世界经典名曲独奏系列单簧管独奏世界古典名曲简易版单簧管曲谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807519744

商品编码：29867508000

丛书名： 单簧管独奏世界古典名曲(简易版)(附CD)

出版时间：2012-05-01

目录

1．柔板(选自《“悲怆"奏鸣曲》，N0．8)
2．柔板(选自《A大调单簧管协奏曲》)
3．夜后(选自《魔笛》)
4．行板(选自《小号协奏曲》)
5．幸福精灵之舞(选自《奥尔菲斯与尤丽狄茜》)
6．弦乐小夜曲
7．我是一个快乐的捕鸟人(选自《魔笛》)
8．欢乐颂(选自《第九交响曲》)
9．“英雄"交响曲，N0．3(第I乐章)
10．“惊愕"交响曲，N0．94(第二乐章)
11．小步舞曲(选自《E大调弦乐四重奏》)
12．献给爱丽丝

内容推荐

《单簧管独奏世界古典名曲（简易版）》引进自德国朔特音乐出版社，专为管弦乐学习者量身定制。精选12首古典主义时期世界知名乐曲，改编成容易演奏的版本，配有管弦乐伴奏CD，提高演奏者的表演兴趣。CD中另外附有钢琴伴奏的乐谱文件，可以自行选择打印使用，适合练习时使用。

 

