视唱练耳“真音乐”听 学 唱 视唱练耳基础教程 人民音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103053218

商品编码：29867573649

丛书名： 视唱练耳

开本：16开

基本信息

书名:视唱练耳 “真音乐”听、学、唱
作者:刘俊 著；赵易山 编
出版社：人民音乐出版社
出版日期：2017-03-01
ISBN：9787103053218
字数：
页码：
版次：1
装帧：平装
开本：16开
商品重量：

目录

●前言

●**学期

●**课天鹅的狂欢之舞

●第二课家乡之美

●第三课让我哭泣吧

●第四课欢乐颂歌

●第五课斗牛士之歌

●第六课马里奥的黄河之旅

●第七课小小少年的奇异恩典

●第八课你是我的眼

●第九课征服的世界

●第十课春天圆舞曲

●第十一课月亮上的女孩

●第十二课一千零一个愿望

●第十三课你的眼神

●第十四课卡门

●第十五课红豆

●第十六课综合测试（一）

●第十七课综合测试（二）

●第十八课综合测试（三）

●......

内容介绍

本书采用“真音乐（即名家、名作、名奏）”教学的教学理念，以基础乐理知识为主线，选用上百首耳熟能详的歌曲、乐曲（均配有音响）作为音乐线索，立足于对音乐、音响的感受，将音乐理论基础知识渗透其中，充分使音乐基础理论课程音响化，并以音响再度诠释音乐基础理论的各类内容。通过听、做、学、唱、写，引导学生使用便捷的方法获取全面的音乐基础知识信息，为进一步学习音乐理论、声乐、器乐、指挥、作曲等打下坚实的基础。

