和声通用教程 第1卷 祁光路 教材 研究生 科 专科学习教材和声通用教程(1) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787805537221

商品编码：29867543384

丛书名： 和声通用教程(1)

开本：16开

出版时间：1998-09-01

 

目录

 

序

章 绪论
第二章 四部和声
第三章 和声进行与和弦功能
第四章 用正三和弦为平稳旋律配和声
第五章 同和弦转换
第六章 用正三和弦为跳进旋律配和声
第七章 为低音配和声
第八章 和声写作与和声分析
第九章 为歌曲配和声（一）
第十章 正三和弦的转位——六和弦
第十一章 正三和弦的第二转位——和弦
第十二章 属七和弦
第十三章 属七和弦的转位
第十四章 为歌曲配和声（二）
第十五章 属九、属十一与属十三和弦
第十六章 副三和弦
第十七章 和弦外音
第十八章 副七和弦
第十九章 副属和弦
第二十章 近关系转调
第二十一章 为歌曲配和声（三）
参考书目
附录：和声试卷选辑

内容提要

 

经过周密细致的研究和讨论，编委会确定本教程卷为“普及卷”，主要内容始于“正三和弦”，结束于“近关系转调”；第二卷为“提高卷”，接续卷内容，结束于“等和弦转调”，并简单介绍近现代和声的知识；第三卷为“键盘和声与织体写作，’卷，亦分为上、下两篇，上篇着重键盘和声公式与织体样式的介绍和训练，下篇着重伴奏织体的应用与写作实践。除外，编委会还对诸如和声学术语、和弦标记等进行了规范性的探讨和统一。

本教程卷、章、节的内容力求精练，博采众长，一般都含有基本教材与补充教材双重构成的因素，同时，蕴有教法的内涵。执教者可根据本地区、本单位学生的实际水准相应灵活地进行处置，或选讲、略讲，或突出重点、难点。课堂练习与习题部分，亦应因地制宜、因材施教，或泛选、精选或侧重于写作，或侧重于分析。唯在卷第十五章之前，写作与分析适宜兼顾并重；尔后，前者的要求和比重可以逐渐减弱；后者的要求和比重则可逐渐增强。

 

