原版引进环球经典名曲导读续集34 里姆斯基-科萨科夫作品分析 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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编者李修建 编，李修建 译

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• 古典音乐
• 里姆斯基-科萨科夫
• 音乐分析
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• 名曲
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• 音乐史
• 作曲家
• 俄罗斯音乐

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 中国文联出版社

ISBN：9787519013042

商品编码：29867529444

丛书名： 国外艺术人类学读本

开本：16开

出版时间：2016-07-01

经典唱片，展现世界指挥家，演奏家精湛艺术，解读大师文本，对作品逐分逐秒分析，集音乐知识和背景介绍于一体。
经典聚积精神的财富，名曲抚慰心灵的世界，本碟为上海文艺音像出版社原版引进的“大剧院艺术课堂”《环球经典名曲导读》

系列总汇。“环球经典名曲导读”系列如同一张聆听、体会、走近伟大音乐家的音乐地图。

 

 

 

目录 舍赫拉查德交响组曲(天方夜谭)作品35
1．大海与辛巴达的船
2．僧人的故事
3．王子和公主
4．巴格达的节日和辛巴达的船
撞上立有骑士铜像的峭壁
西班牙随想曲作品34
1．晨曲
2．变奏曲
3．晨曲
4．吉卜赛之歌
5．阿斯都利亚之凡丹戈舞曲

经典唱片，展现世界指挥家，演奏家精湛艺术，解读大师文本，对作品逐分逐秒分析，集音乐知识和背景介绍于一体。
经典聚积精神的财富，名曲抚慰心灵的世界，本碟为上海文艺音像出版社原版引进的“大剧院艺术课堂”《环球经典名曲导读》系列总汇。“环球经典名曲导读”系列如同一张聆听、体会、走近伟大音乐家的音乐地图。

内容推荐 尼古拉·里姆斯基－科萨科夫：1844年3月18日生于俄国诺夫戈罗德省齐赫文，1908年6月21日卒地圣彼得堡省鲁本斯克。
尼古拉．安德烈耶维奇·里姆斯基-科萨科夫于1844年3月、18日出生于俄国诺夫戈罗德省齐赫文市。他很早就开始接受音乐教育，从幼年起就展现了非凡的天赋，然而他却沿袭了家族长久稳定的传统，投身子海军事业。但他从未间断过他的音乐学习。17岁日寸与作曲家米利·巴拉基列夫（MILY BALAKIREV）的结识注定了他将走向音乐创作的道路。在被称做“强力集团’’的俄罗斯民族乐派的成员中，除了里姆斯基和巴拉基列夫外’还包括居伊、穆索尔斯基和鲍罗丁。如果说穆索尔斯基是其中具十性同日寸也是出彩的作曲家的话，那么里姆斯基-科萨科夫作为集团中年轻的成员，则是专业创作水准高的一位。 编辑推荐 DG经典唱片，展现世界指挥家，演奏家精湛艺术，解读大师文本，对作品逐分逐秒分析，集音乐知识和背景介绍于一体。
经典聚积精神的财富，名曲抚慰心灵的世界，本碟为上海文艺音像出版社原版引进的“大剧院艺术课堂”《环球经典名曲导读》系列总汇。“环球经典名曲导读”系列如同一张聆听、体会、走近伟大音乐家的音乐地图。
作为俄国海军准尉，里姆斯基－科萨科夫转而投身于音乐事业，戏剧性地改变了自己的人生，他在配器方面的高超技巧，令人刮目相看，他的交响作品则在一个世纪里流传回荡。

 

