简明绘画教程---西方经典美术技法译丛 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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英约翰·瑞内斯，陈晨 著

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店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532292981

商品编码：29906512666

包装：平装

出版时间：2015-01-01

基本信息

书名：简明绘画教程---西方经典美术技法译丛

：55.00元

作者：(英)约翰·瑞内斯,陈晨

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-01-01

ISBN：9787532292981

字数：1

页码：156

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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本书特色：

1）本书介绍了如何观察物体的形状和外观并用各种绘画方式将物体呈现出来。

2）包含40多个练习，逐步分解画家的绘画思维过程，并提供有用的绘画建议。

3）介绍如何使用线条、色调与色彩等任何可用的绘画元素记录事物的形状和大小。

4）本书将理论知识结合绘画技巧和实践练习，帮助读者在绘画上更上一层楼。

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内容提要

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本书介绍了如何观察物体的形状和外观并用各种绘画方式将物体呈现出来。同时介绍如何使用线条、色调与色彩等任何可用的绘画元素记录事物的形状和大小。

《简明绘画教程》旨在呈现如何通过绘画来探索世界的外观以及其中的物体，让读者掌握绘画中的实用方法和技巧，同时对绘画有更深入的了解。约翰·瑞内斯以简易的方式一步步呈现了形状、形态与体积、透视与结构、构图、光与质地等绘画概念，循序渐进地教授读者画各种物体，包括静物、风景、大楼、肖像和人物。读者通过不断地学习，能够随心所欲地画出任何物体，并发展自身独特的艺术风格。

目录

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作者介绍

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约翰·瑞内斯毕业于英国皇家学院，对于学习艺术的学生来说，他是一位有丰富实践经验的老师，同时是一位出色的插图画家。他曾在李奇蒙特、萨姆塞特和康威尔等艺术设计院校任教，并任艺术评级的专业资格考官。

