作曲与分析(音乐结构形态构态对位以及二性)(精) 贾达群 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 分析
• 音乐结构
• 形态学
• 对位法
• 二声部对位
• 和声
• 贾达群
• 上海音乐出版社

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552312782

商品编码：29867476352

丛书名： 作曲与分析

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以下是一份针对假设的、不包含《作曲与分析（音乐结构形态构态对位以及二性）（精）》一书内容的图书简介。这份简介旨在详尽地介绍另一本可能存在的、聚焦于音乐创作与理论的著作，内容力求专业、深入，并避免提及原书中的任何特定概念。 --- 《和声的语境重塑：二十世纪以来西方音乐的色彩与逻辑演变》 作者：[虚构作者名，例如：林建文] 出版社：[虚构出版社名，例如：大地艺术文丛] 【内容概述】 本书深入探讨了自二十世纪初以来，西方音乐在和声语言、音高组织以及音乐结构构建上所经历的深刻转型与重塑过程。它并非对传统调性体系的简单回顾或批判，而是聚焦于在调性传统瓦解后，作曲家们如何发展出全新的、具有高度内部逻辑性的音高组织方法，以及这些方法如何反过来塑造了音乐的整体形态与听觉体验。 全书结构围绕“和声语境的解构与重建”这一核心主题展开，分为四个主要部分，旨在为音乐研究者、作曲专业学生以及资深乐迷提供一个既具理论深度又富含实践洞察的分析框架。 第一部分：调性边界的消融与早期探索 (1900-1945) 本部分首先梳理了晚期浪漫主义向现代主义过渡时期的关键转折点。我们细致考察了德彪西（Debussy）的色彩和声与莫里斯·拉威尔（Ravel）的精细化织体，强调了非功能性和声如何开始从服务于宏大叙事中解放出来。随后，重点分析了早期无调性实践的困难与局限性，特别是施特劳斯（Richard Strauss）晚期作品中和声张力的“悬置”处理。 核心章节深入剖析了“自由无调性”阶段，展示了作曲家如何运用音高集团（Pitch Classes Sets）的概念，尽管尚未形成严密的序列体系，但已展现出对音高间关系的系统性思考。此阶段的分析侧重于音乐的“平面化”趋势，即空间感与时间感的相对平衡，以及对传统解决导向的彻底放弃。 第二部分：序列主义的理论构建与实践张力 (1945-1970) 本书的第二部分将笔墨聚焦于“第二维也纳乐派”的继承与发展，特别是韦伯恩（Webern）的思想如何被战后一代（如布列兹、施托克豪森）所吸收并推向极致。我们详细辨析了“十二音序列”与“严谨序列主义”（Total Serialism）之间的本质区别与实践冲突。 对严谨序列主义的讨论，不仅限于音高、节奏、力度和时值的序列化，更重要的是探讨了这种结构化的尝试如何导致听觉上的“均匀化”困境。通过分析多部关键作品，揭示了作曲家如何在严格的数学模型与实际的音乐感知之间寻求动态平衡的努力。特别是，本部分详尽考察了序列主义在复调织体和对位逻辑中引入的非传统组织原则。 第三部分：非线性结构与音色场域的拓展 (1970至今) 随着序列主义的内部张力达到饱和，音乐创作转向了对“场域”（Field）概念的探索。本部分探讨了斯克里亚宾（Scriabin）后期的神秘主义和声如何间接地影响了某些后序列作曲家的音高选择，特别是那些关注“音高集合”而非“音高运动”的实践者。 重点分析了“泛调性”（Pan-tonality）与“泛序列主义”的交汇点。我们引入了关于“色彩和声”（Spectral Harmony）的理论基础，解释了如何通过对泛音列的深入理解，构建出基于声音物理属性而非传统音程关系的和声结构。分析工作不再侧重于“A到B的进行”，而是关注于声音在特定时间跨度内如何“生成”与“消散”。对位（Counterpoint）的概念在此被重新定义为“音色织体的动态交互”，而非传统意义上的旋律线间的逻辑关系。 第四部分：结构形态的再语境化与听觉接受 最后一部分将目光投向了音乐的整体结构形态，探讨了二十世纪以来的新结构主义如何影响了作品的呼吸与篇章布局。从布列兹的“指数结构”到极简主义（Minimalism）的“相位循环”，本书对比了不同流派在构建宏大叙事时所依赖的内在逻辑。 特别关注了“二性”在现代音乐中的体现——并非指传统对位中的对立与统一，而是指结构性严谨与听觉随机性之间的永恒张力。分析了当代作曲家如何运用概率模型、模糊逻辑以及非决定性的记谱法，邀请听众参与到音乐意义的构建过程中。本书试图回答：在一个和声不再提供功能指引的时代，音乐的“结构感”究竟如何维系？ 【本书特色】 1. 跨学科视野： 融合了结构主义美学、信息论以及声学物理学的最新研究成果，为理解复杂音乐结构提供了多维视角。 2. 详尽的谱例分析： 选取了近百部关键作品的精确小节分析，配以定制的音高集图表和织体密度模型，确保分析的准确性与可视化。 3. 强调逻辑的演进： 避免将现代音乐视为对传统的简单反叛，而是将其视为一套内部逻辑不断自我修正和深化的系统工程。 本书是音乐理论和作曲专业人士深入理解二十世纪至今西方音乐思维转变的必备参考书。它引导读者超越对传统和声标签的依赖，直接进入到声音组织的核心机制之中。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度和内容的密度是成正比的，内容组织上展现出一种近乎百科全书式的严谨性。我随便翻到其中一章关于“对位”技巧的讨论，发现其论述的广度远远超出了我们通常在基础和声学中接触到的内容。它似乎不仅仅是在讲解规则，更是在探讨限制中的自由，即如何在既定的框架内激发出最大的创造力。这种对音乐哲学层面的探讨，使得这本书不仅仅是一本技术手册，更像是一部关于音乐思维的“心法”秘籍。对于想要挑战更高阶创作技巧的人而言，这种由浅入深、层层剥离的讲解方式，无疑是极佳的指引。它要求读者投入大量精力去消化，但回报也将是巨大的认知提升。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实很考究，硬壳精装，拿在手里沉甸甸的，透着一股严谨学者的风范。扉页和目录部分的排版也十分清晰，字体选择上兼顾了易读性和学术气息。虽然我还没来得及细读每一章节，但光是翻阅前几页的引言部分，就能感受到作者在梳理音乐理论脉络时所下的苦功。他对基础概念的阐述，似乎没有采用那种生硬的、教科书式的灌输，而是更倾向于一种层层递进的引导，似乎在邀请读者一同探索音乐的深层奥秘。特别是初读时，那种对于音乐结构美学追求的细腻描述，让人对后续内容的期待值瞬间拉满。这种扎实的物质呈现，本身就为阅读体验定下了一个高标准，让人忍不住想找个安静的午后，泡上一杯茶，沉浸其中，去细细品味那些关于声音组织规律的精妙论述。

