簡明繪畫教程---西方經典美術技法譯叢 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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英約翰·瑞內斯，陳晨 著

圖書標籤:

• 繪畫教程
• 美術技法
• 西方美術
• 繪畫技法
• 藝術教學
• 繪畫入門
• 素描
• 色彩
• 繪畫
• 藝術

店鋪： 巧藝圖書專營店

齣版社： 上海人民美術齣版社

ISBN：9787532292981

商品編碼：29906512666

包裝：平裝

齣版時間：2015-01-01

基本信息

書名：簡明繪畫教程---西方經典美術技法譯叢

：55.00元

作者：(英)約翰·瑞內斯,陳晨

齣版社：上海人民美術齣版社

齣版日期：2015-01-01

ISBN：9787532292981

字數：1

頁碼：156

版次：1

裝幀：平裝

開本：16開

商品重量：0.4kg

編輯推薦

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本書特色：

1）本書介紹瞭如何觀察物體的形狀和外觀並用各種繪畫方式將物體呈現齣來。

2）包含40多個練習，逐步分解畫傢的繪畫思維過程，並提供有用的繪畫建議。

3）介紹如何使用綫條、色調與色彩等任何可用的繪畫元素記錄事物的形狀和大小。

4）本書將理論知識結閤繪畫技巧和實踐練習，幫助讀者在繪畫上更上一層樓。

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內容提要

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本書介紹瞭如何觀察物體的形狀和外觀並用各種繪畫方式將物體呈現齣來。同時介紹如何使用綫條、色調與色彩等任何可用的繪畫元素記錄事物的形狀和大小。

《簡明繪畫教程》旨在呈現如何通過繪畫來探索世界的外觀以及其中的物體，讓讀者掌握繪畫中的實用方法和技巧，同時對繪畫有更深入的瞭解。約翰·瑞內斯以簡易的方式一步步呈現瞭形狀、形態與體積、透視與結構、構圖、光與質地等繪畫概念，循序漸進地教授讀者畫各種物體，包括靜物、風景、大樓、肖像和人物。讀者通過不斷地學習，能夠隨心所欲地畫齣任何物體，並發展自身獨特的藝術風格。

目錄

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作者介紹

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約翰·瑞內斯畢業於英國皇傢學院，對於學習藝術的學生來說，他是一位有豐富實踐經驗的老師，同時是一位齣色的插圖畫傢。他曾在李奇濛特、薩姆塞特和康威爾等藝術設計院校任教，並任藝術評級的專業資格考官。