文摘

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序言

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艺术的殿堂：西方古典雕塑与建筑的审美之旅 图书简介 本书并非一部绘画技法手册，而是带领读者深入探索西方古典艺术辉煌成就的深度导览。我们聚焦于西方艺术史上两个至关重要的领域：古典雕塑的形体语言与古典建筑的结构之美，旨在剖析其背后的哲学思想、美学原则以及对后世艺术的深远影响。 本书摒弃了对具体绘画步骤的叙述，转而将重点放在对“物”（Sculpture and Architecture）的观察、理解与历史语境的梳理上。全书结构清晰，分为三大部分，力求以严谨的学术态度和富有感染力的语言，呈现一个立体而丰富的古典艺术图景。 --- 第一部分：人体叙事——古典雕塑的形体哲学 本部分深入剖析了自古希腊至文艺复兴盛期，西方雕塑艺术如何通过对人体形态的极致模拟与理想化处理，来承载哲学思考、神话叙事乃至人文精神。 一、古希腊的理想之躯：从“古风”到“古典盛期”的演变 我们将详细考察古希腊雕塑从早期的“库洛斯”（Kouros）和“科瑞”（Kore）雕像中展现出的僵硬与程式化，到米隆《掷铁饼者》、波留克列特斯《持矛者》（《持标者》）中确立的“对位法”（Contrapposto）的里程碑意义。重点分析波留克列特斯提出的“规范”（Canon）——一个基于数学比例的人体理想模型，如何体现了古希腊对理性、和谐与秩序的追求。 神性的具象化： 探讨“理想化”与“肖像化”之间的张力。如何通过对肌肉、骨骼结构的精确把握，使神祇形象具备可感知的力量和庄严感。 动态与平衡的艺术： 剖析古典盛期雕塑如何捕捉瞬间的动态，却又在整体上保持绝对的静穆与平衡，这种“动静结合”的哲学内涵。 二、希腊化时代的激情与戏剧性 当我们进入希腊化时期，雕塑语言开始转向情感的极致表达。本节将重点分析《萨莫色雷斯的胜利女神》（《奈基》）和《拉奥孔与众子》所展现出的： 强烈的叙事性： 雕塑不再仅仅是静止的纪念碑，而是被卷入复杂的、充满张力的故事场景之中。 对光影的驾驭： 褶皱的深度、肌肉的紧张感如何被雕刻得淋漓尽致，以服务于情绪的渲染。我们将分析这种“巴洛克前身”的特征，以及它与早期古典主义的对比。 三、罗马的实用主义与人文关怀 罗马雕塑继承了希腊的技艺，但转向了更贴近现实的需求——政治宣传、纪念碑意义和个人肖像的记录。 肖像学的突破： 罗马人如何从希腊的理想面容中解放出来，追求“真实”的面部特征，展现出威严、智慧或年迈的细节。我们将比对奥古斯都时代的“年轻化”宣传雕塑与后期皇帝真实年龄的记录。 浮雕的叙事力量： 重点分析图拉真圆柱上的连续性浮雕，研究罗马人如何像现代电影分镜头一样，在有限的空间内组织复杂的历史事件叙事。 四、文艺复兴的重生：人文主义的回归 文艺复兴时期，雕塑家们（如多那太罗、米开朗基罗）对古典范式的重新解读与超越。 米开朗基罗的“未完成”与“内在生命”： 分析米开朗基罗如何突破古典“规范”的束缚，尤其是在其《奴隶》系列雕塑中，探索形体与大理石材质的搏斗，展现人物内在的精神挣扎与意志力。 材料与精神： 探讨雕塑材料（大理石、青铜）的选择如何反过来影响了作品所要传达的哲学意境。 --- 第二部分：空间的秩序——古典建筑的理性构造 本部分将建筑视为一种“凝固的音乐”，剖析西方古典建筑（主要集中在古希腊与古罗马）如何通过精确的数学比例、模块化的结构系统，构建出超越时空的秩序感和神圣感。 一、古希腊的柱式系统：形式与功能的完美统一 我们不会停留于简单的图示，而是深入探讨多立克、爱奥尼和科林斯三种主要柱式的内在逻辑及其在不同文化语境中的应用。 比例的语言： 详细解析柱径、柱高、柱间距之间的精确关系，以及这些比例如何影响观者对建筑稳定感、轻盈感或庄重感的心理感知。 神庙的宇宙观： 以帕特农神庙为例，分析其“视差修正”（Entasis）技术——柱身的微小弧度处理，如何体现了希腊人对观察者视错觉的精妙补偿，追求绝对的“视觉真实”与“永恒完美”。 二、古罗马的工程奇迹与空间革命 罗马建筑继承了希腊的立面美学，但通过引入拱、券、拱顶和混凝土技术，彻底改变了对内部空间的组织方式。 结构的力量： 重点剖析万神庙（Pantheon）的巨型无筋混凝土穹顶，分析其结构力学上的突破，以及如何通过中央“眼洞”（Oculus）将天空引入室内，创造出一种既宏大又内敛的宗教空间体验。 公共空间的塑造： 分析罗马广场（Forum）、巴西利卡（Basilica）和公共浴场的设计，这些建筑如何通过序列化的空间布局，服务于帝国庞大的行政和社交需求。 三、从古典到文艺复兴的“回归” 文艺复兴的建筑师们（如布鲁内莱斯基、阿尔伯蒂）将古典的比例、对称性和清晰的几何形态视为重获“人文黄金时代”的钥匙。 透视法的引入与建筑空间： 探讨线性透视法如何被应用于建筑设计中，使建筑的内部空间（如教堂中殿）具有明确的、以人为尺度的深度和焦点。 理想城市的蓝图： 分析维特鲁威的建筑学思想如何被重新发现，并指导了文艺复兴时期对“理想平面图”的探索。 --- 第三部分：跨越时代的对话——风格的继承与重构 本部分将视角拉宽，讨论古典艺术如何成为西方艺术史中一个持续被引用、被颠覆的参照系，并探讨这种引用背后深层的文化动机。 一、古典的“神圣性”与“世俗化” 分析不同历史时期（如中世纪晚期、巴洛克时期）对古典元素的挪用动机。中世纪的复制是虔诚的对古代智慧的整理，而巴洛克的借用则是为了增强戏剧效果和绝对权威的表达。 二、古典美的现代性批判 探讨现代主义艺术家（如塞尚、立体主义画家）对古典“完美”范式的反叛。这种反叛并非完全的否定，而是一种对既定秩序的解构与重塑，以揭示结构、体积和多重视角的可能性。 三、结语：永恒的参照系 本书最后总结，古典雕塑与建筑提供了一套关于“形式如何承载意义”的成熟语言系统。理解这套语言，是欣赏整个西方艺术史——无论其后发展出何种流派——的基础。本书致力于提供给读者一套坚实的、基于结构与哲学的鉴赏工具，而非仅仅停留在技法层面。