音乐理论与实践的宏伟蓝图：《和声通用教程 第1卷》之外的探索之路 本篇简介旨在描绘一套与《和声通用教程 第1卷 祁光路 教材 研究生 科 专科学习教材和声通用教程(1)》在内容、深度和侧重点上存在显著差异的音乐理论与实践教材体系。我们着重介绍一套着眼于更广阔的音乐视野、更深入的跨学科应用，以及更侧重于现代与非传统和声体系构建的教材群，确保读者能够清晰理解其价值定位和学习目标，并明确避免与祁光路先生的经典教程产生内容上的重叠。 --- 第一部分：超越基础——面向二十世纪及以后的和声进阶研究 教材名称：《二十世纪及后浪漫主义和声结构解析与应用》（上下两册） 面向读者： 音乐专业高年级本科生、硕士研究生、作曲与音乐分析专业人士。 核心差异点： 祁光路的教程侧重于建立坚实的古典/浪漫主义和声基础（Tonic-Dominant体系的精细运作、功能和声的规范化）。而本系列教程则直接聚焦于“功能和声的瓦解与重构”，将学习的起点设置在瓦格纳后期、德彪西、斯特拉文斯基以及第二维也纳学派的复杂和声语言之上。 内容深度与广度： 1. 调性边界的模糊与消融： 深入分析“中音域和弦”（Middlespace Chords）、全音阶、五度与四度音程的扩展应用。重点剖析德彪西（Debussy）对传统三和弦色彩的调色板式处理，以及拉威尔（Ravel）如何将印象主义和声融入清晰的结构中。 2. 十二音体系与序列主义的理论基石： 这部分内容完全不涉及基础教程中的三、四和弦连接。它详细阐述了勋伯格（Schoenberg）的十二音矩阵构建规则、奥涅格（Oneggher）的音组（Set Theory）的几何学意义，以及韦伯恩（Webern）的对位性序列织体。强调“非功能性”和声关系的逻辑性。 3. 非功能性调性与扩展和声（Extended Tonality）： 探讨后浪漫主义作曲家如理查·施特劳斯和马勒晚期作品中，调性中心虽存但和声功能被极度稀释的状态。引入“侧向进程”（Parallels）与“音高集合理论”（Pitch Class Set Theory）的基础工具，为学习当代音乐打下严谨的数学基础。 4. 节奏与和声的耦合： 分析斯特拉文斯基如何使用多调性、声部独立运动和不规则的节拍组织来解构传统的功能和声，例如在《春之祭》中的和声块状堆叠与碰撞。 实践目标： 使学习者能够分析二十世纪上半叶的复杂音乐文献，并尝试以严谨的序列逻辑或集合理论原则进行创作实践。 --- 第二部分：跨文化与现代语境下的和声拓展 教材名称：《非西方音乐传统中的音高组织与和声思维》（跨文化比较和声学） 面向读者： 民族音乐学、音乐人类学专业学生、希望拓展创作视野的作曲家。 核心差异点： 祁光路的教程根植于西方音乐的“垂直审美”——即和弦的叠置与解决。本教程则彻底转向“水平线性思维”和“集体音响”的概念，探索那些不以三度叠置为核心构建逻辑的音乐体系。 内容深度与广度： 1. 中东与南亚音乐的音阶与调式： 深入讲解印度音乐的“拉格”（Raga）系统，解析其与西方大小调的结构性差异，重点研究微音（Microtones）如何影响听觉对“和谐”的感知。分析阿拉伯“马卡姆”（Maqam）体系中，音程的精确划分如何替代传统的功能导向。 2. 东方五声音阶的复调运用： 探讨中国传统音乐（如雅乐、昆曲）的五声体系（宫、商、角、徵、羽）在进入西方复调语境后，如何发展出独特的“色彩性和声”——强调和弦的并置美而非解决性。 3. 非洲音乐的节奏与和声： 聚焦于西非复节奏（Polyrhythm）与多音性（Polyphony）的交织。分析集体即兴中，不同声部如何独立运作，形成一种动态的、非预设的和声场域，这与西方预先写定的和声截然不同。 4. 电子音乐与声音合成中的“虚拟和声”： 探讨如何使用合成器、采样器技术（如颗粒合成、傅里叶分析）来创造不存在于传统乐器组合中的音响结构。重点分析如何通过频谱分析来定义一个“和声”——此时，和声不再是音高集合，而是频率能量的分布图。 实践目标： 培养学生对“和声”概念的相对性理解，能够运用非西方音乐思维工具进行听辨、分析和创作。 --- 第三部分：和声的逻辑与结构基础——数学与算法视角 教材名称：《群论、集合论在音乐结构分析中的应用基础》 面向读者： 对音乐的底层数学逻辑感兴趣的理论研究者、高级作曲/计算机音乐方向学生。 核心差异点： 基础教程教授“怎么做”的和声规则；本教程则探究“为什么”这些规则（或反规则）可以被系统化。它使用抽象代数工具来描述和声现象。 内容深度与广度： 1. 音高集合论（Pitch Class Set Theory）的系统化： 详尽介绍集合的“正向”（Prime Forms）、“转换”（Transposition）和“逆行”（Inversion）操作。这套工具专门用于描述无调性音乐中的音高关系，是分析序列音乐的必备语言。 2. 音乐中的对称性与变换群： 引入抽象代数中的“群论”（Group Theory）概念，将八度循环视为一个模数12的群结构。分析和声连接如何映射到集合的变换操作上，例如，特定类型的半音进行（Chromatic Mediants）在数学上属于哪一类变换。 3. 算法作曲中的随机性与约束： 探讨如何使用概率模型（如马尔可夫链）来模拟或生成和声进行。这涉及从概率分布的角度理解古典和声的“倾向性”，并将其转化为可编程的逻辑规则。 4. 拓扑学在音乐空间中的应用： 概念性介绍如何将音高空间视为一个环面（Torus）或特定几何结构，以便直观地理解某些“远距离”和声连接（如大三度转位）在空间上如何比邻近的连接更“接近”。 实践目标： 掌握使用严谨的数学语言对音乐结构进行编码、分析和生成的能力，为进入计算机音乐和高级理论研究铺平道路。 --- 总结： 上述三套教程体系，分别侧重于后调性时代的复杂解析、跨文化视角的思维拓宽，以及和声逻辑的底层数学构建。它们的目标群体和分析范畴均明确地位于祁光路先生《和声通用教程 第1卷》所构建的严谨古典和声框架之外，旨在为学习者提供一个更加广袤、更具前瞻性和批判性的音乐理论学习路径。这些内容不涉及对传统三和弦功能进行基础性梳理或规范化训练，而是直接处理规则的边界、例外和颠覆。

评分☆☆☆☆☆

更让我感到惊喜的是，这本书在维护其学术严谨性的同时，展现出了一种令人信服的包容性。它没有将某种特定的音乐风格或体系奉为圭臬，而是以一种开阔的视野来审视和声学的演变历程。在讲解传统古典和声的坚实基础之后，书中引入了一些关于现代和声语汇的初步探讨，虽然篇幅不多，但足以让人感受到音乐语言的生命力和持续发展性。这种前瞻性的视角，让这本书不仅适合当下正在学习的学生，更像是一份可以长期陪伴的参考书，随着我们音乐理解力的提高，每次重读都会有新的领悟。它像一位耐心的导师，在你人生的不同阶段，为你揭示不同的层面。阅读过程中，我能感受到一股强大的学术自信，这种自信源于对学科本质的深刻把握，而不是故作高深的堆砌辞藻。它成功地在“经典传承”与“面向未来”之间找到了一个绝佳的平衡点，让学习者在坚守根基的同时，也能心怀对未知音乐世界的探索欲。