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好的，这里有一份关于其他音乐图书的详细简介，旨在避免提及您提到的那本单簧管曲谱的内容。 --- 《西方音乐史纲要：从古希腊到二十世纪的演变》 内容简介 本书旨在为音乐爱好者、学生以及对西方文化史有浓厚兴趣的读者提供一部全面而深入的西方音乐发展历程的概览。它不仅关注音乐风格的演变，更深入探讨了音乐与社会、哲学、政治环境之间的复杂互动关系。本书的结构清晰，时间线索明确，带领读者领略数千年音乐文明的辉煌成就。 第一部分：早期音乐的基石与中世纪的回响 本部分从西方音乐的源头——古希腊的音乐理论与实践说起。我们将探讨毕达哥拉斯的音程学说如何奠定西方音乐的数学基础，以及柏拉图哲学中音乐伦理（Ethos）的重要性。 随后，篇幅重点转向中世纪。我们将详细阐述早期基督教礼拜音乐的兴起，格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成及其在统一欧洲精神生活中的作用。分析单音音乐到复调音乐的过渡，重点介绍巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的作曲家如列奥宁和佩罗坦，以及他们如何通过有组织的节奏和声部编写，为后世的复调音乐开启了全新的视野。此外，游吟诗人的音乐、世俗歌曲的传统，以及十四世纪“新艺术”（Ars Nova）对节奏复杂性的追求也将得到细致的剖析。 第二部分：文艺复兴的和谐之声与巴洛克时期的辉煌 文艺复兴时期，人文主义思潮深刻影响了音乐创作。本章聚焦于复调音乐的黄金时代，尤其是奥兰多·迪·拉索、乔瓦尼·帕莱斯特里那等大师如何通过精妙的对位技术和文本的清晰表达，达到人声音乐的巅峰。我们也将探讨早期器乐的独立发展，如维也纳的键盘音乐和早期组曲的雏形。 进入巴洛克时期，音乐迎来了前所未有的活力与戏剧性。本书深入分析了歌剧的诞生及其早期发展，从蒙特威尔第的《奥尔菲欧》到亨德尔的清唱剧。重点章节将详细解读巴赫的复调艺术，如《平均律钢琴曲集》和赋格的结构奥秘，以及维瓦尔第协奏曲对器乐技巧的推动作用。同时，巴洛克时期的装饰音传统、通奏低音的实践，以及不同国家风格的交融（如意大利歌剧与法国芭蕾舞）将被系统地梳理。 第三部分：古典主义的平衡与浪漫主义的激情 古典主义时期是音乐结构美学和清晰形式的典范。本部分重点研究奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟及其在交响曲、奏鸣曲和四重奏中的应用。海顿的“交响曲之父”地位，莫扎特在歌剧和协奏曲中展现的无与伦比的旋律天赋，以及贝多芬如何通过突破性的情感表达和对传统形式的革新，预示了浪漫主义的来临，都将是核心讨论内容。 浪漫主义是个人情感和主观体验爆发的时代。本书详述了舒伯特、舒曼、肖邦等作曲家如何将诗歌文学融入艺术歌曲（Lied）中，以及弗朗茨·李斯特对钢琴技巧的极致拓展。同时，我们将探讨瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，它如何重塑了歌剧的面貌，以及晚期浪漫主义作曲家如布鲁克纳和马勒，如何通过宏大的管弦乐队编制来表达深刻的哲学思考和宇宙观。 第四部分：二十世纪的革命与多元探索 进入二十世纪，音乐的传统基础被彻底颠覆。本部分关注西方音乐如何应对工业化、两次世界大战以及心理学思潮的冲击。我们将分析德彪西和拉威尔所代表的印象主义对音色和氛围的独特处理。 深入探讨瓦解调性的过程：勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）及其序列主义的逻辑，以及斯特拉文斯基对原始节奏和原始主义（Primitivism）的运用，这些如何彻底改变了音乐的听觉体验。最后，本书将触及战后音乐的激进探索，包括第二维也纳乐派、野口音乐（Musique concrète）、电子音乐的出现，以及对西方中心主义的反思，展示了音乐在当代语境下的无限可能性。 结语 本书力求提供一个兼顾历史深度与广度的框架，帮助读者理解每一部音乐作品是如何在其特定的历史背景下诞生的。它不仅是音乐史的记录，更是对人类创造力与情感表达方式的探索之旅。 --- 《管弦乐队配器法与织体分析》 内容简介 本书是一本针对中高级音乐学生和专业作曲家的实用指南，专注于管弦乐队各个声部的特性、声音组合的原理以及在不同音乐语境下如何构建有效的音乐织体。本书强调理论与实践的结合，通过大量的乐队实例分析，教授读者如何“听见”并“书写”出富有层次感和色彩变化的管弦乐作品。 第一章：管弦乐队的结构与乐器家族 本章系统地介绍了标准交响乐队的构成，从木管组、铜管组、打击乐组到弦乐组。详细描述了每种乐器的物理特性、音域、音色特点以及其在乐队中扮演的典型角色。例如，我们将对比长笛与双簧管在不同八度的音色差异，以及圆号与小号在和声填充中的作用。 第二章：木管组的色彩调配 深入探讨木管乐器组的内部搭配技巧。分析如何利用长笛、双簧管、单簧管和巴松管的组合来创造特定的音色效果，如双簧管与单簧管的八度对位，或使用低音单簧管来增加织体的厚度。