全国小提琴考级曲目辅导示范 五级/（3VCD+2CD） 正版 讲解示范施纳贝尔钢琴演奏要旨(第2版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

汪镇美 译

图书标签:

• 小提琴
• 考级
• 五级
• VCD
• CD
• 教材
• 示范
• 施纳贝尔
• 钢琴
• 演奏要旨

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 苏州大学出版社有限公司

ISBN：9787567213104

商品编码：29867738462

丛书名： 施纳贝尔钢琴演奏要旨(第2版)

出版时间：2015-10-01

 

第-片：练习曲部分 练习曲第三十首 练习曲第三十三首 练习曲第三十五首 练习曲第三首 练习曲第十六首 练习曲第二十首 练习曲第二十六首 练习曲第二十八首 协奏曲部分 第-学生协奏曲 第二片： 第-学生协奏曲（第二乐章） 第-学生协奏曲（第三乐章） G小调协奏曲 D小调协奏曲 A小调协奏曲 中外乐曲部分 春之歌 小步舞曲 第三片： F大调旋律 第六奏鸣曲（第-乐章） 第六奏鸣曲（第二乐章） 新春乐 牧歌 良宵 山歌  

 

本系列教学片辅导老师：郑石生，小提琴考级委员会副主任、上海音乐学院教授。刘培彦，中央音乐学院管弦系主任教授。丁芷诺，上海音乐学院教授。林朝阳，中央音乐学院副教授。魏昭，上海音乐学院小提琴专业教师。袁佳敏，上海音乐学院小提琴专业教师。 

