坚守与跨越—舞蹈编导理论与实践研究 舞蹈基础教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552303698

商品编码：29867425091

丛书名： 坚守与跨越

出版时间：2013-12-01

       

 

目录 导言：放眼世界舞坛
上篇 舞蹈编导历程
第I章 舞蹈编导史迹寻踪
 第I节 舞蹈编导的诞生
 第二节 由来已久的纷争
 第三节 历史的长河
第二章 西方：从模仿论到表现主义
 第I节 与东方分道扬镳
 第二节 诺维尔的悲喜剧
 第三节 现代舞与表现主义
第三章 中国：从写意到现实主义
 第I节 千年的坚守
 第二节 中国古代表现性理论
 第三节 革命：迎来了现实主义
中篇 外国舞蹈编导理论
第四章 欧亚舞蹈编导理论
 第I节 舞蹈新纪元
 第二节 表现主义的兴起
 第三节 欧洲的扩展
 第四节 亚洲的扩展
第五章 美国舞蹈编导理论
 第I节 现代舞的时代精神
 第二节 编导理论基础
 第三节 新古典主义
第六章 苏联——俄罗斯编导经验
 第I节 戏剧芭蕾
 第二节 交响芭蕾
 第三节 舞蹈创作
第七章 在后现代语境下
 第I节 从唯动作到非舞蹈
 第二节 舞蹈剧场
下篇 当代中国舞风
第八章 当代中国舞风的形成
 第I节 中国舞风的文化背景
 第二节 中国舞风的艺术特性
第九章 中国现实主义舞蹈编导谱系
 第I节 传统现实主义
 第二节 新现实主义(一)
 第三节 新现实主义(二)
第十章 中国践行表现主义
 第I节 表现主义的复生
 第二节 践行表现主义
 第三节 表现主义理论的新生
第十一章 个性编导的凸起
 第I节 个性化编导实例
 第二节 另世写传奇
 第三节 只说自己话的编导
 第四节 形而上者谓之道
第十二章 两岸三地的后现代
 第I节 登陆于海峡东岸
 第二节 震荡于珠江三角洲
 第三节 无界——起舞于动荡世界
参考书目
后记 编辑推荐 此书稿为国家社会科学基金艺术学项目。书稿内容由三大部分构成，即：上篇“舞蹈编导历程”,中篇“外国舞蹈编导理论”和下篇“当代中国舞风”。作者通过对中西方舞蹈创作的梳理，以“求同存异”的独特学术视角对舞蹈编导理论进行深入的研究，并且解读了中国舞蹈编导建国六十多年的创作经验与历程。该书稿编辑出版后，对我国的舞蹈编导事业、舞蹈编导人才、舞蹈编导理论建设提供了理论依据与实践参考，是一部具有指导意义和学术价值的舞蹈编导理论教材。
  内容推荐     《坚守与跨越(舞蹈编导理论与实践研究)/北京舞蹈学院60周年系列丛书》编著者吕艺生。 本书为国家社会科学基金艺术学项目。由上中下三篇构成。通过阐述中西方舞蹈编导的发展史与编导理论，进一步我国舞蹈编导学科的发展。本书稿作者吕艺生，博士研究生导师，现任北京舞蹈学院学术委员会主任与北京市文学艺术界联合会副主席、教育部艺术教育委员会常务委员。曾在我社出版《舞蹈教育学》《舞蹈学导论》《舞蹈学研究》等学术理论著作多部。 本书以“求同存异”的独特学术视角对舞蹈编导理论进行了深入的研究，并且解读了中国舞蹈编导建国六十多年的创作经验与历程。其内容由三大部分构成，即：上篇“舞蹈编导历程”,中篇“外国舞蹈编导理论”和下篇“当代中国舞风”。
  作者简介   吕艺生

