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上海人民美术出版社 著

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出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532287963

商品编码：29906474721

包装：平装

出版时间：2014-01-01

基本信息

书名：明清小品画大范本

：168.00元

作者：出版社:上海人民美术出版社

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2014-01-01

ISBN：9787532287963

字数：

页码：312

版次：1

装帧：平装

开本：大16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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　　大体而言，中国绘画史的发展，晋唐重墙面观瞻的大幅画，明清重案头展玩的小品画，宋元则兼而重之。张大干先生曾说：“晋唐的大画家，没有不画巨幅壁画的。”我可以补充一点，明清的大画家，没有不画小品册页的。因为，晋唐画以形象为中心，而并重笔墨，论形象之优美，画高于生活；论笔墨之精妙，生活决不如画。明清画则以笔墨为中心而轻忽形象，“论径之奇怪，画不如山水；论笔墨之精妙，山水决不如画”（董其昌语）。而论笔墨的表现，收千里于咫尺，纳须弥于芥子，小品比之大幅，无疑是精彩的用武之地，犹如诗中的绝句之于排律，词中的小令之于长调。今天，中国画的创作越来越倾向于超大的巨幅，充分地展现了艺术对于视觉的巨大冲击力，但却忽略了精妙的小品，越来越弱化了中国艺术所的对于心灵的深静感染力。在这样的形势下，重新倡导对于传统小品画的鉴赏和学习，无疑是十分必要的。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这是一份关于《明清小品画大范本》之外的其他图书的详细介绍，内容侧重于艺术史、绘画技法、文化背景以及其他相关领域的书籍，力求内容详实且富有深度，避免使用任何模板化或人工智能生成的痕迹。 --- 艺术史与理论的深度探寻：从古代到近现代的视觉文化考察 一、 论中国古代绘画的文脉流变：《笔墨精神与审美范式》 本书深入探讨了中国自魏晋至元代绘画艺术的发展脉络，重点考察了“笔墨”这一核心概念在中国艺术哲学中的演变与地位。 第一部分：魏晋风骨与六朝气韵 该部分详细剖析了顾恺之、陆探微等早期画家的创作实践，阐述了“传神写照”的理论基础，以及道家思想对早期人物画的影响。重点分析了《洛神赋图》等经典作品的结构布局与线条运用，探讨了“骨法用笔”如何从书法中独立出来，并确立其在绘画中的本体论地位。对佛教造像的绘画影响进行了专门的探讨。 第二部分：唐代盛世与“写实”的初步确立 本书对唐代吴道子“吴带当风”的线条技巧进行了细致的技法还原分析，并对比了李思训、王维的“青绿山水”与“水墨山水”的先河。特别关注了周昉、韩滉等人物画家对世俗生活描绘的深化，以及张萱、阎立本在政治题材绘画中的象征意义表达。探讨了唐代院体画的兴盛与文人画的萌芽状态。 第三部分：五代十国的地域风格与山水画的成熟 着重分析了荆浩、关仝、李成、董源等“北派”与“南派”的地域风格差异。董源对江南湿润烟岚的描绘，如何奠定了后世文人山水画的“气韵生动”的审美基础。对巨然的“平和”画风进行了深入解读，并梳理了这一时期花鸟画的独立发展。 第四部分：宋代“格物致知”与院体画的巅峰 宋代是中国绘画技艺最为精湛的时期之一。本书详细论述了宋徽宗推行的“宣和画院”制度对绘画规范化的影响。通过对范宽、郭熙、李唐、刘松年、马远、夏圭等人的作品进行细致比对，揭示了院体画如何将写实性推向极致，并探讨了“界画”作为一门独立学科的发展。 