音乐的殿堂：古典钢琴演奏的精髓与历史之旅 一部洞察古典音乐灵魂，探寻伟大演奏家思想的深度著作 本书并非针对某一特定考级曲目的技巧解析，亦非着墨于当下的教学方法演练，而是致力于构建一座通往古典钢琴艺术核心殿堂的桥梁。它是一次对钢琴艺术发展历程的宏大回溯，一次对那些塑造了我们今日音乐理解的巨匠们的深刻致敬与剖析。 第一部分：键盘艺术的演变——从巴赫到印象主义的宏伟画卷 本部分将带您穿越时空，考察键盘乐器在欧洲音乐史上所扮演的关键角色。我们不会将焦点局限于特定难度等级的曲目练习，而是着重于不同历史时期作曲家们对钢琴这一乐器的性能极限的探索与拓展。 一、巴洛克时代的严谨与自由： 赋格的逻辑与触键的清晰度： 深入分析巴赫如何利用复调织体，要求演奏者必须具备清晰的声部独立性与非凡的指法控制力。探讨巴洛克的“力度记号”的模糊性如何促使演奏者根据音乐结构自主决定动态范围，而非盲目遵循现代印刷谱上的标记。我们将考察那些构成巴赫作品骨架的对位法原理，理解其结构美学，而非仅仅关注音符的排列。 早期奏鸣曲的结构基础： 探究斯卡拉蒂奏鸣曲中蕴含的西班牙民间音乐元素与早期古典风格的萌芽。分析其单乐章的结构特点，以及对音色变化的早期尝试，这些都为后来的古典奏鸣曲奠定了基础。 二、古典主义的典范与情感的平衡： 海顿与莫扎特的“清晰之美”： 聚焦于古典主义时期对清晰度、比例与清晰的乐思表达的要求。讨论海顿如何通过幽默感和结构上的巧妙安排来推动奏鸣曲式的发展。对莫扎特的钢琴作品，我们将侧重于其歌唱性的旋律线条（Cantabile）在键盘上的实现，以及在保持结构平衡的前提下，如何注入细腻的情感层次。这与单纯练习特定乐段的流畅性是完全不同的维度。 贝多芬的革命与情感的冲突： 本章不详述任何“奏鸣曲”的练习方法，而是探讨贝多芬如何通过对传统奏鸣曲式的“解构与重建”来表达个人意志。我们将分析其晚期作品中出现的钢琴音域的拓展、踏板使用的革命性（对延音踏板的深入理解而非简单地使用）、以及如何处理其作品中强烈的戏剧性对比与内心的挣扎。 第二部分：浪漫主义的激情与钢琴的“歌唱性” 浪漫主义是钢琴艺术的黄金时代，本部分将探讨演奏家如何将钢琴塑造成一个富有灵魂和情感的“人声”。 肖邦的诗意与指法的精妙： 深入探讨肖邦音乐中“Rubato”（自由速度）的真正含义——并非随意拖沓，而是在主旋律的歌唱性与伴奏的节拍之间保持一种内在的、微妙的平衡。我们将分析其玛祖卡、圆舞曲、叙事曲中蕴含的波兰民族精神，以及他对于键盘音色层次的极致追求，这需要演奏者具备极高的听觉辨识能力。 李斯特的炫技与哲思： 李斯特的作品往往被视为技术展示的巅峰。然而，本书将超越“弹得快”的层面，探讨他如何利用翻奏（Octaves）、琶音的广度，以及对管弦乐队效果的模仿，来表达宏大的史诗叙事与深刻的个人反思。分析其对踏板效果的实验性运用，以及如何使那些看似“不可能”的技巧服务于音乐表达本身。 德国浪漫主义的深度： 聚焦舒曼和勃拉姆斯的内心世界。探讨舒曼作品中“双重人格”的体现，如何通过不同的触键方式来区分人物或心境。对于勃拉姆斯，我们将探究其复古的对位技巧与厚重的和声结构，要求演奏者在处理其作品时，必须建立起稳固、充实的“和声支撑”。 第三部分：20世纪的多元探索与演奏的现代性 进入20世纪，钢琴音乐迎来了多元化的挑战，这要求演奏者必须具备更广阔的音乐视野和更灵活的适应性。 印象主义的色彩与氛围： 德彪西和拉威尔的作品是光影与水波的视觉音乐。本书将讨论如何通过微妙的触键力度变化（近乎“无声”的PP与P）、对不同音区的色彩区分，以及对音响模糊性的掌控，来再现这些作曲家笔下的印象派场景，而不是仅仅追求琶音的均匀。 现代主义的节奏与结构挑战： 探讨斯特拉文斯基、巴托克等作曲家如何打破传统调性，引入新的节奏模式与不协和音程。这对演奏者在读谱、理解结构以及保持节奏的精准性方面提出了前所未有的挑战。 20世纪后半叶的演奏姿态： 分析诸如布列兹、梅西安等作曲家对键盘发掘的新潜力，包括对弦发音、特定打击音色的要求，以及对传统美学观念的彻底颠覆。 第四部分：演奏家思维的模型构建——超越技术本身 本书的最终目标是培养一种“演奏家的思维模式”，而非仅仅提供一套练习手册。 历史语境的重要性： 强调理解作品创作时的社会、文化和技术背景，如何影响我们对音乐的诠释。例如，一台早期的钢琴与现代三角钢琴在共鸣和延音上存在巨大差异，这直接影响了巴赫或莫扎特作品的演奏方法。 “非技术性”的训练： 探讨听觉训练、记忆力构建、以及如何在不接触键盘的情况下进行“心智排练”的重要性。优秀的演奏不仅仅依赖于手指的力量，更依赖于清晰的内心听觉。 诠释的继承与创新： 讨论演奏传统（Tradition）的意义——我们从谁那里学到了什么？如何尊重前人的深刻理解，同时又能注入属于自己时代的洞察力，形成独特的、有说服力的个人声音。这是一种对音乐文献的批判性吸收过程。 结语： 本书提供的是一条通往古典音乐理解深处的精神路径，它要求读者具备宏大的历史视野和深刻的音乐思辨能力，旨在将演奏者从机械的技术训练中解放出来，使其能够真正与作曲家的灵魂进行对话。它是一本为有志于真正理解和诠释古典钢琴艺术的音乐学习者、表演者和鉴赏家准备的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书，我真是爱不释手，尤其是它对古典音乐作品的深度挖掘和独到见解，简直让人茅塞顿开。我一直对19世纪浪漫主义时期的钢琴作品情有独钟，但总感觉自己离那些大师们的“灵魂”隔着一层纱。这本书，通过对特定曲目的细致剖析，仿佛提供了一把金钥匙，让我得以窥见作曲家在创作时的心境与技法精髓。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是将艰深的音乐分析融入到实际演奏的语境中，让你在理解“为什么”的同时，也明白了“怎么做”。特别是关于踏板运用和触键力度控制的讨论，真是细腻到了每一个音符的呼吸之间。我特别欣赏作者在论述中引用的那些罕见的历史文献和演奏家的轶事，这些佐证不仅增强了观点的说服力，更让整个阅读过程充满了发现的乐趣。读完之后，我感觉自己对音乐的理解层次提升了一个维度，不再是单纯的指法练习，而是开始真正地“对话”音乐本身，那份精神上的满足感是无可替代的。它对我后续学习其他时期作品也产生了深远的影响，拓宽了我的音乐视野。

