尤其体现在对于复杂技巧的解释上，作者会用一些巧妙的比喻，将晦涩的对位原理或复调织体，转化为可以想象的画面。我特别喜欢其中关于“音乐的叙事性”的探讨，它成功地弥合了纯粹的结构分析与听觉体验之间的鸿沟。通过这本书，我开始尝试用“故事线”的眼光去审视复杂的奏鸣曲，去追踪主题的“角色发展”和“冲突解决”。这种叙事性的解读，极大地激发了我对音乐的内在情感共鸣，使得原本可能枯燥的分析过程，变成了一场激动人心的探险。对于那些渴望将技术分析转化为深刻艺术体会的读者来说，这本书提供的不仅仅是方法，更是一种全新的思维框架。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的难度是存在的，它绝非一本可以轻松翻阅的消遣读物。它需要读者投入大量的时间和精力去啃读那些复杂的乐理术语和分析模型。然而，正是这种挑战性，体现了它的专业价值和深度。对于准备艺术类研究生入学考试的学生而言，这本书无疑是“硬通货”般的存在。它所涵盖的知识点密度之大、覆盖面之广，远超一般教材。我特别关注了其中关于“动机发展”和“和声功能分析”的章节，它们的论述细致入微，特别是对于那些模糊地带的处理，给出了清晰的界限和判断标准。这种严谨性，在应试环境中至关重要。我尝试按照书中的步骤，对几首陌生的奏鸣曲乐章进行分析练习，发现如果严格遵循其方法论，即便面对不熟悉的材料，也能快速抓住核心结构。唯一的“抱怨”可能在于，由于内容过于精炼，有些地方的过渡略显仓促，需要读者自行补充背景知识，但瑕不掩瑜，其作为一本核心参考书的地位无可撼动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处，在于它仿佛是一位经验老到的导师，耐心地将音乐分析的“黑箱”缓缓打开。它没有满足于仅仅罗列规则，而是深入探讨了这些规则背后的历史语境和审美意图。比如，在讨论奏鸣曲式的发展时，作者并没有停留在传统的呈示部、发展部、再现部的简单描述上，而是结合了十八世纪末维也纳学派作曲家的创作实践，解释了动机的演变如何服务于戏剧性的张力构建。这种对“为什么”的追问，远比“是什么”更具价值。我发现，许多我过去只是凭感觉理解的音乐效果，通过书中的图表和文字解析后，突然间有了科学的支撑，豁然开朗。更让人称道的是，它对不同时期、不同风格音乐的分析范例兼收并蓄，从巴洛克时期的精巧对位，到浪漫主义时期的织体膨胀，再到二十世纪初和声的拓展，视野极为开阔，避免了单一风格的局限性。读完某一章节，我迫不及待地想回到我收藏的CD中，重新聆听那些熟悉的乐章，这次，我的耳朵里充满了新的认知和期待，仿佛世界被重新着色了一般。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排方式，极具匠心，显示出作者对教学逻辑的深刻理解。它不像某些学术著作那样板着脸孔，而是巧妙地将理论讲解穿插于实例的“现场还原”之中。例如，在分析某一交响曲的呈示部时，它不仅仅展示了主题的A-B结构，还附带了对配器法如何强化主题对比的简短讨论，这使得分析不再是孤立的音高和节奏的拆解，而是上升到了对音乐整体效果的考察。这种多维度的视角，极大地丰富了我的音乐鉴赏体验。过去我可能只注意到旋律的优美，现在我能更清晰地分辨出低音线条的支撑作用，或者管弦乐声部的巧妙交织如何烘托出特定的情绪色彩。这种从“点”到“面”的扩展，是我在其他教材中很少体验到的。它教会我的，是如何用一把手术刀般精准的工具，去剖析作曲家构建的复杂情感迷宫，而不是仅仅欣赏表面的华丽。