现任职务

北京舞蹈学院教授，北京舞蹈家协会主席、中国舞蹈协会顾问、中国教育学会舞蹈专业委员会理事长、北京师范大学兼职教授、北京理工大学博士研究生导师。

曾任职务
  北京舞蹈学院院长、中国文艺人才理事会会长、北京大学生艺术团艺术指导。
  主要论著
   《中国艺术教育大系舞蹈卷》主编、《舞蹈大辞典》（中国戏剧出版社）、《舞论》（中国戏剧出版社）、《舞蹈教育学》（上海音乐出版社）、《舞蹈学导论》（上海音乐出版社）、《中学音乐舞蹈老师<舞蹈>教材》（高教出版社）、《艺术管理》（上海音乐出版社）、《大型晚会编导艺术》（上海音乐出版社）。
   主要成就
   1957年世界青年联欢节表演双人舞《牧笛》获银质奖章、1992年获文化专家称号、1992年获国务院有特殊贡献专家待遇、1998年因编导《欢庆香港回归》获北京“五个一工程奖”、《舞蹈教育学》获得国家教材二等奖、“北京舞蹈学院学科建设”获得北京市科研项目一等奖和国家二等奖。

 

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舞蹈编导的艺术与技艺：理论与实践的深度探索 本书旨在为舞蹈学习者、编导专业学生以及对舞蹈艺术有浓厚兴趣的读者，提供一个全面、深入且富有实践指导意义的舞蹈编导知识体系。我们不着眼于特定流派的既有规范，而是致力于解析舞蹈编导作为一门艺术创作学科的核心要素、思维逻辑与实现路径。 本书将舞蹈编导的创作过程拆解为一系列可操作、可理解的模块，引导读者从零开始构建自己的艺术视野和实践工具箱。 --- 第一部分：舞蹈编导的哲学基石与理论视野 本部分深入探讨舞蹈编导活动背后的思想根源、美学取向以及其在当代艺术语境中的地位。 第一章：编导的本质：从观念到形态的转化 舞蹈的“为什么”： 探讨编导创作的动机，区分叙事性、抒情性、观念性舞蹈的内在驱动力。 身体作为媒介的特殊性： 分析时间、空间、重量、张力在舞蹈语言中的非语言意义，以及如何将抽象观念物化为可感知的身体运动。 美学立场的确立： 引导读者认识不同历史时期和文化背景下的舞蹈美学观（如古典主义、浪漫主义、现代主义、后现代主义），并鼓励读者在学习中寻找和确立自己的独特美学坐标。 第二章：舞蹈语汇的拆解与重构 动作元素的分解训练： 详细剖析运动的最小单位——姿态（Posture）、动作（Gesture）、移动（Locomotion）的构成要素（轴心、平面、方向、速度、幅度）。 非传统动作资源的引入： 探讨如何从日常生活动作、自然界形态、非西方肢体文化中提取和转化新的舞蹈语汇，避免陷入陈旧的“舞蹈语汇库”。 动势的结构逻辑： 分析动作序列（Phrase）的构建原则，包括重复、变异、对比、递进等逻辑关系，如何使动作链条既有内在连贯性又充满张力。 第三章：空间叙事学的构建 舞台空间的几何学： 不仅限于舞台的物理边界，更深入探讨“虚拟空间”和“心理空间”的塑造。分析舞台的前、中、后景，以及利用舞台边缘进行叙事的手法。 群体调度与队形转换的动力学： 研究群体在空间中移动时的速度变化、密度控制和相互关系，探讨如何利用队形的变化来象征社会关系、情绪流动或叙事转折。 视线与焦点（Focus）： 阐释观众视线引导的重要性，如何通过演员的目光方向、身体朝向，精确控制观众的注意力，营造戏剧张力或情感共鸣。 --- 第二部分：实践创作的工具箱与技术路径 本部分侧重于将理论转化为可操作的实践方法，提供从灵感捕捉到作品完成的全流程技术指导。 第四章：灵感的捕获与主题的深化 主题的提炼与“舞蹈化”： 如何将文学、音乐、视觉艺术甚至科学概念转化为舞蹈可以承载的“核心冲突”或“情感主题”。 即兴创作的技术与引导： 介绍引导性即兴（Guided Improvisation）的方法，包括使用感官刺激、限制条件（Constraints）和情绪触发点，快速生成原始素材。 素材库的建立与索引： 教授如何系统记录和分类创作过程中产生的动作素材、身体体验和瞬间灵感，形成个人可检索的“动作词典”。 