评分☆☆☆☆☆

从出版社的角度来看，上海音乐出版社的出品一向以其专业性和学术权威性著称。看到这本“精装本”的出版信息，我就知道这并非市面上那些快速消费的入门读物，而是瞄准了专业学习者和研究者的深度文本。封面设计虽然低调，但内页的纸张质量和印刷精度都非常出色，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。这种对细节的把控，体现了出版方对学术成果的尊重。我个人非常欣赏这种不追求花哨封面，而将所有精力投入到内容质量和阅读舒适度上的做法。对于需要经常在书中做大量批注和标记的人来说，这种高品质的内页处理简直是福音，它能保证书本在长期的研读使用中依然保持良好的状态。

评分☆☆☆☆☆

这本书的标题中提到了“二性”，这个概念在音乐理论书籍中并不常见，它立刻引起了我的好奇心。这似乎暗示着作者尝试从一种辩证的角度去审视音乐现象，或许涉及到了结构与流变、静态与动态、内在逻辑与外在感知之间的张力关系。如果作者能够成功地将这种二元对立的思考模式融入到对具体音乐作品的分析中，那么这本书的价值将不再局限于技术层面，而是上升到了方法论的层面。我期望看到的是，作者如何用这种创新的分析视角，去解读那些经典作品中那些看似矛盾却又和谐统一的音乐语言，从而拓宽我们对“结构”这一概念的理解边界，真正理解音乐是如何在对立统一中实现其生命力的。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期在音乐实践一线摸爬滚打的从业者，我深知理论与实践之间的那道微妙鸿沟。很多理论书籍往往过于抽象，读完后依然感觉无法将那些符号和规则真正转化为手中的乐器或指尖的键盘上的直观感受。然而，这本书的导读部分给我的感觉却是，它似乎试图在构建一个连接抽象思维与具体听觉经验的桥梁。作者似乎非常注重“如何看”和“如何听”的结合点，而不是仅仅停留在“是什么”的层面。这种对应用层面的关怀，对于我们这些需要将知识快速转化为创作灵感的学习者来说，无疑具有极大的吸引力。我特别留意了其中关于“形态”与“构态”的初步界定，它们之间的细微差别，暗示着作者对音乐语汇的拆解是多么细致入微，这比单纯的“曲式分析”要深入得多，更贴近作曲的本质。