评分☆☆☆☆☆

这是一本将枯燥的演奏技巧提升到哲学思辨层面的杰作。我之前接触过不少关于乐理和演奏法的书籍，但大多停留在“是什么”的层面，很少有能将技法与情感表达、乃至文化背景融会贯通的。这本书的独特之处在于，它敢于挑战那些约定俗成的演奏习惯，提出了一些非常新颖却又合乎逻辑的观点。比如，书中对某个巴赫赋格中声部交织的处理方式的重新诠释，彻底颠覆了我多年来的既有认知。作者的文笔极其流畅且富有画面感，即便是在描述复杂的对位关系时，也能让人在脑海中构建出清晰的听觉图像。更值得称道的是，它并没有强迫读者接受某种“标准答案”，而是提供了一个强有力的论证框架，鼓励读者进行批判性思考，最终找到最适合自己的表达方式。对于那些已经有一定基础，渴望突破瓶颈的进阶学习者来说，这本书无异于一剂强心针，它让你开始质疑，开始探索，真正掌握了音乐的主动权。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的排版和视觉呈现也同样出色，这对于一本深入探讨艺术形式的书籍来说至关重要。它不仅仅是文字的组合，更是一场视觉的盛宴。插图和乐谱示例的选取都非常精准到位，那些高分辨率的乐谱片段，使得那些难以用语言描述的细微差别变得一目了然。特别欣赏作者在解释某个复杂和弦进行时，所配的那个简化的和声图表，一下子就理清了纠结了许久的逻辑脉络。翻阅这本书的过程本身就是一种享受，纸张的质感、墨水的清晰度，都透露出出版方对内容质量的尊重。我常常在阅读时，会忍不住将书页轻轻合上，闭目回味刚才读到的那段关于“时间感”的论述——作者是如何巧妙地将物理时间与音乐中的内在节奏感联系起来的。这种注重细节的匠心，使得这本书超越了一般的教材范畴，更像是一本值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我最大的帮助，在于它极大地丰富了我对“诠释”二字的理解。在学习任何一套成熟的曲目体系时，我们很容易陷入模仿前人录音的怪圈，生怕偏离了某种“权威”的解读。然而，这本书却明确地告诉我们，真正的艺术生命力在于个体化的声音。作者并没有急于给出“该如何拉”的指令，而是系统地梳理了从作品诞生背景到不同历史时期演奏风格演变的全过程。通过这种宏大的叙事，我们得以理解，为什么同一个音符在不同时代会有不同的处理方式。这解放了我的思维，让我敢于在符合作品精神内核的前提下，注入自己的情感体验和时代印记。特别是关于弓弦张力与音色塑造的章节，分析得极其透彻，它不仅告诉我们如何发出一个“好听”的声音，更重要的是，如何让这个声音具备“意义”。这对于提升表演的深度和说服力，有着立竿见影的效果。

评分☆☆☆☆☆

与其他侧重技巧训练的书籍相比，这本书的侧重点明显更偏向于音乐本体论和审美构建。我尤其欣赏它在探讨演奏过程中“意外”与“控制”之间的辩证关系时所展现出的深刻洞察力。很多技术难题，归根结底，都是控制力不足的表现；但如果过度追求控制，又会扼杀音乐的灵性。这本书巧妙地引导读者在两者之间找到一个动态的平衡点，即通过高度熟练的技术，来实现看似不经意的“自然流淌”。书中对即兴发挥和结构把握的分析，更是精彩绝伦，它展示了如何在严谨的结构框架内，保有充分的自由度。阅读它，就像是获得了一位技艺精湛、思想深邃的导师的私人指导，他不仅指正你的错误，更重要的是，他教会你如何思考音乐的本质。这本书是那些致力于成为真正音乐家的学习者案头必备的参考书，其价值远远超过了它所涵盖的具体曲目范围。