第五章：结构设计与节奏编排 叙事性作品的结构模型： 介绍传统戏剧结构（起承转合）在舞蹈中的应用，以及如何运用“高潮点”和“休止符”来安排作品的能量释放。 非线性结构的实验： 探讨蒙太奇手法、循环结构、碎片化叙事在当代舞蹈编导中的运用，以及如何平衡结构复杂性与观众的理解度。 音乐与身体的对话： 不仅是跟随音乐的节奏，更深入探讨对位（Counterpoint）、“无音乐创作”（Creation without Music）以及如何使用非传统声响作为结构支撑，实现身体对声音的创造性“反抗”或“延伸”。 第六章：人际关系与角色塑造 双人/多人互动的动力学： 专注于伙伴关系（Partnering）的编排技术，包括重量转移、支撑与被支撑、缠绕与分离中的权力关系表达。 “角色”的非语言构建： 分析如何在没有台词的情况下，通过特定的动作习惯、重复的姿态或独特的移动方式，塑造具有辨识度的“人物形象”或“内在状态”。 冲突的视觉化呈现： 探讨如何将内在的情感冲突转化为外在的、可被观众感知的身体对抗和张力场。 --- 第三部分：与技术部门的协作与作品的呈现 本部分关注舞蹈作品在剧场环境中得以完成的必要环节，强调编导作为“总设计师”的角色定位。 第七章：舞台设计与视觉语言的融合 服装、道具与动作的互动性： 分析服装和道具如何限制或解放身体的运动，以及如何将它们作为动作的延伸或反作用力。 灯光设计的编导意图表达： 讲解基础灯光技术（如平面光、轮廓光、色彩温度）如何服务于编导的空间构思、情绪烘托和焦点锁定，避免将灯光视为纯粹的装饰。 第八章：排练场管理与沟通的艺术 高效的排练流程设计： 教授如何制定清晰的排练计划，平衡新技术学习、素材整合与体力恢复。 有效的指令语言： 强调使用精准、富有画面感的语言与舞者沟通，减少无效重复，建立基于信任的合作关系。 技术彩排与整合： 讨论如何在有限的技术彩排时间内，快速解决灯光、音响、舞台调度与舞蹈动作之间的衔接问题。 --- 本书不提供标准化的“成功配方”，而是提供一套审慎的思考框架和丰富的实践方法论，鼓励未来的舞蹈编导者进行大胆的实验、深入的反思，并最终形成具有个人独特印记的艺术表达。它是一份邀请函，邀请读者进入舞蹈创作的复杂而迷人的殿堂，探索身体所能承载的无限可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格充满了专业人士特有的那种克制而精准的表达力，它没有过多使用煽情的辞藻，而是用大量严谨的术语和细致入微的观察力构建起一个完整的知识体系。特别是关于“身体感知与情感转译”那一章，作者对人体的运动学和心理学进行了精妙的交叉论证，这远远超出了我之前对舞蹈教学书籍的预期。我原本以为这类书籍多半会集中在技术动作的分解上，但这本书却深入探讨了如何将内在的、难以言喻的生命体验，通过身体的运动链条，有效地、不失真地传递给观众。书中提供的那些关于“动觉记忆”和“时间切片”的分析方法，对于我尝试构建自己的动作素材库具有极强的启发性，它迫使我去重新审视自己日常排练中的习惯，去挖掘那些被我无意识忽略掉的微妙之处。整体来看，它提供的工具箱是全面的，而且是面向未来的，能指导舞者和编导超越既有的风格范式。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的地方在于它对“过程”的尊重，而不是仅仅聚焦于最终的成品。在讲述创作流程的部分，作者非常坦诚地展示了编导工作中那些充满挫败感、反复推翻和意外发现的“灰区”。这种对创作真相的揭示，对于许多刚刚接触编导工作，容易将艺术创作理想化的新手来说，是极其宝贵的“减压剂”。书中通过对多位艺术家的创作手稿和早期草图的分析，清晰地勾勒出“模糊的灵感到清晰的结构”这一转化路径。这让我明白了，好的编导不是等待灵感的降临，而是持续不断地与材料进行对话、实验和磨合。这种务实的叙事风格，让整本书读起来充满了人情味和烟火气，它没有高高在上地指导你，而是像一个同行的伙伴，分享着在创作泥泞中摸索的经验与心得，让人感到亲切和鼓舞。