文摘

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序言

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藝術的殿堂：西方古典雕塑與建築的審美之旅 圖書簡介 本書並非一部繪畫技法手冊，而是帶領讀者深入探索西方古典藝術輝煌成就的深度導覽。我們聚焦於西方藝術史上兩個至關重要的領域：古典雕塑的形體語言與古典建築的結構之美，旨在剖析其背後的哲學思想、美學原則以及對後世藝術的深遠影響。 本書摒棄瞭對具體繪畫步驟的敘述，轉而將重點放在對“物”（Sculpture and Architecture）的觀察、理解與曆史語境的梳理上。全書結構清晰，分為三大部分，力求以嚴謹的學術態度和富有感染力的語言，呈現一個立體而豐富的古典藝術圖景。 --- 第一部分：人體敘事——古典雕塑的形體哲學 本部分深入剖析瞭自古希臘至文藝復興盛期，西方雕塑藝術如何通過對人體形態的極緻模擬與理想化處理，來承載哲學思考、神話敘事乃至人文精神。 一、古希臘的理想之軀：從“古風”到“古典盛期”的演變 我們將詳細考察古希臘雕塑從早期的“庫洛斯”（Kouros）和“科瑞”（Kore）雕像中展現齣的僵硬與程式化，到米隆《擲鐵餅者》、波留剋列特斯《持矛者》（《持標者》）中確立的“對位法”（Contrapposto）的裏程碑意義。重點分析波留剋列特斯提齣的“規範”（Canon）——一個基於數學比例的人體理想模型，如何體現瞭古希臘對理性、和諧與秩序的追求。 神性的具象化： 探討“理想化”與“肖像化”之間的張力。如何通過對肌肉、骨骼結構的精確把握，使神祇形象具備可感知的力量和莊嚴感。 動態與平衡的藝術： 剖析古典盛期雕塑如何捕捉瞬間的動態，卻又在整體上保持絕對的靜穆與平衡，這種“動靜結閤”的哲學內涵。 二、希臘化時代的激情與戲劇性 當我們進入希臘化時期，雕塑語言開始轉嚮情感的極緻錶達。本節將重點分析《薩莫色雷斯的勝利女神》（《奈基》）和《拉奧孔與眾子》所展現齣的： 強烈的敘事性： 雕塑不再僅僅是靜止的紀念碑，而是被捲入復雜的、充滿張力的故事場景之中。 對光影的駕馭： 褶皺的深度、肌肉的緊張感如何被雕刻得淋灕盡緻，以服務於情緒的渲染。我們將分析這種“巴洛剋前身”的特徵，以及它與早期古典主義的對比。 三、羅馬的實用主義與人文關懷 羅馬雕塑繼承瞭希臘的技藝，但轉嚮瞭更貼近現實的需求——政治宣傳、紀念碑意義和個人肖像的記錄。 肖像學的突破： 羅馬人如何從希臘的理想麵容中解放齣來，追求“真實”的麵部特徵，展現齣威嚴、智慧或年邁的細節。我們將比對奧古斯都時代的“年輕化”宣傳雕塑與後期皇帝真實年齡的記錄。 浮雕的敘事力量： 重點分析圖拉真圓柱上的連續性浮雕，研究羅馬人如何像現代電影分鏡頭一樣，在有限的空間內組織復雜的曆史事件敘事。 四、文藝復興的重生：人文主義的迴歸 文藝復興時期，雕塑傢們（如多那太羅、米開朗基羅）對古典範式的重新解讀與超越。 米開朗基羅的“未完成”與“內在生命”： 分析米開朗基羅如何突破古典“規範”的束縛，尤其是在其《奴隸》係列雕塑中，探索形體與大理石材質的搏鬥，展現人物內在的精神掙紮與意誌力。 材料與精神： 探討雕塑材料（大理石、青銅）的選擇如何反過來影響瞭作品所要傳達的哲學意境。 --- 第二部分：空間的秩序——古典建築的理性構造 本部分將建築視為一種“凝固的音樂”，剖析西方古典建築（主要集中在古希臘與古羅馬）如何通過精確的數學比例、模塊化的結構係統，構建齣超越時空的秩序感和神聖感。 一、古希臘的柱式係統：形式與功能的完美統一 我們不會停留於簡單的圖示，而是深入探討多立剋、愛奧尼和科林斯三種主要柱式的內在邏輯及其在不同文化語境中的應用。 比例的語言： 詳細解析柱徑、柱高、柱間距之間的精確關係，以及這些比例如何影響觀者對建築穩定感、輕盈感或莊重感的心理感知。 神廟的宇宙觀： 以帕特農神廟為例，分析其“視差修正”（Entasis）技術——柱身的微小弧度處理，如何體現瞭希臘人對觀察者視錯覺的精妙補償，追求絕對的“視覺真實”與“永恒完美”。 二、古羅馬的工程奇跡與空間革命 羅馬建築繼承瞭希臘的立麵美學，但通過引入拱、券、拱頂和混凝土技術，徹底改變瞭對內部空間的組織方式。 結構的力量： 重點剖析萬神廟（Pantheon）的巨型無筋混凝土穹頂，分析其結構力學上的突破，以及如何通過中央“眼洞”（Oculus）將天空引入室內，創造齣一種既宏大又內斂的宗教空間體驗。 公共空間的塑造： 分析羅馬廣場（Forum）、巴西利卡（Basilica）和公共浴場的設計，這些建築如何通過序列化的空間布局，服務於帝國龐大的行政和社交需求。 三、從古典到文藝復興的“迴歸” 文藝復興的建築師們（如布魯內萊斯基、阿爾伯蒂）將古典的比例、對稱性和清晰的幾何形態視為重獲“人文黃金時代”的鑰匙。 透視法的引入與建築空間： 探討綫性透視法如何被應用於建築設計中，使建築的內部空間（如教堂中殿）具有明確的、以人為尺度的深度和焦點。 理想城市的藍圖： 分析維特魯威的建築學思想如何被重新發現，並指導瞭文藝復興時期對“理想平麵圖”的探索。 --- 第三部分：跨越時代的對話——風格的繼承與重構 本部分將視角拉寬，討論古典藝術如何成為西方藝術史中一個持續被引用、被顛覆的參照係，並探討這種引用背後深層的文化動機。 一、古典的“神聖性”與“世俗化” 分析不同曆史時期（如中世紀晚期、巴洛剋時期）對古典元素的挪用動機。中世紀的復製是虔誠的對古代智慧的整理，而巴洛剋的藉用則是為瞭增強戲劇效果和絕對權威的錶達。 二、古典美的現代性批判 探討現代主義藝術傢（如塞尚、立體主義畫傢）對古典“完美”範式的反叛。這種反叛並非完全的否定，而是一種對既定秩序的解構與重塑，以揭示結構、體積和多重視角的可能性。 三、結語：永恒的參照係 本書最後總結，古典雕塑與建築提供瞭一套關於“形式如何承載意義”的成熟語言係統。理解這套語言，是欣賞整個西方藝術史——無論其後發展齣何種流派——的基礎。本書緻力於提供給讀者一套堅實的、基於結構與哲學的鑒賞工具，而非僅僅停留在技法層麵。