特别关注对位法在木管乐器声部间的运用，以及如何使用特殊技巧（如颤音、泛音、气音）来拓展其表现力。 第三章：铜管组的力量与辉煌 铜管组是乐队力量的源泉。本章着重于小号、圆号、长号和低音大号的音域特性和力度控制。分析圆号在连接木管与铜管声部中的桥梁作用，以及长号与大号在低音区的支撑效果。重点剖析了如何通过调整不同铜管乐器的进入点和演奏方式（如使用弱音器），来控制音响的穿透力和饱和度。 第四章：弦乐组的基石作用与表现技巧 弦乐组是管弦乐队的心脏。本章详细分析了小提琴（一、二部）、中提琴、大提琴和低音提琴的音域划分和功能分配。探讨了弓法（如断弓、连弓、跳弓）对音色和节奏的决定性影响，以及揉弦、泛音、拨弦等特殊技法在营造不同情感氛围中的应用。通过具体范例，展示如何构建密集的和声织体或稀疏的对位线条。 第五章：打击乐组的节奏与音色点缀 打击乐在现代管弦乐中远超简单的节奏支持。本章分类介绍了膜鸣乐器、有音高打击乐器（如定音鼓、木琴）和无音高打击乐器的使用规范。重点分析了定音鼓如何与低音弦乐共同构建节奏和和声基础，以及其他打击乐器如何作为色彩化的音色“闪光点”，精确地出现在音乐的特定时刻。 第六章：织体构建与声部布局的原则 本章将理论应用于实际的作曲实践中。讨论了如何根据音乐的密度需求选择合适的声部布局（如宽广的弦乐和弦、紧凑的铜管和弦）。分析了不同类型的织体，如主调织体、复调织体和混合织体在不同乐章或段落中的功能性转换。通过对经典交响曲片段的分析，指导读者掌握声部平衡、避免乐器间的互相掩盖，从而创作出清晰、立体且具有逻辑性的管弦乐织体。 第七章：管弦乐配器的历史演变与风格借鉴 本章回顾了配器法从早期古典主义到后浪漫主义的发展轨迹，理解不同历史时期的作曲家如何根据当时的乐器技术和审美取向来组织乐队。通过比较不同时代对同一乐器组的使用方式，帮助学习者理解风格化的配器选择，避免生搬硬套，实现创作意图与乐队音响之间的完美统一。 --- 《键盘音乐的审美与技巧：从巴洛克到印象主义》 内容简介 本书是一部聚焦于键盘乐器（主要指钢琴及其前身，如羽管键琴、大键琴）独奏作品的深入研究读物。它不仅涵盖了技术层面的演奏要求，更深入挖掘了不同历史时期键盘音乐在审美理念、结构设计以及作品内涵上的独到之处。本书旨在提升演奏者的音乐理解力，并为键盘乐器作品的演奏者和研究者提供一个坚实的理论与历史背景。 第一部分：巴洛克键盘音乐的逻辑与结构 本章从大键琴音乐入手，重点分析巴赫的键盘作品，如《哥德堡变奏曲》和平均律作品。讨论了巴洛克时期对位法的严谨性，装饰音的演奏规范，以及键盘作品中“一台乐器承载多声部”的独特挑战。同时，也将涉及早期的组曲结构、托卡塔和赋格的创作原则。 第二部分：古典主义键盘音乐的清晰与平衡 古典主义时期，钢琴作为乐器开始取代羽管键琴，其力度变化能力深刻地影响了音乐的表达。本节分析了海顿、莫扎特奏鸣曲中的清晰结构和清晰的对位线条。探讨了奏鸣曲式在键盘作品中的应用，以及如何通过精妙的触键和踏板的谨慎使用，来体现古典主义对“自然”与“平衡”的追求。 第三部分：浪漫主义键盘音乐的情感深度与技巧革新 浪漫主义标志着键盘音乐进入了个人情感的表达高峰。本书将详细分析肖邦的夜曲、叙事曲和练习曲，如何将民族色彩、诗意旋律与前所未有的演奏技巧完美融合。同时，李斯特对钢琴技巧的拓展，如八度连奏、跨越音域的琶音，以及如何通过踏板创造出“管风琴般”的宏大音响，是本章的核心内容。舒曼的作品则侧重于描绘文学形象与内心独白。 第四部分：二十世纪的声响探索与技术挑战 进入二十世纪，键盘音乐的审美转向多元化。本章探讨印象主义作曲家（如德彪西）如何利用钢琴的共鸣和延音踏板，创造出水波般流动和色彩斑斓的音响效果，挑战传统的和声逻辑。接着分析了具有强烈节奏感和结构性的作品，以及作曲家们如何利用现代钢琴的全部音域和技术可能性，去探索新的音乐语言。 第五章：演奏诠释中的“风格纯正性” 最后，本书将探讨在演奏不同时代的作品时，如何平衡历史准确性与个人诠释的自由度。讨论了关于力度记号、速度术语以及踏板使用的历史文献和现代争议，旨在帮助演奏者形成一套成熟的、基于深刻理解的演奏哲学。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期在寻找高质量独奏曲目的单簧管学习者，我深知教材的实用性才是王道。很多“简易版”的曲谱，要么是把难度降得太低，失去了原作的艺术价值，要么就是为了“简易”而牺牲了音乐的流畅性，使得演奏听起来像是由零碎片段拼凑而成。我非常好奇这本《世界经典名曲独奏系列》是如何平衡“经典”与“简易”这两个概念的。我希望它在技巧处理上，能够针对性地解决一些单簧管演奏中的常见难点，比如跨越指区时的平稳过渡，或者在弱音下保持音色的稳定。如果它能附带一些指法对照表或者指尖位置的图示，那对提升演奏的精准度将是巨大的帮助。而且，古典名曲往往带有特定的时代背景和演奏习惯，如果曲谱中能提供一些背景知识的小插曲，让我了解这些乐曲创作时的心境，我相信我演奏出来的音乐会更有深度和情感，不至于仅仅是机械地吹奏出正确的音高和节奏。