《光影之间：二十世纪电影配乐的演变与审美研究》 书籍简介 本书深入探讨了二十世纪以来，电影配乐如何从最初的纯粹功能性背景音，逐步演化成为与影像叙事并驾齐驱的独立艺术形式。我们将以时间为轴，辅以详尽的案例分析和音乐理论视角，勾勒出电影音乐风格的流变图景，并着重剖析技术进步（如同期录音的普及、电子合成器的应用）以及文化思潮（如现代主义、后现代主义）对配乐创作带来的深刻影响。 第一部分：无声时代的余晖与有声的开端（1900-1930年代） 本章首先回顾了默片时代为电影画面“配乐”的实践，包括钢琴伴奏、管弦乐团的现场演奏，以及早期配乐库（Cue Sheets）的建立。重点分析了早期配乐如何服务于叙事节奏和情绪烘托，往往采用直接模仿或引用既有古典音乐片段的方式。 随后，我们将聚焦于有声电影的诞生及其带来的颠覆性变革。1927年《爵士乐之王》的问世，标志着音乐从伴奏物转变为叙事元素。早期的有声片配乐，尤其是好莱坞黄金时代的奠基者们，如何确立了“米高梅（MGM）风格”或“维也纳学派”的叙事性管弦乐传统。我们详细分析了早期电影音乐的“莱特莫蒂夫”（Leitmotif）概念的引入和成熟运用，探讨了这种瓦格纳式的音乐语言如何在视觉媒介中得到新的生命。重点考察了马克斯·施特劳斯（Max Steiner）在《金刚》（King Kong, 1933）中对史诗感的塑造，以及埃里希·沃尔夫冈·科恩戈尔德（Erich Wolfgang Korngold）如何将浪漫主义管弦乐的宏大叙事技巧完美嫁接到好莱坞冒险片中。本部分强调了此时期配乐在构建梦幻感和情感夸张上的核心作用。 第二部分：二战阴影下的音乐转型与类型片深化（1940-1950年代） 二战前夕及战时，电影工业的现实主义倾向抬头，配乐也随之做出调整。本章将详细剖析黑色电影（Film Noir）的音乐特点。与宏大叙事相对，黑色电影配乐转向内省、焦虑和都市疏离感。我们分析了汉斯·艾斯勒（Hanns Eisler）的社会批判视角，以及伯纳德·赫尔曼（Bernard Herrmann）在《公民凯恩》（Citizen Kane, 1941）中对声音空间和非传统乐器使用的开创性实践。赫尔曼对极简主义和重复动机的运用，为后来的现代主义配乐铺平了道路。 战后，好莱坞进入了类型片高度成熟的阶段。本节细致考察了西部片（如迪米特里·蒂奥姆金的贡献）和歌舞片中音乐的结构性作用。重点对比分析了传统好莱坞“大编制管弦乐”与新兴的，更具现代主义色彩的“室内乐式”配乐在表达复杂人性方面的差异。此外，我们也关注欧洲电影，特别是意大利新现实主义电影配乐的简朴性，探讨其如何反映战后重建的社会氛围。 第三部分：现代主义的冲击与电子音乐的介入（1960-1970年代） 1960年代，全球文化思潮的剧变彻底打破了传统好莱坞的音乐范式。本章聚焦于配乐的“去浪漫化”过程。 首先，我们将探讨爵士乐与摇滚乐在电影配乐中的全面渗透。从前卫爵士乐对“自由即兴”精神的引入，到摇滚乐团直接参与电影配乐创作（如《邦尼与克莱德》），音乐语言变得更加粗粝、直接，并与青年文化紧密结合。 其次，是电子音乐技术的爆炸性应用。我们详细分析了合成器（Synthesizer）的引入如何改变了音色库的可能性。莫里康内（Ennio Morricone）在“意大利式西部片”中的创新尤为关键，他将口哨、人声、电吉他和非传统打击乐器融入宏大管弦乐背景中，创造出一种前所未有的、极具地域特色的“声音景观”。我们将分析他的“环境音乐化”手法如何挑战了传统好莱坞的清晰叙事音乐逻辑。 在欧洲，我们也将考察法国新浪潮（Nouvelle Vague）的音乐美学，探讨其对配乐“留白”和“非功能性”音乐的偏爱，以及其对传统叙事完整性的解构。 第四部分：商业大片的复兴与技术融合（1980年代至今） 进入1980年代，随着电影工业的商业化和特效技术的飞速发展，电影配乐经历了又一次的回归与重塑。本章考察了约翰·威廉姆斯（John Williams）对1930年代浪漫主义管弦乐传统的成功“复古”与“现代化”实践。威廉姆斯如何通过运用复杂的对位技巧、清晰的莱特莫蒂夫结构，并结合现代录音技术，为科幻和奇幻大片重新定义了史诗配乐的标准。 与此同时，电子合成技术和数字采样技术（Digital Sampling）的成熟，使得配乐制作的成本结构和音色范围发生了根本性变化。