全国古筝考级曲目辅导示范六级(2VCD) 先恒正版 林玲 讲解示范科尔托 肖邦前奏曲演奏指南 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544470476

商品编码：29867545821

丛书名： 科尔托 肖邦前奏曲演奏指南

01 梅花三弄
02 出水莲
03 高山流水
04 瑶族舞曲
05 丰收锣鼓

第二片
01 山丹丹开花红艳艳
02 柳青娘
03 花儿与少年
04 新开板
05 闹元宵

《全国古筝考级曲目辅导示范6级》是根据新推行的古筝考级教材和内容，邀请目前*具的古筝名师对每别的曲目做出详细讲解与示范，以帮助考级学者快速掌握每个级别必考曲目的演奏技能，有效地提高演奏水平，以达到更高质量的掌握考级乐曲。

音乐的殿堂：古典钢琴演奏的艺术与技巧深度解析 ——一卷关于西方键盘音乐精髓的文献汇编 本书旨在为所有致力于钻研古典钢琴演奏艺术的音乐学习者、演奏家及音乐教育工作者，提供一个全面、深入且极具实践指导意义的知识体系。我们摒弃对特定考级曲目的机械式罗列与解读，转而聚焦于西方古典音乐宝库中那些不朽的杰作，以及支撑起伟大演奏的底层理论与技巧根基。 本书的架构围绕三个核心板块展开：历史语境与风格解读、关键技术难点的突破与精炼，以及音乐诠释的哲学思辨。我们相信，真正的演奏不仅仅是音符的再现，更是对作曲家时代精神与个人情感世界的深刻体悟与转化。 --- 第一部分：风格的穿越——从巴洛克到浪漫主义的键盘音乐史 本部分系统梳理了自巴赫至拉赫玛尼诺夫之间，欧洲键盘音乐在不同历史时期的风格特征、结构逻辑及演奏惯例。我们致力于为读者构建一个清晰的“风格地图”，使每一次触键都能准确落位于其应有的历史语境之中。 一、巴洛克时期的逻辑与精密度：赋格与组曲的结构美学 我们将深入分析巴赫（J.S. Bach）作品中对位法的精妙构造。重点不在于如何快速弹奏，而在于如何清晰地“聆听”并“表达”出每一声部的独立生命。 对位法的声部逻辑：探讨如何通过力度、音色和触键的细微差别，将主旋律、中声部与低音声部有效分离，避免“一团乱麻”。 装饰音的必要性与规范：详细解析巴洛克时期装饰音（如颤音、回音、琶音）在不同作曲家（如巴赫、斯卡拉蒂）作品中的标准执行方式，区分其是“修饰”还是“结构性”元素。 平均律键盘的触键哲学：讨论巴洛克时期乐器（羽管键琴）的机械特性如何影响演奏者的手指重量分配，以及如何将这种“清晰、干脆”的触感转化到现代钢琴上，以展现巴洛克音乐的清晰轮廓。 二、古典主义的平衡与清晰：奏鸣曲式的骨架构建 本部分聚焦于海顿、莫扎特和贝多芬早期作品，阐述古典主义音乐的核心特征——形式的完美、清晰的和声进行和情绪的克制。 奏鸣曲式的“叙事”：剖析呈示部、展开部和再现部的内在戏剧冲突与解决过程，强调旋律的线条感和乐句的呼吸。 触键的“透明度”：讲解古典钢琴触键与浪漫主义的“包裹感”形成鲜明对比之处。如何在保持音色纯净的同时，使低音支撑清晰而不沉重。 踏板的谨慎运用：严格界定古典时期踏板使用的边界，强调清晰的音高关系高于模糊的音响效果。 三、浪漫主义的激情与个性：钢琴体裁的革新 进入十九世纪，钢琴演奏进入了对个人情感表达的极致追求。本部分将探讨肖邦、舒曼等大师如何拓展钢琴的表现力极限。 音色的层次化与延展：深入研究“歌唱性旋律”（Cantabile）的实现，包括如何利用键盘的深处来获得丰满而不过载的音色。 速度的弹性与鲁巴托（Rubato）的真谛：区别不同类型鲁巴托在不同作品中的应用，强调“时间感”的自由波动应服务于旋律的内在逻辑，而非随意的拖沓或急促。 --- 第二部分：技艺的磨砺——超越指法的技术瓶颈突破 技术是表达的工具，而非目的本身。本部分不教授基础指法，而是针对高级演奏中常见的、阻碍音乐流畅表达的技术难点，提供针对性的训练方案。 一、和弦演奏的平衡与颗粒感 在演奏厚重和弦（如勃拉姆斯或李斯特作品）时，如何确保最低音的支撑力度、中声部的和声色彩以及最高声部旋律的清晰度同步到位。 重量的传递：详细解析如何利用身体重量（非单纯手指力量）自上而下地均匀施加于不同的音区，实现“和声的统一”。 颗粒感的培养：针对快速、密集的琶音和分解和弦，训练手指“回弹”的敏捷性，确保每个音符在连贯的音流中仍能被听见，而非黏在一起。 二、大型技巧段落的结构化处理 面对如李斯特的炫技性练习曲或大型奏鸣曲中的快速跑动段落，我们强调“结构先行”的练习方法。 分区与聚焦：将复杂的段落分解为若干个逻辑清晰的乐句或动机，分别解决节奏、指法和重音问题，再进行组装。 “慢速精确”的深度：探讨超慢速练习在技术巩固中的真正价值，它不仅是检查准确性，更是对肌肉记忆重塑的过程。 三、踏板作为“无形之手”的运用 踏板的使用是区分专业与业余演奏者的重要分水岭。本部分将踏板视为一个动态的声学工具。 “预置”与“及时”的配合：针对不同的和声进行速度，训练演奏者在音符落下之前或音符清晰消散的瞬间完成踏板的释放，避免音的“浑浊”。 半踏与连奏踏板的微调：在古典作品中，如何使用微小的踏板变化来增加音色的润泽度，而又不破坏清晰度。 --- 第三部分：诠释的深度——从作品到演奏者个体的转化 音乐的生命力在于其每次被演奏时所注入的新鲜感。本部分引导读者超越“正确演奏”的范畴，进入“深刻理解”的领域。 一、作曲家的意图与个人感受的交织 探讨如何尊重原作指示（如速度标记、力度记号）的同时，融入自身对作品情感主题的理解。 标记的“弹性”与“界限”：分析“快板”（Allegro）或“柔板”（Adagio）在不同作曲家手中的实际意义，并确立哪些标记是不可逾越的结构底线。 “呼吸点”的建立：引导演奏者像歌唱家一样思考，在乐句的结尾和高潮处找到自然而富有张力的呼吸点，使演奏听起来像是有机生命的流动。 二、聆听的训练与自我批判 一个优秀的演奏者必须首先是一个优秀的聆听者。 录音的艺术：指导读者如何有效地利用自身录音来诊断演奏中的不足，区分“听起来感觉不错”与“实际效果如何”之间的差距。 内听觉的培养：介绍如何通过闭眼练习或无琴练习，强化对未来音响的预判能力，使手指的动作与脑海中的理想音色完全同步。 本书汇集了对西方键盘音乐历史脉络的梳理、对核心演奏技巧的精细打磨，以及对音乐诠释哲学层面的探讨，为渴望达到艺术高度的钢琴学习者提供了超越具体曲目限制的知识武装。它是一本关于如何“思考音乐”和“塑造声音”的权威指南。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这套辅导资料的价值，远远超出了一个普通的曲谱集。它更像是一位经验丰富的老师，手把手地带着你走过每一个难关。特别是它对于音色处理的描述，非常到位。比如，有些曲子需要“如泣如诉”的柔美音色，有些则需要“金石之声”的铿锵有力，书里会用非常生动的比喻来指导你如何调整指甲的角度和触弦的深浅，这在纯文本的书籍中是很难体会到的。我以前总觉得音色这东西是天生的，练得久了自然就有，但这本书让我意识到，音色是可以被精确控制和雕琢的。我记得有一段关于颤音的处理，教材用了近半页的篇幅来讲解如何避免“僵硬的颤动”，转而追求那种“水波纹”般的自然起伏，这种深入到微观层面的指导，真的让我茅塞顿开，极大地提升了我对音乐表现力的理解。