评分☆☆☆☆☆

这是一本非常“重”的书，指的不仅仅是纸张的厚度，更是其思想的密度。我必须承认，初读时会被一些复杂的概念绕得有些晕眩，但这恰恰说明了作者试图打破传统思维定势的野心。书中所引入的跨学科视角令人耳目一新，它不像传统的舞蹈理论那样自成一体，而是大量借鉴了现象学、符号学乃至后现代哲学中的核心思想，将舞蹈置于更广阔的文化语境中进行审视。这种深度的理论支撑，使得书中的每一个实践建议都具有了坚实的哲学基础，不再是单纯的“怎么做”，而是“为什么这么做”的深度拷问。对于那些已经有一定实践经验，渴望从“匠人”迈向“思想者”的编导来说，这本书无疑是一剂强效的催化剂，它提供了辨识和批判现有美学体系的锐利工具。它要求读者不仅仅是接受知识，更是要参与到知识的构建过程中去。

评分☆☆☆☆☆

这本书在排版和视觉呈现上做了不少匠心独运的安排，这对于一本理论性著作来说是难能可贵的。它没有采用那种密密麻麻的纯文字堆砌，而是巧妙地利用了留白、图示和精选的黑白影像来辅助说明复杂的概念。比如，当讨论到“节奏的层次构建”时，作者不是用冗长的文字去描述，而是直接呈现了一张清晰的图形化脉络图，将不同速度、不同重心的动作元素如何在时间轴上交织重叠表现得一目了然。这种视觉化的辅助阅读体验，极大地提高了信息接收的效率，尤其是在需要快速理解复杂结构关系时，效果显著。总而言之，这本书在保持其学术严谨性的同时，成功地实现了艺术理论的可读性和易用性，是近年来舞蹈教育领域中少有的兼顾深度与广度的优秀范本。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实吸引人，封面那种略带斑驳的历史感和现代感的字体结合，让人一眼就能感受到它深厚的学术底蕴，同时又不失对当代舞蹈探索的开放性。我尤其喜欢它在章节划分上的逻辑严密性，从基础的动作原理到复杂的叙事结构，层层递进，仿佛一位经验丰富的导师，耐心地引导你进入舞蹈编导的宏大世界。阅读过程中，我发现作者在理论阐述上非常注重联系实际案例，而不是空泛的哲学思辨。比如，对于“空间结构”的讨论，书中并未停留在抽象的几何概念，而是结合了多部经典作品的舞台调度图谱进行深入剖析，让我这个初学者也能清晰地捕捉到编导意图是如何通过空间布局被视觉化呈现的。这种“知行合一”的叙事方式，极大地降低了理论的门槛，让原本枯燥的学术概念变得生动起来，每一次翻页都充满了发现的乐趣，感觉自己不仅仅是在阅读一本教材，更像是在进行一次沉浸式的艺术田野调查。