全國小提琴考級麯目輔導示範 五級/（3VCD+2CD） 正版 講解示範施納貝爾鋼琴演奏要旨(第2版) pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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汪鎮美 譯

圖書標籤:

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• 教材
• 示範
• 施納貝爾
• 鋼琴
• 演奏要旨

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 蘇州大學齣版社有限公司

ISBN：9787567213104

商品編碼：29867738462

叢書名： 施納貝爾鋼琴演奏要旨(第2版)

齣版時間：2015-10-01

 

第-片：練習麯部分 練習麯第三十首 練習麯第三十三首 練習麯第三十五首 練習麯第三首 練習麯第十六首 練習麯第二十首 練習麯第二十六首 練習麯第二十八首 協奏麯部分 第-學生協奏麯 第二片： 第-學生協奏麯（第二樂章） 第-學生協奏麯（第三樂章） G小調協奏麯 D小調協奏麯 A小調協奏麯 中外樂麯部分 春之歌 小步舞麯 第三片： F大調鏇律 第六奏鳴麯（第-樂章） 第六奏鳴麯（第二樂章） 新春樂 牧歌 良宵 山歌  

 

本係列教學片輔導老師：鄭石生，小提琴考級委員會副主任、上海音樂學院教授。劉培彥，中央音樂學院管弦係主任教授。丁芷諾，上海音樂學院教授。林朝陽，中央音樂學院副教授。魏昭，上海音樂學院小提琴專業教師。袁佳敏，上海音樂學院小提琴專業教師。 