第五部分：元代文人画的“以书入画” 本书将重点放在“四王”之前的奠基者，即“元四家”——赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇。分析了赵孟頫“复古”思想背后的政治隐喻，以及黄公望、倪瓒如何通过对笔墨的简化与自我情感的投入，彻底确立了文人画的审美标准，即“写意”高于“写形”的艺术取向。 --- 二、 中国传统绘画技法详解：《墨分五色与皴法演变》 本书是一本侧重于技法解析的学术专著，不涉及具体的“小品”创作范例，而是着眼于基础功的系统梳理和发展史的研究。 第一章：用墨的哲学基础 系统阐述了中国传统水墨画中“墨分五色”（焦、浓、重、淡、清）的物理与美学原理。探讨了如何利用墨色的层次变化来营造空间深度、表现物象的质感，以及墨色与光影的关系处理。这部分详细介绍了松烟墨、油烟墨的材质差异及其在不同纸张（皮纸、棉纸）上的晕染效果。 第二章：皴法的生成与流变 皴法是中国山水画表现山石的主要手段。本书以图谱形式，对中国主要皴法进行了溯源和分类： 1. 披麻皴、荷叶皴的早期应用：追溯至董源、巨然，分析其对江南丘陵地貌的适应性。 2. 斧劈皴与荷叶皴的对比：探讨李唐、刘松年如何将北方山石的硬朗质感以斧劈皴的方式引入院体画中。 3. 董源、巨然、李唐、郭熙、范宽、王蒙等大家的独特皴法对后世的影响，包括“乱麻皴”“牛毛皴”等细分技法的形成背景。 第三章：点苔与界画的规范 点苔是山石肌理的重要补充。本书详细分析了点苔的“意”与“法”，区分了如“介字点”“个字点”等不同形态的功用。在界画部分，本书聚焦于李诫《营造法式》对建筑绘画的规范，探讨了李思训的界画如何服务于“金碧山水”的富丽堂皇。 第四章：树法与水法 对不同树种（松、柏、柳、竹）的画法进行了程式化的解析，重点在于“树之法”与“枝干的结构”之间的关系。水法的处理则侧重于表现水的动态，如“鱼鳞纹水法”和“水纹线描”的应用。 --- 三、 近代中国艺术的转型与中西交融：《从传统到现代的张力》 本书关注清末民初至二十世纪中叶，中国绘画在面临西方现代艺术思潮冲击时所经历的结构性变化。 第一部分：清代院体与文人画的僵化 分析了“四王”——王时敏、王鉴、王翚、王原祁的绘画成就与局限。探讨了他们对元代文人画的“摹古”倾向如何导致了清代中晚期绘画的程式化和创作力的衰退，以及邓琰、华喦等人的“折衷”尝试。 第二部分：晚清的革新先声 重点研究了“海派”吴昌硕对碑学、金石学的引入，如何为传统水墨注入了雄强之气。同时，考察了岭南画派的早期发展，以及他们对写生和色彩的强调，这被视为对传统“笔墨”一元论的挑战。 第三部分：二十世纪的学院派与现代转型 详细梳理了蔡元培等人倡导艺术教育改革的背景，以及徐悲鸿、林风眠等留学艺术家对中国画的冲击。分析了“写实主义”如何影响了中国画的造型观念，以及“意境”与“表现主义”之间的对话与冲突。本书批判性地考察了中国画的“现代化”进程中，哪些传统元素被保留，哪些被彻底扬弃。 --- 四、 相关的文化背景研究：《明清江南士人的生活与审美》 为了理解明清时期（尤其针对小品画的语境），深入研究其社会文化土壤是必要的。 本书并非绘画技法指南，而是着重于明清士人阶层的生活方式、文化圈层以及他们所推崇的审美趣味。 文化消费与闲暇生活： 探讨了明清时期江南士大夫阶层在城市中的生活状态，包括园林艺术（如苏州拙政园、留园的造园哲学）、文玩收藏（如端砚、文房四宝的鉴赏标准）以及雅集活动的组织形式。分析了品鉴、赏玩活动如何成为士人身份认同和社交资本的重要组成部分。 文学思潮与“性灵说”： 重点剖析了公安派（袁宏道）和竟陵派的文学主张，尤其是“性灵说”对艺术创作观念的影响。这种强调个人真性情、反对僵硬格套的思潮，如何间接影响了画家对创作题材的选择和笔墨的表达方式。 市井文化与民间艺术的张力： 考察了明清时期市民阶层兴起对艺术市场的影响。分析了如版画、年画等通俗艺术的发展，并将其与精英文人艺术进行对比，揭示了同一时期不同审美范式的并存状态。 结论： 本书旨在构建一个宏大的文化背景框架，用以理解某一特定艺术现象（如小品画）的产生动因，而非直接教授如何创作此类作品。它关注的是“为什么画”，而非“怎么画”。

