律动乐器 华乐大典(古筝卷乐曲篇上) 正版书籍 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311235

商品编码：29867573225

丛书名： 华乐大典古筝卷乐曲篇上

开本：8开

书名：	华乐大典(古筝卷乐曲篇上)
作者：	编者:王中山//姚艺君|总主编:乔建中	开本：	8开
定价：	138	页数：	456
现价：	见顶部	出版时间	2016-06-01
书号：	9787552311235	印刷时间：	2016-06-01
出版社：	上海音乐	版次：	1
商品类型：	正版图书	印次：	1

内容提要

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《中国传统音乐史纲》 第一部分：中国传统音乐的源流与演变 第一章：史前与先秦音乐的曙光 本章深入探讨中国音乐文明的源头，从新石器时代的陶埙、骨笛等早期乐器出土文物出发，勾勒出原始社会音乐活动的雏形。重点分析仰韶文化、河姆渡文化等遗址中发现的乐器实物及其所反映的早期社会生活与祭祀仪式。 继而进入先秦时期，着重阐述夏、商、周三代的音乐制度与礼乐思想的建立。《尚书·尧典》中记载的“八音”分类法，标志着中国古代音乐体系的初步形成。周代“礼崩乐坏”的背景下，儒家学派对音乐的伦理化和规范化进行了深入的哲学思辨。孔子的“中和”之乐思想，及其对雅乐和郑卫之音的评判，成为后世音乐批评与审美取向的重要基石。本章还将结合《诗经》中的乐歌进行考证，分析其体裁、宫调的初步形态及其与社会政治生活的紧密联系。 第二章：秦汉魏晋南北朝：音乐的融合与变异 秦汉时期，统一王朝的建立带来了文化上的整合。本章详述秦汉宫廷燕乐的盛行，特别是汉代“相和歌”的发展及其在国家典礼中的应用。重点介绍“乐府”制度的建立，以及这一机构对民间歌谣和地方音乐的搜集、整理工作，这为后世的音乐文献保存提供了宝贵的资料。 魏晋南北朝是中国历史上民族大融合的时期，也是玄学盛行、士人精神追求空灵与自由的时代。这一时期的音乐呈现出多元化特征：一方面，雅乐的典制依然存在；另一方面，嵇康、阮籍等“竹林七贤”对传统音乐观念的反思和创新，如对“七音”之外音色的探索，体现了魏晋风度对音乐审美情趣的深刻影响。南北方少数民族音乐的传入与汉族音乐的交融，促使俗乐和戏曲的萌芽形态逐渐清晰。 第二部分：隋唐盛世与宋元戏曲的繁荣 第三章：隋唐五代：雅俗共赏的辉煌乐章 唐代是中国古代音乐的巅峰时期。本章详细考察唐朝“燕乐”的完备体系，包括其结构、乐器编制（如“方响”的运用）和燕乐“二十八调”的理论基础。重点分析“梨园”制度的创立，标志着专业音乐教育体系的初步完善，以及唐代宫廷乐队的庞大编制和演出规模。 本章将深入探讨“燕乐半出”的来源，即外来音乐（如龟兹、疏勒等西域音乐）如何被汉化并融入唐代音乐主流，形成海纳百川的音乐格局。白居易的《琵琶行》中所描绘的音乐场景，生动展现了唐代民间音乐（如歌舞、变文）的繁荣景象。 第四章：宋代：词乐的精致与俗乐的兴起 宋代音乐的特征是雅乐的衰微与词乐的鼎盛。本章分析宋代士大夫阶层对“词”这种文学体裁的偏爱，以及词乐（慢词、曲子词）在音乐上所体现出的细腻、婉转的审美取向。词谱的产生和传播，体现了宋代音乐理论与实践的结合。 同时，市民阶层的崛起推动了俗乐的空前繁荣。瓦舍勾栏等娱乐场所成为新音乐形式的孵化地。南宋的“诸宫调”和元代“杂剧”的形成，是戏曲艺术从音乐主导向综合艺术转型的关键一步。本章也会探讨宋代乐器制造的精良化，如古琴制作技艺的成熟。 第三部分：明清的定型与近代的转型 第五章：明代：昆曲的成熟与乐律的规范化 明代是中国传统音乐体系最终定型的重要时期。本章聚焦于昆山腔（昆曲）的成熟与鼎盛，分析昆曲“水磨腔”在音乐、唱法、伴奏（如弦乐、箫）上的高度程式化和艺术成就，以及其在文人阶层中的广泛影响。 理论方面，明代对“十二律”、“七声”、“五音”等基础乐律的整理和注释工作达到了新的高度，如朱载堉《乐律全书》对十二平均律的早期探索与论述，具有划时代的意义。同时，地方戏曲腔调（如弋阳腔）的兴起，预示着戏曲艺术的进一步分化。 第六章：清代至近现代：宫廷音乐的停滞与新声的萌动 清代宫廷音乐主要表现为对前代遗制的维护，如“内廷供奉”的雅乐延续，以及京剧的形成与定型。本章重点剖析京剧音乐的形成过程，分析其“板式”结构、锣鼓点（“场面”音乐）的独立性和对故事情节的烘托作用，以及“二黄”、“西皮”等板腔体的音乐特征。 进入近代，西方音乐的传入对传统音乐产生了巨大的冲击。本章探讨晚清时期，知识分子对传统音乐进行反思和“中学为体，西学为用”的音乐改良尝试。对民间说唱艺术（如鼓词、弹词）的记录和整理，成为抢救性保护传统音乐的重要工作。 第四部分：中国传统乐器体系的分类与发展 本部分不涉及具体乐曲篇目，而是从乐器学的角度对中国传统音乐的物质基础进行梳理。 第七章：弓弦乐器：流变与定型 系统介绍胡琴家族（二胡、板胡、京胡等）的发展脉络，从唐代的奚琴到宋元的“弦子”，再到近现代的改进与定型。分析其音色特点、演奏技法（如揉弦、按音）在不同剧种和器乐合奏中的作用。同时，也涵盖弹拨类弦乐器如古琴、古筝、琵琶、阮的起源、形制演变（如古琴的减字谱记谱法）及其在文人音乐中的核心地位。 第八章：吹管乐器与打击乐器 考察竹制吹管乐器（如笛、箫、笙、唢呐）在音色、指法、气流控制上的发展。重点阐述“筚篥”在唐代燕乐和宋代民间戏曲中的功能转换。打击乐器部分，侧重于对“金石丝竹匏土革木匏金石”八音体系中打击乐器的分类，分析如堂鼓、小锣、板鼓等在戏曲和曲艺中的节奏骨架作用。 总结： 本书旨在勾勒出中国音乐思想、制度、体裁与乐器在数千年历史长河中的演变轨迹，突出不同历史阶段音乐活动的社会文化背景，为理解中国传统音乐的宏大体系提供一个清晰的历史框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量实在让人眼前一亮。打开包裹的时候，那种沉甸甸的手感就让人觉得物超所值。纸张选择的是那种略带米黄色的高品质铜版纸，不仅保护了视力，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。油墨的色彩还原度非常高，无论是乐谱上的细微记号，还是文字排版的间距，都处理得极其考究，体现了上海音乐出版社一贯的专业水准。特别是封面设计，简约而不失典雅，那种留白的处理方式，让人一瞥之下就能感受到古典音乐深厚的底蕴。装订部分也十分牢固，即便是经常翻阅，也不用担心书脊会松动或脱胶。这样的制作工艺，完全配得上其内容的珍贵性，摆在书架上本身就是一件艺术品。这种对细节的极致追求，让阅读体验从一开始就得到了极大的提升，让人对接下来翻阅的内容充满了期待和敬意。不得不说，对于我们这些重视书籍物理形态的爱好者来说，光是捧着这本书，就能感受到一种被尊重的愉悦。