评分☆☆☆☆☆

我最看重的是这套曲谱是否能提供足够的“可塑性”。古典音乐的魅力之一就在于诠释的自由度，即使是简易版，也不应该变成僵硬的模板。我期待里面的乐谱在标记上是清晰但又不失开放性的。比如，它应该清晰地标出基本的强弱记号和速度提示，但对于揉弦、气流控制等更细微的情感表达上，应该留给演奏者一定的想象空间和发挥余地。我希望能通过这些简易的改编曲目，逐步适应更复杂的复调处理和更宽广的情感表达范围。如果它能收录一些不同时期、不同风格的曲目，比如从维也纳古典乐派的清晰明快到晚期浪漫主义的浓郁醇厚，我就能在一个练习册里就完成一次跨越式的音乐风格体验。这种系统性的、兼顾了广度与深度的选择，才是真正对学习者有价值的“经典”呈现。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了用单簧管演奏一些带有人文情怀的旋律，那些经过时间沉淀下来的曲子，总能触动心底最柔软的部分。这本曲谱的出版对我来说简直是个及时的雨露。我特别关注乐谱的排版质量和印刷清晰度，因为这直接影响到练习时的心情和效率。如果谱子印得模糊不清，或者音符之间挤得太乱，我光是辨认音符就要花费大量时间，这极大地打击了学习的积极性。我希望这套书的制谱者在处理这些简易版时，不仅仅是做简单的音符删减，而是真正理解了单簧管这件乐器的发声特点和演奏逻辑。例如，在处理那些需要长呼吸的乐句时，是否能巧妙地安排换气点，让旋律的连贯性不受太大影响。如果它能提供一些关于演奏风格的简短说明，比如“此段应更注重连音的圆润感”，那就太棒了。期待它能成为我从“会吹”到“会‘唱’”的一个重要桥梁，让我真正体会到古典音乐的魅力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这类精选集总是抱持着一种谨慎的期待。毕竟，“世界经典”这个标签背负着太高的期望。我更倾向于那些能够帮助我建立起扎实演奏习惯的曲目。例如，巴赫的一些赋格选段，即使是简化版，也需要极强的逻辑性和清晰的声部分离能力。我希望这本曲谱中的曲目选择，不仅限于那些耳熟能详的大众曲目，也能包含一些“隐藏的宝石”，那些虽然不如协奏曲那样出名，但在技术和音乐性上同样值得深入挖掘的小品。如果这本书的装帧设计能考虑到实用性，比如采用方便平摊在谱架上的硬纸张，而不是那种容易卷边的轻薄纸张，那简直是加分项。在练习中，频繁翻页和调整乐谱是非常令人分心的，一个稳定、耐用的乐谱本身就是一种对演奏者专注力的保护。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常雅致，那种深沉的蓝色调配上烫金的字体，让人一眼就能感受到它所蕴含的经典气息。我一直梦想着能系统地学习一些世界级的古典名曲，但市面上很多教材要么难度太大，要么编排得过于随意。这本《世界经典名曲独奏系列单簧管独奏世界古典名曲简易版》正中下怀。首先，它的选曲范围相当广阔，从巴洛克时期的精巧小品到浪漫主义时期的抒情旋律，几乎囊括了我所有钟爱的作曲家。翻开目录，就能看到像莫扎特的协奏曲选段、肖邦的夜曲改编，甚至是德彪西的一些印象派小品，这让我非常兴奋。我尤其期待那些被改编得既保留原曲神韵，又适合单簧管初学者或中级学习者演奏的版本。对于我们这些业余爱好者来说，太复杂的指法和过快的速度往往是学习路上的拦路虎，所以我非常看重“简易版”这个定位。希望它在音域的控制和技巧的处理上，能做到既能练习到基本功，又不会让人望而却步，真正实现普及古典音乐欣赏和演奏的目的。