评分☆☆☆☆☆

说实在的，我最欣赏的是它排版布局的清晰和实用性。很多专业教材为了追求所谓的“艺术感”，把谱面弄得密密麻麻，五线谱、简谱、指法标记混杂在一起，看得人眼花缭乱。但这一套书的排版设计非常人性化，重点突出的信息绝对不会被淹没在冗余的装饰中。而且，它对不同版本的比较分析也做得非常到位。比如同一首曲子，不同流派的大师可能有不同的处理方式，这本书会把这些差异以对比的形式呈现出来，并分析各自的优劣，这对于我们自己形成演奏风格至关重要。我特别喜欢它在曲目末尾附带的“演奏反思录”板块，像是一个小型的工作坊记录，分享了常见错误和纠正思路，这种实战经验的传授，比空泛的理论指导要有效得多。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，作为一名已经学习古筝多年的业余爱好者，我原本以为这种针对性极强的考级辅导对我来说可能有些“杀鸡用牛刀”了，但事实证明我的想法太片面了。这本书的深度，即便是对于已经达到高水平的学习者，依然有着极强的启发性。它不仅关注“怎么弹”，更关注“为什么这么弹”。在讲解一些传统曲目的历史演变时，它引用了大量的文献资料，使得我们不再是机械地重复前人的指法，而是能带着一种历史的厚重感去诠释作品。例如，对于一首描绘山水意境的曲子，它会引导你去想象那个时代文人的心境，从而让你的演奏自然而然地流淌出那种“韵味”。这种将技术训练与人文素养结合的方式，是我在其他教材中极少见到的，它真的把一门技艺提升到了艺术欣赏的高度。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受是其“全景式”的覆盖面。它不仅仅是一本练习册，更像是一部工具箱，里面塞满了解决各种演奏难题的“钥匙”。它在处理指序转换、快速换把这些技术上的硬骨头时，提供的练习方法是层层递进的，而不是一上来就要求达到完美。举个例子，对于需要跨越五度以上的和大跳，它不是简单地让你多弹几遍，而是设计了一套专门的热身练习来提高手臂的协调性和预判能力。此外，对于曲目的情感处理，它也给出了非常具体的建议，比如在表达“悲怆”时，可以略微放慢左手按弦的力度变化，以此来营造那种沉重的呼吸感。这种细致入微的指导，让每一个练习环节都充满了目的性，让人感觉每一下拨弦都在为最终的完美呈现添砖加瓦，绝不是无的放矢的重复劳动。

评分☆☆☆☆☆

这套古筝教材，从我接触它开始，就给我一种非常系统和严谨的感觉。它不像市面上很多速成的书籍那样，只给出一些简单的指法提示，而是真正地把每一首考级曲目都拆解得非常细致。比如对于一些高难度的轮指或者扫弦技巧，教材会配有详细的图文解析，甚至会分析乐曲背后的一些文化背景和演奏情绪，这对于想要深入理解音乐的演奏者来说，简直是如获至宝。我记得我一开始练习《渔舟唱晚》的时候，总感觉那个速度上不去，感觉气息不连贯，但是通过这本书的讲解，我才明白，原来关键在于中指和无名指的配合发力点和放松时机的掌握。而且，它的曲目选择也非常贴合考级的实际要求，既有经典的传统曲目，也有一些需要创新演绎的曲目，能让考生在备考的同时，也能拓展自己的音乐视野。光是看那些谱面上的标记，就能感受到编者在细节处理上的匠心独运，真的不是随便拼凑出来的曲集。