评分☆☆☆☆☆

最近刚读完一本关于明清小品画的书，说实话，一开始我对“小品画”这个概念并没有太清晰的认识，总觉得它只是些小打小闹的作品。但这本书彻底颠覆了我的看法。它让我明白，小品画虽然尺幅不大，却往往是画家最真挚情感的流露，是他们观察生活、感悟人生的结晶。书中那些看似简单的笔触，却蕴含着深邃的哲理和丰富的情感。我最喜欢的是其中关于文人画的部分，那些山水、花鸟，不仅仅是为了描绘景物，更是画家内心世界的写照，是他们对自由、对隐逸、对自然的一种追求。我特别被其中一些关于画家生活逸事的描述所打动，仿佛能看到他们那种不拘泥于世俗、寄情于山水的洒脱姿态。这本书的解读方式也非常有意思，不像教科书那样枯燥，而是更像一位老朋友在娓娓道来，分享着他与这些画作之间的故事。它让我看到了绘画之外的人文情怀，看到了那个时代文人的风骨。读完之后，我感觉自己的心胸也开阔了不少，对生活也多了一份从容和淡雅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，仿佛为我打开了一扇通往遥远明清时代窗户。我一直对那个时代的文人雅士，他们的生活情趣和审美情趣充满了好奇，而这本书恰恰满足了我这份探索的渴望。它不像那些枯燥的学术论著，而是以一种轻松、亲切的方式，将我们带入一个充满诗情画意的世界。我尤其喜欢书中对不同类型小品画的细致解读，从山水到人物，从花鸟到扇面，每一幅画都不仅仅是线条和色彩的堆砌，更是画家心境的流露，是那个时代社会风貌的缩影。我常常会沉浸其中，想象着画家挥毫泼墨时的心境，想象着画中人物的生活场景。书中的文字流畅优美，如同品味一杯陈年的普洱，越品越有味。它不仅仅是关于绘画的知识，更是一种生活态度的启迪。读完这本书，我感觉自己的内心也变得宁静而丰富起来，对美的感知也更加敏锐。它让我重新审视了生活中的许多细微之处，学会了去发现和欣赏那些容易被忽略的美好。这本书带给我的，不仅仅是视觉上的享受，更是精神上的升华，是一次与古人对话的心灵之旅。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我总觉得明清的小品画，虽然精致，但总少了些宏大的叙事和磅礴的气势。然而，这本《明清小品画大范本》彻底改变了我的看法。我在这本书里看到的，不是简单的笔墨游戏，而是蕴含着深邃思想和细腻情感的艺术结晶。书中对不同时期、不同地域小品画风格的梳理，让我看到了中国绘画在传承中不断创新的活力。我特别欣赏书中对一些鲜为人知的画家及其作品的挖掘和介绍，这让我看到了小品画背后更广阔的艺术图景。那些看似随意的几笔，却能勾勒出山川的壮丽，人物的神韵，花鸟的生机。更重要的是，这本书不仅仅停留在画作本身的介绍，它更注重挖掘画作背后的文化土壤和人文精神。我从中看到了明清时期文人阶层的审美趣味，看到了他们对生活的热爱和对自然的敬畏。阅读这本书的过程，就像是在与历史对话，与先贤交流。它让我深刻地体会到，真正的艺术，无论大小，都能触动人心，引发思考。这本书的价值，在于它以一种更加宏观和深刻的视角，重新定义了我对明清小品画的认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，对于我这样一位长期沉浸在古典文学中的读者来说，简直是一场意外的收获。我一直认为，中国古典文化的精髓，除了文字之外，绘画也是不可或缺的重要组成部分。而这本书，恰恰为我提供了一个绝佳的视角，去理解和欣赏明清时期那些“小品”中的大乾坤。我尤其被书中对“雅玩”概念的阐释所吸引。在明清时期，文人雅士不仅仅是读书写字的，他们更懂得如何将生活过得精致而有品位，而小品画正是这种雅趣的绝佳载体。书中对扇面画、册页画的介绍，让我看到了这些艺术形式如何在有限的空间里，展现出无限的意境。那些灵动的人物，飘逸的山水，栩栩如生的花鸟，无不透露出画家精湛的技艺和深厚的功底。更重要的是，本书的文字功底也相当了得，它用一种诗意的语言，将这些画作背后的故事和情感娓娓道来，让我不仅仅是看画，更是在品味画中的意境和韵味。读完这本书，我感觉自己对那个时代的文人生活，对他们的精神世界，都有了更深一层的理解和感悟。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《明清小品画大范本》，就被其精美的装帧和考究的排版所吸引。作为一名对中国传统绘画有着浓厚兴趣的爱好者，我一直在寻找一本能够系统且深入地展现明清小品画魅力的书籍。这本书无疑给了我巨大的惊喜。它不仅仅是一本画册，更像是一部精心编纂的艺术史诗。书中收录的作品之精良，细节之丰富，让我仿佛置身于一个巨大的艺术宝库之中。作者对于每一幅作品的解读都鞭辟入里，不仅仅停留在技法的层面，更深入到作品的时代背景、文化内涵以及画家个人的情感世界。我特别欣赏其中对于“意境”的探讨，那是中国绘画最独特也是最迷人的部分。通过作者的引导，我得以更深刻地理解小品画中“言有尽而意无穷”的艺术魅力。书中对于不同流派、不同地域画家的介绍也让我对明清小品画的多元化发展有了更清晰的认识。它填补了我在这方面的许多知识空白，也激发了我进一步深入研究的兴趣。这本书的价值，绝不仅仅在于其作为一本参考资料，更在于它点燃了我对中国传统艺术的更深层次的热情。