音樂的殿堂：古典鋼琴演奏的精髓與曆史之旅 一部洞察古典音樂靈魂，探尋偉大演奏傢思想的深度著作 本書並非針對某一特定考級麯目的技巧解析，亦非著墨於當下的教學方法演練，而是緻力於構建一座通往古典鋼琴藝術核心殿堂的橋梁。它是一次對鋼琴藝術發展曆程的宏大迴溯，一次對那些塑造瞭我們今日音樂理解的巨匠們的深刻緻敬與剖析。 第一部分：鍵盤藝術的演變——從巴赫到印象主義的宏偉畫捲 本部分將帶您穿越時空，考察鍵盤樂器在歐洲音樂史上所扮演的關鍵角色。我們不會將焦點局限於特定難度等級的麯目練習，而是著重於不同曆史時期作麯傢們對鋼琴這一樂器的性能極限的探索與拓展。 一、巴洛剋時代的嚴謹與自由： 賦格的邏輯與觸鍵的清晰度： 深入分析巴赫如何利用復調織體，要求演奏者必須具備清晰的聲部獨立性與非凡的指法控製力。探討巴洛剋的“力度記號”的模糊性如何促使演奏者根據音樂結構自主決定動態範圍，而非盲目遵循現代印刷譜上的標記。我們將考察那些構成巴赫作品骨架的對位法原理，理解其結構美學，而非僅僅關注音符的排列。 早期奏鳴麯的結構基礎： 探究斯卡拉蒂奏鳴麯中蘊含的西班牙民間音樂元素與早期古典風格的萌芽。分析其單樂章的結構特點，以及對音色變化的早期嘗試，這些都為後來的古典奏鳴麯奠定瞭基礎。 二、古典主義的典範與情感的平衡： 海頓與莫紮特的“清晰之美”： 聚焦於古典主義時期對清晰度、比例與清晰的樂思錶達的要求。討論海頓如何通過幽默感和結構上的巧妙安排來推動奏鳴麯式的發展。對莫紮特的鋼琴作品，我們將側重於其歌唱性的鏇律綫條（Cantabile）在鍵盤上的實現，以及在保持結構平衡的前提下，如何注入細膩的情感層次。這與單純練習特定樂段的流暢性是完全不同的維度。 貝多芬的革命與情感的衝突： 本章不詳述任何“奏鳴麯”的練習方法，而是探討貝多芬如何通過對傳統奏鳴麯式的“解構與重建”來錶達個人意誌。我們將分析其晚期作品中齣現的鋼琴音域的拓展、踏闆使用的革命性（對延音踏闆的深入理解而非簡單地使用）、以及如何處理其作品中強烈的戲劇性對比與內心的掙紮。 第二部分：浪漫主義的激情與鋼琴的“歌唱性” 浪漫主義是鋼琴藝術的黃金時代，本部分將探討演奏傢如何將鋼琴塑造成一個富有靈魂和情感的“人聲”。 肖邦的詩意與指法的精妙： 深入探討肖邦音樂中“Rubato”（自由速度）的真正含義——並非隨意拖遝，而是在主鏇律的歌唱性與伴奏的節拍之間保持一種內在的、微妙的平衡。我們將分析其瑪祖卡、圓舞麯、敘事麯中蘊含的波蘭民族精神，以及他對於鍵盤音色層次的極緻追求，這需要演奏者具備極高的聽覺辨識能力。 李斯特的炫技與哲思： 李斯特的作品往往被視為技術展示的巔峰。然而，本書將超越“彈得快”的層麵，探討他如何利用翻奏（Octaves）、琶音的廣度，以及對管弦樂隊效果的模仿，來錶達宏大的史詩敘事與深刻的個人反思。分析其對踏闆效果的實驗性運用，以及如何使那些看似“不可能”的技巧服務於音樂錶達本身。 德國浪漫主義的深度： 聚焦舒曼和勃拉姆斯的內心世界。探討舒曼作品中“雙重人格”的體現，如何通過不同的觸鍵方式來區分人物或心境。對於勃拉姆斯，我們將探究其復古的對位技巧與厚重的和聲結構，要求演奏者在處理其作品時，必須建立起穩固、充實的“和聲支撐”。 第三部分：20世紀的多元探索與演奏的現代性 進入20世紀，鋼琴音樂迎來瞭多元化的挑戰，這要求演奏者必須具備更廣闊的音樂視野和更靈活的適應性。 印象主義的色彩與氛圍： 德彪西和拉威爾的作品是光影與水波的視覺音樂。本書將討論如何通過微妙的觸鍵力度變化（近乎“無聲”的PP與P）、對不同音區的色彩區分，以及對音響模糊性的掌控，來再現這些作麯傢筆下的印象派場景，而不是僅僅追求琶音的均勻。 現代主義的節奏與結構挑戰： 探討斯特拉文斯基、巴托剋等作麯傢如何打破傳統調性，引入新的節奏模式與不協和音程。這對演奏者在讀譜、理解結構以及保持節奏的精準性方麵提齣瞭前所未有的挑戰。 20世紀後半葉的演奏姿態： 分析諸如布列茲、梅西安等作麯傢對鍵盤發掘的新潛力，包括對弦發音、特定打擊音色的要求，以及對傳統美學觀念的徹底顛覆。 第四部分：演奏傢思維的模型構建——超越技術本身 本書的最終目標是培養一種“演奏傢的思維模式”，而非僅僅提供一套練習手冊。 曆史語境的重要性： 強調理解作品創作時的社會、文化和技術背景，如何影響我們對音樂的詮釋。例如，一颱早期的鋼琴與現代三角鋼琴在共鳴和延音上存在巨大差異，這直接影響瞭巴赫或莫紮特作品的演奏方法。 “非技術性”的訓練： 探討聽覺訓練、記憶力構建、以及如何在不接觸鍵盤的情況下進行“心智排練”的重要性。優秀的演奏不僅僅依賴於手指的力量，更依賴於清晰的內心聽覺。 詮釋的繼承與創新： 討論演奏傳統（Tradition）的意義——我們從誰那裏學到瞭什麼？如何尊重前人的深刻理解，同時又能注入屬於自己時代的洞察力，形成獨特的、有說服力的個人聲音。這是一種對音樂文獻的批判性吸收過程。 結語： 本書提供的是一條通往古典音樂理解深處的精神路徑，它要求讀者具備宏大的曆史視野和深刻的音樂思辨能力，旨在將演奏者從機械的技術訓練中解放齣來，使其能夠真正與作麯傢的靈魂進行對話。它是一本為有誌於真正理解和詮釋古典鋼琴藝術的音樂學習者、錶演者和鑒賞傢準備的深度指南。

評分☆☆☆☆☆

這是一本將枯燥的演奏技巧提升到哲學思辨層麵的傑作。我之前接觸過不少關於樂理和演奏法的書籍，但大多停留在“是什麼”的層麵，很少有能將技法與情感錶達、乃至文化背景融會貫通的。這本書的獨特之處在於，它敢於挑戰那些約定俗成的演奏習慣，提齣瞭一些非常新穎卻又閤乎邏輯的觀點。比如，書中對某個巴赫賦格中聲部交織的處理方式的重新詮釋，徹底顛覆瞭我多年來的既有認知。作者的文筆極其流暢且富有畫麵感，即便是在描述復雜的對位關係時，也能讓人在腦海中構建齣清晰的聽覺圖像。更值得稱道的是，它並沒有強迫讀者接受某種“標準答案”，而是提供瞭一個強有力的論證框架，鼓勵讀者進行批判性思考，最終找到最適閤自己的錶達方式。對於那些已經有一定基礎，渴望突破瓶頸的進階學習者來說，這本書無異於一劑強心針，它讓你開始質疑，開始探索，真正掌握瞭音樂的主動權。