评分☆☆☆☆☆

这本书中收录的乐谱细节处理得相当到位，这对于任何一个严肃的演奏者来说都是至关重要的。我尤其注意到，在一些快速的琶音和复杂的轮指段落旁边，都有非常细致的演奏提示，不仅仅是传统的指法标注，还加入了对于气息控制和弓弦摩擦力度的微妙建议。这些提示绝非空泛的口号，而是基于多年演奏经验的精准提炼，仿佛是一位经验老到的老师正坐在你身边亲自指导。在处理一些多声部交织的乐段时，声部的平衡和层次感也被清晰地用不同的标记区分开来，这对于古筝这种多弦乐器尤为重要。很多其他版本容易忽略这些“软性”的演奏要求，但这本书却将其视为核心内容来呈现。这意味着，这本书不仅仅是“教你怎么弹”，更是在“教你如何去理解和塑造音乐的灵魂”，这种深度和广度，是普通教材难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才真正沉下心来品味这本书的整体架构，它呈现出一种极其严谨且逻辑性极强的编排思路。不同于市面上一些零散的乐曲集，这里的编排显然是经过了深思熟虑的系统梳理。从初学者的基础指法练习，到中级曲目的技巧深化，再到那些令人心驰神往的经典名篇，其过渡自然得像是精心设计的音乐会流程。作者或者编者显然非常懂得如何引导学习者循序渐进，避免了那种生硬的难度跨越。每一个章节的衔接点都设计得非常巧妙，让人在不知不觉中完成了技能的升级。这种结构感不仅仅体现在曲目难度的递进上，更体现在对不同流派和风格的系统性展示上，让人可以清晰地勾勒出整个音乐体系的脉络。对于想要系统学习或者想要整理自己知识体系的演奏者来说，这种清晰的框架简直是无价之宝，它提供了一张清晰的地图，指引我们探索更广阔的音乐领域。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验是多维度的，它不仅仅是一本练习曲集，更像是一部浓缩的艺术史鉴赏录。在一些篇章的开篇，总能找到一段简短却精辟的文字介绍，介绍了该乐曲的时代背景、作者的创作心境，甚至包括了该曲在历史上的流传演变。这种人文关怀，极大地丰富了演奏的内涵。当我了解了曲子背后的故事和时代风貌后，再回过头去弹奏，指尖流淌出的情感就变得更加充沛和真实。它促使我思考，每一个音符不仅仅是物理上的振动，更是历史和情感的载体。对于一个致力于提高艺术修养的学习者来说，这种“知其所以然”的境界，远比机械地重复指法来得更有价值。它将乐器演奏提升到了美学和历史鉴赏的层面，让人在技艺精进的同时，也收获了更深层次的文化滋养。

评分☆☆☆☆☆

作为一位多年的爱好者，我深知市面上流传的许多乐谱版本在准确性上常常存在偏差，这让人在练习时心里总是不踏实。然而，翻阅这本《华乐大典》的过程中，我感受到了一种令人安心的权威性。无论是那些耳熟能详的传统曲目，还是一些相对罕见的小品，其记谱都显得格外精准和考究。我甚至拿出几段我正在学习的、认为已经掌握的曲目进行比对，发现其中一些连绵音的连线处理，或者重音的标记，都与我印象中大师演奏的版本高度吻合。这种对“正统性”的坚守，无疑是上海音乐出版社的底气所在。它让学习者可以完全信任手中的文本，将精力集中于音乐表达本身，而不是反复纠结于记谱是否正确的问题。这种对准确性的执着，是对传统艺术最大的尊重。