评分☆☆☆☆☆

这本《简明绘画教程》简直是把我从一个对素描一窍不通的门外汉，带进了艺术的大门！我之前一直觉得绘画是一件非常高深莫测的事情，需要天赋异禀才能入门，但这本书彻底打破了我的迷思。它不像那些动辄讲一大堆理论、让你云里雾里不知所云的教材，而是非常直观地从最基础的线条、明暗、透视开始讲解。我尤其喜欢它讲解明暗过渡的部分，用非常形象的比喻，比如“光线就像水流一样，从亮部流向暗部”，让我一下子就理解了体积感的形成。而且，它还提供了非常多不同风格和主题的范例，从静物到人物，再到风景，每一步都拆解得非常细致，讲解到位，让我看得懂，也学得会。我特别喜欢其中关于肖像画的章节，以前画人总觉得哪里不对劲，看了这本书才知道是因为五官比例、脸部结构没有掌握好。它教我如何观察骨骼和肌肉的走向，如何用简化的几何形体来概括人脸，然后逐步添加细节，最后再通过光影来塑造立体感。现在我尝试画朋友，虽然还不是大师级别，但已经能看出明显的进步了，朋友们都说我画得越来越像了！这本书的排版也非常舒服，插图清晰，文字讲解简洁明了，一点也不枯燥，让我每次拿起它都充满了学习的动力，感觉真的离绘画梦想又近了一步。

评分☆☆☆☆☆

我一直对古典素描有着深深的向往，尤其是一些大师作品中那种细腻入微的刻画和深邃的体积感，让我觉得仿佛能触摸到画中的物体。这本《简明绘画教程》恰好满足了我对西方经典美术技法的探索欲望。它并没有直接跳到复杂的人物肖像，而是非常有条理地从最基本的“石膏几何体”开始讲解。我印象最深刻的是它关于“形体塑造”的章节，通过非常详细的步骤图，教会我如何观察和理解形体的三维空间关系，如何运用不同程度的灰调子来表现光影的变化，从而让平面的画布上浮现出立体的物体。它还讲解了如何运用“排线法”来表现不同材质的纹理，比如如何用交叉的线条表现金属的光泽，如何用柔和的线条表现丝绒的柔软。我特别喜欢它关于“静物写生”的指导，它鼓励我仔细观察静物之间的相互关系，包括它们的体积、明暗、色彩，以及它们之间的遮挡关系。通过跟随书中的步骤，我尝试画了一组苹果，之前总是画得软绵绵的，现在却能明显感觉到苹果的圆润和体积感，甚至连表面的光泽都仿佛能照出来。这本书让我体会到了古典素描的严谨和魅力，也让我对绘画的理解更加深入。