音乐理论精要与和声实践：一部面向现代音乐学习者的指南 图书名称： 音乐理论精要与和声实践 出版社： 环球音乐学院出版社 ISBN： 978-7-5619-5801-3 页数： 650页 装帧： 精装 --- 导言：构建坚实的音乐思维基础 在当代音乐创作与分析领域，对音乐结构、功能和历史脉络的深刻理解，是区分业余爱好者与专业音乐人的关键。本书《音乐理论精要与和声实践》旨在超越传统视唱练耳的机械训练范畴，为学习者提供一个全面、系统且富有启发性的音乐理论框架，并将其与实际的和声写作和分析紧密结合。 本书的创作初衷，是弥补现有教材在理论深度与实际应用广度之间的鸿沟。我们深知，仅凭音高辨识和节奏模唱，无法支撑起对复杂音乐作品的深度赏析和有效创作。因此，我们聚焦于宏观结构、功能和声学、配器法基础以及音乐分析的现代视角，确保读者在掌握基本乐理知识后，能迅速过渡到对古典、浪漫乃至二十世纪音乐的专业解读上。 本书共分为六大部分，层层递进，旨在为读者构建一个立体化的音乐知识体系。 --- 第一部分：基础乐理的深度拓展与系统化 本部分着重于对基础乐理概念进行深化和系统整理，而非简单的概念罗列。 1. 音高与调性的精细化处理： 我们将详尽探讨十二平均律与纯律在历史上的演变及其声学基础。重点分析“等音现象”在不同调性体系中的功能转换，例如如何精确区分 C 与 Db 在特定语境下的调性色彩差异。此外，将引入“十二音体系”的早期概念雏形，为后文的无调性音乐分析做好铺垫。 2. 节奏与节拍的复合结构： 超越简单的拍号识别，本章深入研究复合拍号（如 7/8, 11/16）的内部结构划分逻辑。我们详细解析了斯特拉文斯基等作曲家如何运用“节奏动机”与“节奏层叠”技巧来打破常规的律动感。此外，对复节奏（Polyrhythm）的听觉辨识和书写规范进行了详尽的图解说明。 3. 音程、和弦的构造与功能标签： 本书对三和弦、七和弦的构建进行了严谨的数学与声学阐释。重点在于引入功能和声的“能量视角”——即主、属、下属三组和弦如何通过其内部音级关系产生推力与张力，而非仅仅依赖于传统的功能标记（T-S-D）。我们使用更精细的“不稳定度系数”来量化和弦的张力等级。 --- 第二部分：功能和声的系统进阶与分析应用 这是本书的核心部分，致力于将和声学习提升到分析层面。 1. 调内与借用和声的深度挖掘： 我们将调内和弦的转位和应用场景进行了细致分类。尤其关注副属和弦（Secondary Dominants）和属七和弦的导向性，通过大量巴赫、莫扎特作品的实例，展示其在明确导向目标和弦时的路径设计。 2. 离调与转调的策略分析： 本书详细区分了“连接式转调”、“半音阶转调”和“平行调转调”的实践技巧。我们引入“枢纽音分析法”（Pivot Chord Analysis），指导学习者如何在复杂乐段中迅速定位连接点，并模仿大师的转调手法。 3. 模态和声与调式色彩： 在传统大小调体系之外，本章聚焦于教会调式（如多利亚、弗里吉亚）在浪漫主义及后浪漫主义音乐中的实际应用。我们分析了德彪西如何利用调式音阶创造“模糊性”的和声色彩，以及模态和声在电影配乐中的情绪渲染作用。 4. 终止式的逻辑与变化： 除了传统的完全终止式和不完全终止式，本书深入探讨了欺骗终止式（Deceptive Cadence）的情感“悬置”效果，以及如何利用增六和弦（减六、意六、德六）的强烈倾向性来构建戏剧性的终止。 --- 第三部分：复调织体与对位法的原理 本书对位法部分侧重于理解织体逻辑而非机械的对位练习，以服务于音乐的宏观结构理解。 1. 对位法的基本原则与历史脉络： 我们以帕莱斯特里那的“纯正对位”为基石，解释了平行五度、八度禁忌的声学原因。随后，过渡到巴赫赋格曲中的“旋律线独立性”研究，强调如何通过音区、节奏和力度差异来区分多条声部。 2. 赋格曲的结构分析： 详细解析了呈示部、展开部和再现部的结构划分，重点讲解主题的“入进”（Entry）、“间歇”（Episode）的写作手法。本书提供了对巴赫《平均律键盘曲集》中数首范例的逐句线性分析。 --- 第四部分：配器法与音色设计基础 本部分为创作者提供工具，理解乐器在音域、音色和演奏技巧上的限制与潜力。 1. 管弦乐器的音域与发声特性： 细致描绘了木管、铜管、弦乐和打击乐的主要音区（低音区、中音区、高音区）的音色特点。重点分析了如圆号在弱奏时的“幽远感”和长笛在极高音区的“尖锐感”。 2. 织体密度与声部布局： 探讨如何通过增加或减少声部数量来控制音乐的“厚度”。分析了富集的八度平行（Doubling）与稀疏的三度堆叠（Spacing）在不同乐段中的情感效果。 --- 第五部分：二十世纪及现代和声概念导论 为应对二十一世纪音乐的多样性，本部分引入了非传统和声概念。 1. 序列主义与十二音技法概述： 在不要求读者掌握复杂序列操作的前提下，本书清晰解释了勋伯格如何通过“音列”（Tone Row）构建无中心调性的基础逻辑，并分析了韦伯恩作品中音色与音高序列的结合。 2. 集群和声（Chord Clusters）的构建与听觉效果： 解释了由相邻音级紧密排列构成的集群和声在亨利·考威尔等作曲家作品中的使用，以及它如何打破传统和声学的音高排列规则，表达现代焦虑感。 --- 第六部分：音乐分析方法论 本部分教会学习者如何系统性地“阅读”音乐作品。 1. 结构分析与乐段划分： 介绍奏鸣曲式、回旋曲式、曲式等传统曲式的内部张力布局。重点教授如何通过和声进行、主题再现和力度变化来客观划分乐段。 2. 动机发展与变形： 分析作曲家如何从一个短小的动机出发，通过增值、减值、移位、倒影等手法，构建起整首乐曲的有机统一性。 --- 结语：理论与实践的循环提升 《音乐理论精要与和声实践》的核心价值在于强调理论知识必须服务于实践。本书不提供标准答案式的“听力练习秘籍”，而是提供一套分析工具箱。通过对本书理论的深入理解和对经典作品的细致分析，学习者将能以更成熟的视角去聆听音乐，以更扎实的根基去创作音乐，真正实现从“会听”到“懂听”的质的飞跃。本书是音乐学院学生、作曲专业人士以及所有渴望深度理解西方音乐文化的学习者的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