评分☆☆☆☆☆

对于一个习惯了碎片化学习的现代学习者来说，这本书的阅读体验简直是一次“沉浸式的心灵重建”。它要求你慢下来，非常慢地走完每一步。书中提供的练习题设计得非常巧妙，它们不是那种简单的套路题，而是充满了“陷阱”和需要创造性解决问题的地方。每一次尝试写出自己的和弦进行时，我都感觉自己像是一个初涉炼金术的学徒，面对着未知的化学反应。当我发现自己的作品在某个转折处显得生硬或不自然时，我不得不翻回去重新审视相关的理论章节，往往能从中找到被我忽略的关键细节。这种强迫性的、自洽的反馈循环是高效学习的关键。它不给你现成的答案，而是为你设置好了一系列严苛的检验标准，让你在不断的试错和修正中，将理论内化为本能的音乐直觉。这种从“知道”到“做到”的漫长而艰辛的过渡过程，在这本书的引导下，变得有迹可循，不再是盲目的摸索，而是精准的、目标明确的攀登。

评分☆☆☆☆☆

这本书在工具性和应用性方面的考量也做得非常周全，让人感觉编者真的站在了学生的角度去设计教学路径。它并没有将所有的篇幅都压在抽象的理论上，而是巧妙地穿插了大量与实际演奏和作曲紧密相关的应用案例。书中对于如何将理论知识转化成键盘上的手指动作，或是如何将其应用到管弦配器中去处理特定的音色冲突，都有着非常具体的指导。特别是关于转调和离调和弦的运用部分，作者给出了一系列极富创意的“桥梁”方案，这些方案不仅合乎逻辑，而且听起来非常悦耳，极大地拓宽了我对音乐色彩的想象空间。通过对这些案例的模仿和拆解，我发现自己对听觉材料的敏感度正在潜移默化地提高。以前听音乐时只是享受旋律，现在则能清晰地“听见”背后的骨架，辨别出哪些是功能性和声，哪些是色彩性的修饰。这种从被动接受到主动分析的转变，是任何一本只停留在表面的教材无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版简直是一场视觉上的盛宴，细节之处无不透露出编者对知识的尊重与匠心。封面设计简约而不失格调，选用了一种沉稳的深蓝色调，搭配烫金的书名，在光线下泛着低调而奢华的光泽。内页纸张的选择也相当考究，触感温润，油墨的印刷清晰锐利，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到过度的疲劳。字体的大小和行距经过精心调整，阅读起来非常舒适流畅，仿佛作者的思路就那样自然地铺陈在眼前，引领着读者一步步深入。尤其是那些复杂的乐理图示和和弦进行范例，插图清晰明了，色彩过渡自然，极大地降低了初学者的理解门槛。不得不提的是，这本书的结构逻辑极其严谨，每一章的过渡都如同精密的机械装置般咬合得天衣无缝，让人在翻阅时能清晰地感受到知识体系的层层递进，而不是零散的知识点堆砌。这不仅仅是一本教材，更像是一件精心制作的艺术品，捧在手中就能感受到一股宁静而专业的氛围，让人情不自禁地想要沉浸其中，与书中的智慧进行深度对话。这种对实体呈现的极致追求，无疑为枯燥的学习过程增添了极大的愉悦感。

评分☆☆☆☆☆

我用了将近一个月的时间来研读这本教材的初始章节，最大的感受是它在阐释理论时所展现出的那种近乎于哲学的思辨深度。它并非简单地罗列“是什么”和“怎么做”，而是深入探究“为什么会这样”。作者在讲解基础的声部写作原则时，引述了大量的历史背景和不同流派的观点进行交叉对比，使得每一个规则都有了深厚的文化土壤作为支撑。这让我明白，和声学远不止于一套机械的规则，它是一门关于听觉美学和逻辑构建的艺术。例如，书中对平行五八度的讨论，不再是生硬的“禁止”，而是从声音的共振特性、听觉的饱和度等多个维度进行深入剖析，这种追本溯源的讲解方式，让我对这些看似陈旧的禁忌产生了全新的认识和尊重。阅读过程中，我经常需要停下来，合上书本，在脑海中反复构建这些理论的内在联系。它强迫你调动起所有的理性思维，去理解声音如何在空间中流动、如何相互作用，并最终形成一种统一而和谐的整体感受。这种对“深度理解”的执着，让这本书的价值远远超出了普通入门指南的范畴。