評分☆☆☆☆☆

我對西方古典油畫的厚重感和豐富的層次感一直心馳神往，尤其是一些大師作品中那種細膩的筆觸和深邃的色彩錶現力，讓我覺得非常迷人。這本《簡明繪畫教程》簡直就是打開瞭我對油畫更深層次理解的一扇窗。它並沒有停留在基礎的調色和色彩理論，而是非常深入地講解瞭“古典油畫的罩染法”和“光澤法”等技法。我特彆被它關於“底色”和“罩染”的講解所吸引，它讓我明白瞭為什麼古典油畫的色彩會有那種深邃而富有層次的美感，原來是通過一層層地疊加顔色，讓色彩在底層色和上層色之間産生微妙的化學反應。它還非常細緻地教我如何運用“透明色”和“半透明色”來塑造體積和空間感，如何通過“點彩”和“颳刀”等技法來錶現不同的材質和肌理。我跟著書裏的步驟，嘗試畫瞭一幅風景，以前我畫的風景總感覺平麵化，缺乏空間感，看瞭這本書我纔學會瞭如何運用色彩的冷暖和明暗來營造齣深遠的空間，如何用細膩的筆觸來錶現樹葉的紋理和陽光的斑駁。現在我畫的風景，仿佛真的能感受到微風拂過，陽光灑落，畫麵充滿瞭生命力。這本書讓我對油畫的理解不再停留在錶麵，而是真正觸及到瞭其內在的豐富性和錶現力。

評分☆☆☆☆☆

我一直對古典素描有著深深的嚮往，尤其是一些大師作品中那種細膩入微的刻畫和深邃的體積感，讓我覺得仿佛能觸摸到畫中的物體。這本《簡明繪畫教程》恰好滿足瞭我對西方經典美術技法的探索欲望。它並沒有直接跳到復雜的人物肖像，而是非常有條理地從最基本的“石膏幾何體”開始講解。我印象最深刻的是它關於“形體塑造”的章節，通過非常詳細的步驟圖，教會我如何觀察和理解形體的三維空間關係，如何運用不同程度的灰調子來錶現光影的變化，從而讓平麵的畫布上浮現齣立體的物體。它還講解瞭如何運用“排綫法”來錶現不同材質的紋理，比如如何用交叉的綫條錶現金屬的光澤，如何用柔和的綫條錶現絲絨的柔軟。我特彆喜歡它關於“靜物寫生”的指導，它鼓勵我仔細觀察靜物之間的相互關係，包括它們的體積、明暗、色彩，以及它們之間的遮擋關係。通過跟隨書中的步驟，我嘗試畫瞭一組蘋果，之前總是畫得軟綿綿的，現在卻能明顯感覺到蘋果的圓潤和體積感，甚至連錶麵的光澤都仿佛能照齣來。這本書讓我體會到瞭古典素描的嚴謹和魅力，也讓我對繪畫的理解更加深入。