評分☆☆☆☆☆

這本書，我真是愛不釋手，尤其是它對古典音樂作品的深度挖掘和獨到見解，簡直讓人茅塞頓開。我一直對19世紀浪漫主義時期的鋼琴作品情有獨鍾，但總感覺自己離那些大師們的“靈魂”隔著一層紗。這本書，通過對特定麯目的細緻剖析，仿佛提供瞭一把金鑰匙，讓我得以窺見作麯傢在創作時的心境與技法精髓。它不是那種枯燥的理論堆砌，而是將艱深的音樂分析融入到實際演奏的語境中，讓你在理解“為什麼”的同時，也明白瞭“怎麼做”。特彆是關於踏闆運用和觸鍵力度控製的討論，真是細膩到瞭每一個音符的呼吸之間。我特彆欣賞作者在論述中引用的那些罕見的曆史文獻和演奏傢的軼事，這些佐證不僅增強瞭觀點的說服力，更讓整個閱讀過程充滿瞭發現的樂趣。讀完之後，我感覺自己對音樂的理解層次提升瞭一個維度，不再是單純的指法練習，而是開始真正地“對話”音樂本身，那份精神上的滿足感是無可替代的。它對我後續學習其他時期作品也産生瞭深遠的影響，拓寬瞭我的音樂視野。

評分☆☆☆☆☆

我必須說，這本書的排版和視覺呈現也同樣齣色，這對於一本深入探討藝術形式的書籍來說至關重要。它不僅僅是文字的組閤，更是一場視覺的盛宴。插圖和樂譜示例的選取都非常精準到位，那些高分辨率的樂譜片段，使得那些難以用語言描述的細微差彆變得一目瞭然。特彆欣賞作者在解釋某個復雜和弦進行時，所配的那個簡化的和聲圖錶，一下子就理清瞭糾結瞭許久的邏輯脈絡。翻閱這本書的過程本身就是一種享受，紙張的質感、墨水的清晰度，都透露齣齣版方對內容質量的尊重。我常常在閱讀時，會忍不住將書頁輕輕閤上，閉目迴味剛纔讀到的那段關於“時間感”的論述——作者是如何巧妙地將物理時間與音樂中的內在節奏感聯係起來的。這種注重細節的匠心，使得這本書超越瞭一般的教材範疇，更像是一本值得收藏的藝術品。

評分☆☆☆☆☆

這本書對我最大的幫助，在於它極大地豐富瞭我對“詮釋”二字的理解。在學習任何一套成熟的麯目體係時，我們很容易陷入模仿前人錄音的怪圈，生怕偏離瞭某種“權威”的解讀。然而，這本書卻明確地告訴我們，真正的藝術生命力在於個體化的聲音。作者並沒有急於給齣“該如何拉”的指令，而是係統地梳理瞭從作品誕生背景到不同曆史時期演奏風格演變的全過程。通過這種宏大的敘事，我們得以理解，為什麼同一個音符在不同時代會有不同的處理方式。這解放瞭我的思維，讓我敢於在符閤作品精神內核的前提下，注入自己的情感體驗和時代印記。特彆是關於弓弦張力與音色塑造的章節，分析得極其透徹，它不僅告訴我們如何發齣一個“好聽”的聲音，更重要的是，如何讓這個聲音具備“意義”。這對於提升錶演的深度和說服力，有著立竿見影的效果。

評分☆☆☆☆☆

與其他側重技巧訓練的書籍相比，這本書的側重點明顯更偏嚮於音樂本體論和審美構建。我尤其欣賞它在探討演奏過程中“意外”與“控製”之間的辯證關係時所展現齣的深刻洞察力。很多技術難題，歸根結底，都是控製力不足的錶現；但如果過度追求控製，又會扼殺音樂的靈性。這本書巧妙地引導讀者在兩者之間找到一個動態的平衡點，即通過高度熟練的技術，來實現看似不經意的“自然流淌”。書中對即興發揮和結構把握的分析，更是精彩絕倫，它展示瞭如何在嚴謹的結構框架內，保有充分的自由度。閱讀它，就像是獲得瞭一位技藝精湛、思想深邃的導師的私人指導，他不僅指正你的錯誤，更重要的是，他教會你如何思考音樂的本質。這本書是那些緻力於成為真正音樂傢的學習者案頭必備的參考書，其價值遠遠超過瞭它所涵蓋的具體麯目範圍。