我是一个从小学习钢琴，后来才猛然意识到视唱练耳是自己短板的成年学习者。市面上很多教材，要么是为科班出身的音乐学院学生量身定做的，内容难度陡增，很多基础概念一带而过，让人望而生畏；要么就是过于浅显，只是蜻蜓点水地介绍了一下音程和音阶。这本书的厉害之处就在于，它精准地拿捏住了“初学者向专业过渡”这个黄金地带。它的渐进性设计简直是教科书级别的示范。从最基础的节奏型和音高辨识开始，每一步都铺垫得极其稳固，不会让人产生“我好像一下子跳得太快了”的焦虑感。举个例子，它在讲解三和弦的转位时，不是简单地给出定义，而是通过一系列听觉练习，让你在听觉上先建立起概念，再用理论去印证，这种“先感性后理性”的教学路径，对非科班出身的我来说，简直是打通了任督二脉。感觉这套书的设计者深刻理解了成人学习者的认知习惯，而不是简单地把枯燥的知识点堆砌在一起。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前对“视唱练耳”这个学科的概念一直比较模糊，总觉得它是某种神秘的、与生俱来的天赋，而不是可以通过系统学习获得的技能。直到我接触到这本教材，才真正体会到，原来“听”和“唱”是可以被拆解、分析、并系统训练的。这本书最让我感到震撼的是它对节奏处理的独到见解。很多教材的节奏训练无非是把拍号和时值写出来让你数拍子，但这本教材似乎更注重节奏在音乐语境中的“律动感”。它提供的那些例题，看似简单，但要求你必须用非常精准的身体感去把握重音和附点，而不是机械地用节拍器去“卡”。我尝试着跟着书上的指导去体会每一个音符在乐句中的呼吸和停顿，感觉自己对音乐的“脉搏”的感知力确实提升了一个层次。它不是在教你如何数拍子，而是在教你如何“感受”音乐的时间结构，这绝对是高级的音乐素养训练。

评分☆☆☆☆☆

作为一位音乐教师，我手里经手的教材不下数十本，但真正能让我愿意长期在我的基础班级里使用的，需要经受住“可教性”的考验。这本书最值得称赞的是它在“可教性”上的卓越表现。教师用书和学生用书的配合度极高，虽然我手里拿的是学生本，但从例题的设置和练习的密度上，就能清晰地感受到作者为老师们设计好的教学脉络。比如，某个难度阶梯的训练，它会给出三套不同的练习曲目，这意味着老师在教学过程中可以灵活地进行重复和更换，避免了学生因为过度重复而产生的厌倦感。更重要的是，它的难点设置非常“均匀”，不像有些教材那样，前面几十页平铺直叙，突然间在某个章节难度暴涨，让学生信心受挫。这本书的难度爬升曲线是平缓而坚定的，这对于维持课堂的整体学习氛围至关重要。它真正做到了“因材施教”的教材载体。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计简直是音乐学习者的福音，光是翻开它，那种触感和油墨的清香就能让人心情愉悦起来。封面那种朴实中带着专业气息的配色，让人一眼就能感受到它扎实的学术背景，绝对不是那种花里胡哨的应试工具书。我尤其欣赏它内页的排版，字体的选择非常考究，既保证了乐谱的清晰度，又在视觉上不会让人感到压迫。你知道，视唱练耳的学习过程本身就需要极高的专注度，如果纸张反光或者字体太小，那简直是灾难。但这本书在这方面做得非常到位，即便是长时间的练习，眼睛也不会感到疲劳。而且，它的开本设计也很人性化，无论是放在琴盖上练习，还是随身携带放在背包里，都刚刚好，不会显得过于笨重。这种对细节的打磨，足以看出出版方在制作过程中投入的心血，绝非敷衍了事。要知道，工具书的实用性往往体现在这些不易察觉的细节里，而这本教材在这方面无疑是下了苦功的，成功地为我们提供了一个舒适、高效的学习介面。

评分☆☆☆☆☆

我个人认为，学习任何一门技能，如果不能将其与“真实世界”的音乐联系起来，那最终都会沦为纸上谈兵。这本书在“练耳”的听辨部分，做得极其贴合实际。它不只是停留在辨认大三度还是小三度这种纯粹的音程对比上，而是将这些基础元素融入到常见的和弦进行和旋律片段中去。我特别喜欢它对“听觉记忆”的训练模块，它会让你在听完一段旋律后，不仅要写出音高，还要尝试捕捉这段旋律的情绪色彩。这迫使我的耳朵不再只是一个机械的识别器，而是开始理解音乐背后的情感表达。这种训练的实战意义非常大，因为当我们将来在排练或者即兴演奏时，我们需要的正是这种能够快速捕捉和重现音乐“神韵”的能力。它将视唱练耳从一门孤立的技能训练，提升到了音乐实践的基石层面，这点做得非常高明，让我觉得物有所值。