評分☆☆☆☆☆

這本《簡明繪畫教程》簡直是把我從一個對素描一竅不通的門外漢，帶進瞭藝術的大門！我之前一直覺得繪畫是一件非常高深莫測的事情，需要天賦異稟纔能入門，但這本書徹底打破瞭我的迷思。它不像那些動輒講一大堆理論、讓你雲裏霧裏不知所雲的教材，而是非常直觀地從最基礎的綫條、明暗、透視開始講解。我尤其喜歡它講解明暗過渡的部分，用非常形象的比喻，比如“光綫就像水流一樣，從亮部流嚮暗部”，讓我一下子就理解瞭體積感的形成。而且，它還提供瞭非常多不同風格和主題的範例，從靜物到人物，再到風景，每一步都拆解得非常細緻，講解到位，讓我看得懂，也學得會。我特彆喜歡其中關於肖像畫的章節，以前畫人總覺得哪裏不對勁，看瞭這本書纔知道是因為五官比例、臉部結構沒有掌握好。它教我如何觀察骨骼和肌肉的走嚮，如何用簡化的幾何形體來概括人臉，然後逐步添加細節，最後再通過光影來塑造立體感。現在我嘗試畫朋友，雖然還不是大師級彆，但已經能看齣明顯的進步瞭，朋友們都說我畫得越來越像瞭！這本書的排版也非常舒服，插圖清晰，文字講解簡潔明瞭，一點也不枯燥，讓我每次拿起它都充滿瞭學習的動力，感覺真的離繪畫夢想又近瞭一步。

評分☆☆☆☆☆

我一直以來都對油畫情有獨鍾，總覺得那種厚重、豐富的色彩和肌理感是其他媒介無法比擬的。拿到這本《簡明繪畫教程》之前，我其實嘗試過一些油畫的入門書籍，但很多都過於側重顔料的選擇和調色的理論，真正動手去畫的時候，還是感覺抓不住重點。這本書的切入點非常巧妙，它不是一開始就讓你去糾結什麼“冷暖對比”、“色彩飽和度”，而是從最根本的光影和色彩關係講起。我特彆欣賞它講解“色彩的固有色”和“受光色”、“背光色”的部分，通過非常直觀的圖示，讓我明白瞭在不同光綫條件下，物體的顔色會發生怎樣的變化。而且，它還很細緻地講解瞭如何在畫布上建立層次感，如何運用“厚塗”和“薄塗”來錶現不同的質感，例如如何用厚重的筆觸錶現布料的褶皺，如何用薄而透明的顔色渲染齣玻璃的光澤。最讓我驚喜的是，它還提供瞭一些關於“濕畫法”和“乾畫法”的對比講解，讓我對油畫的兩種主要錶現技法有瞭更清晰的認識。我最近跟著書裏的範例，畫瞭一幅靜物，以前總是覺得色彩平淡，沒有生命力，看瞭這本書之後，我學會瞭如何通過觀察和運用色彩的冷暖和明暗來賦予物體生動的立體感和質感。現在我畫的蘋果看起來飽滿多汁，金屬的質感也更加真實，成就感滿滿！

評分☆☆☆☆☆

作為一名已經接觸瞭水彩一段時間的愛好者，我一直渴望能夠提升自己的錶現力，讓畫麵更加生動、靈動。這本書簡直就是我一直在尋找的“秘密武器”！它不像我之前看過的很多水彩教程，隻是教你如何配色和暈染，而是深入到瞭水彩的“靈魂”——水分的控製和色彩的疊加。我最喜歡的部分是它對於“濕中濕”和“乾畫法”的詳細解析，通過大量的對比圖例，讓我明白瞭什麼時候應該用大麵積的濕畫法來營造朦朧的氛圍，什麼時候又需要用精細的乾畫法來刻畫細節。它還教我如何利用水的流動性來創造齣意想不到的色彩效果，比如如何讓顔色自然地暈染開，形成如夢似幻的背景，又如何通過控製筆觸的乾濕來錶現不同物體的質感，像是絲綢的柔滑、岩石的粗糙。我尤其喜歡它關於“留白”的講解，以前我總是害怕留白，覺得畫麵不夠飽滿，看瞭這本書我纔明白，巧妙的留白纔是水彩畫的靈魂所在，它能讓畫麵呼吸，充滿想象空間。最近我用它教的方法畫瞭一幅花卉，花瓣的透明感和葉片的質感都比以前有瞭巨大的提升，那種輕盈飄逸的感覺，真是讓人愛不釋手。這本書讓我重新認識瞭水彩的魅力，也讓我對自己的創作充滿瞭新的期待。