评分☆☆☆☆☆

我对西方古典油画的厚重感和丰富的层次感一直心驰神往，尤其是一些大师作品中那种细腻的笔触和深邃的色彩表现力，让我觉得非常迷人。这本《简明绘画教程》简直就是打开了我对油画更深层次理解的一扇窗。它并没有停留在基础的调色和色彩理论，而是非常深入地讲解了“古典油画的罩染法”和“光泽法”等技法。我特别被它关于“底色”和“罩染”的讲解所吸引，它让我明白了为什么古典油画的色彩会有那种深邃而富有层次的美感，原来是通过一层层地叠加颜色，让色彩在底层色和上层色之间产生微妙的化学反应。它还非常细致地教我如何运用“透明色”和“半透明色”来塑造体积和空间感，如何通过“点彩”和“刮刀”等技法来表现不同的材质和肌理。我跟着书里的步骤，尝试画了一幅风景，以前我画的风景总感觉平面化，缺乏空间感，看了这本书我才学会了如何运用色彩的冷暖和明暗来营造出深远的空间，如何用细腻的笔触来表现树叶的纹理和阳光的斑驳。现在我画的风景，仿佛真的能感受到微风拂过，阳光洒落，画面充满了生命力。这本书让我对油画的理解不再停留在表面，而是真正触及到了其内在的丰富性和表现力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经接触了水彩一段时间的爱好者，我一直渴望能够提升自己的表现力，让画面更加生动、灵动。这本书简直就是我一直在寻找的“秘密武器”！它不像我之前看过的很多水彩教程，只是教你如何配色和晕染，而是深入到了水彩的“灵魂”——水分的控制和色彩的叠加。我最喜欢的部分是它对于“湿中湿”和“干画法”的详细解析，通过大量的对比图例，让我明白了什么时候应该用大面积的湿画法来营造朦胧的氛围，什么时候又需要用精细的干画法来刻画细节。它还教我如何利用水的流动性来创造出意想不到的色彩效果，比如如何让颜色自然地晕染开，形成如梦似幻的背景，又如何通过控制笔触的干湿来表现不同物体的质感，像是丝绸的柔滑、岩石的粗糙。我尤其喜欢它关于“留白”的讲解，以前我总是害怕留白，觉得画面不够饱满，看了这本书我才明白，巧妙的留白才是水彩画的灵魂所在，它能让画面呼吸，充满想象空间。最近我用它教的方法画了一幅花卉，花瓣的透明感和叶片的质感都比以前有了巨大的提升，那种轻盈飘逸的感觉，真是让人爱不释手。这本书让我重新认识了水彩的魅力，也让我对自己的创作充满了新的期待。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都对油画情有独钟，总觉得那种厚重、丰富的色彩和肌理感是其他媒介无法比拟的。拿到这本《简明绘画教程》之前，我其实尝试过一些油画的入门书籍，但很多都过于侧重颜料的选择和调色的理论，真正动手去画的时候，还是感觉抓不住重点。这本书的切入点非常巧妙，它不是一开始就让你去纠结什么“冷暖对比”、“色彩饱和度”，而是从最根本的光影和色彩关系讲起。我特别欣赏它讲解“色彩的固有色”和“受光色”、“背光色”的部分，通过非常直观的图示，让我明白了在不同光线条件下，物体的颜色会发生怎样的变化。而且，它还很细致地讲解了如何在画布上建立层次感，如何运用“厚涂”和“薄涂”来表现不同的质感，例如如何用厚重的笔触表现布料的褶皱，如何用薄而透明的颜色渲染出玻璃的光泽。最让我惊喜的是，它还提供了一些关于“湿画法”和“干画法”的对比讲解，让我对油画的两种主要表现技法有了更清晰的认识。我最近跟着书里的范例，画了一幅静物，以前总是觉得色彩平淡，没有生命力，看了这本书之后，我学会了如何通过观察和运用色彩的冷暖和明暗来赋予物体生动的立体感和质感。现在我画的苹果看起来饱满多汁，金属的质感也更加真实，成就感满满！