本节将对比分析数字电子乐与传统管弦乐在动作片和惊悚片中的并置与融合，探讨数字配乐如何处理复杂的多层次叙事。 我们还将审视后90年代以来，独立电影和独立音乐人对配乐的冲击。配乐作者越来越多地采用极简主义、氛围音乐（Ambient Music）或后摇滚（Post-Rock）的元素，追求一种更隐蔽、更内化于角色心理的听觉体验，以对抗商业大片的“过度配乐”趋势。本书最后将探讨互动娱乐（如电子游戏配乐）对电影配乐创作理念的启发与反哺，展望未来声音设计与音乐创作界限的进一步模糊化趋势。 全书力求通过对跨越世纪的数百部电影配乐案例的细致辨析，揭示电影音乐作为一种复杂媒介语言的内在张力、技术依赖性和永恒的审美追求。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐爱好者的福音！我拿到手后立刻被它精美的装帧和厚实的纸张所吸引，可见出版社在制作上是下了大功夫的。这本书的排版布局非常合理，曲谱的清晰度高，注释详尽，即便是初学者也能很快上手。我尤其欣赏作者在乐理分析方面的独到见解，很多我之前一直困惑不解的细节，通过这本书的解读豁然开朗。它不仅仅是一本简单的曲目集，更像是一位经验丰富的大师在手把手地教你如何去欣赏和理解古典音乐的精髓。里面的插图和历史背景介绍也很有意思，让人仿佛置身于那个辉煌的音乐时代。我强烈推荐给所有热爱音乐，并且希望提升自己鉴赏水平的朋友们。这本书绝对值得收藏，反复阅读和研究。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都超出了我的预期。一开始我还担心内容会不会过于学术化，但读起来却发现作者的文笔非常流畅且富有感染力。他不仅仅是在罗列事实，更是在讲述音乐背后的故事和情感。每一首曲子的背景、创作动机、技术难点都被剖析得淋漓尽致，让人在阅读的过程中，不仅学到了知识，更收获了一种沉浸式的艺术体验。我特别喜欢它对不同演奏版本之间的对比分析，这让我对同一个作品有了更立体的认识。对于那些想要深入研究音乐史或者准备进行相关专业学习的人来说，这本书无疑是一份不可多得的宝贵资料。它为理解音乐的复杂结构提供了一个清晰的路线图。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我收到这本书时有些犹豫，因为市面上关于这个主题的书籍已经不少了。然而，这本书的切入点非常新颖，它没有落入俗套地重复那些已经被说烂了的知识点，而是聚焦于一些非常细微但至关重要的技术点和美学观点。作者的分析角度非常独特，仿佛提供了一副全新的“X光眼镜”，让我得以窥见音乐结构深处的奥秘。阅读过程中，我时不时地会停下来，拿起乐器尝试演奏书中所描述的段落，那种将理论与实践完美结合的感觉，真的非常棒。这本书是那种可以让你在不同人生阶段都有新发现的宝藏，它的价值是会随着你的阅历增长而不断提升的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的古典乐迷，我一直在寻找一本能够系统性梳理作曲家作品脉络的参考书，而这本书完美地填补了我的这一需求。它的结构设计得非常巧妙，从早期作品的探索到成熟期的辉煌，再到晚期风格的演变，层次分明，逻辑清晰。作者的专业素养毋庸置疑，他对和声、对位、配器法的理解深刻而独到，提出的见解往往能引发我更深层次的思考。更棒的是，书中还附带了一些罕见的早期版本对比，这对于研究音乐的演变过程来说，价值简直是无法估量的。这本书不仅是知识的积累，更是一种思维方式的训练，让我学会了如何用更具批判性的眼光去审视艺术作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一种艺术享受，拿在手里沉甸甸的，很有分量感。内容上，作者展现出了极高的学术严谨性，每一个论点都有充分的史料支撑，引用的注释清晰准确，让人读来非常放心。我特别欣赏它在处理那些宏大叙事时，依然能保持对细节的关注，比如对特定音色的描绘，对织体复杂性的解释，都处理得恰到好处，既不枯燥，也不失深度。它更像是一本音乐学者的案头必备工具书，无论你是想快速查找某个作品的要点，还是想进行深入的学术研究，这本书都能提供最可靠的参考。我已经把它放在我的书架最显眼的位置，准备长期研读了。