鋪路石(茅原音樂文集2)/音樂論著叢書 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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茅原 編

圖書標籤:

• 音樂理論
• 音樂史
• 音樂美學
• 茅原音樂
• 音樂評論
• 中國現代音樂
• 音樂文化
• 音樂哲學
• 藝術理論
• 音樂普及

店鋪： 北尚圖書專營店

齣版社： 上海音樂學院

ISBN：9787806922910

商品編碼：29966805066

開本：32

齣版時間：2007-06-01

基本信息

• 商品名稱：鋪路石(茅原音樂文集2)/音樂論著叢書
• 作者：茅原
• 定價：29
• 齣版社：上海音樂學院
• ISBN號：9787806922910

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2007-06-01
• 印刷時間：2007-06-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：32開
• 包裝：平裝
• 頁數：285
• 字數：245韆字

編輯推薦語

本書為“音樂論著叢書”之茅原音樂文集二，收入瞭試論音樂的審美功能、音樂的內容與形式的關係、黃自美學思想辨析、從“意境三層次說”引發的思考、哲學傢的美學、音樂傢的美學、《周易》美學談、從王光祈論戲麯音樂談到他的美學觀、《二泉映月》的啓示——音樂美何處尋？有關音樂學事業可持續發展的思考等文章，通過音樂理解其所指嚮的現實生活。

作者簡介

茅原，1928年生，山東濟南人。畢業於山東大學藝術係及中央音樂學院蘇聯專傢班。現任南京藝術學院教授，東南大學藝術學院研究所、麯阜師範大學、西北民族學院、徐州師範大學兼職教授，中國音樂傢協會會員，中國音樂美學學會會員，《美學與藝術學研究》編委，江蘇評論傢協會及江蘇大學生素質教育委員會顧問。齣版專著有《未完成音樂美學》及《中外名麯賞析》。曾獲美國傳記學會(ABI)頒發的20世紀文化成就奬，傳記收入《中國專傢大辭典》、人民畫報及中國社科院文獻信息中心《共和國專傢成就博覽》、英國劍橋傳記學會(IBC)《有成就的**知名人士》、美國ABI《有成就的五百名人》等書。享受政府特殊津貼。

目錄

自序
試論音樂的審美功能
音樂的內容與形式的關係
黃自美學思想辨析
從“意境三層次說”引發的思考
哲學傢的美學
音樂傢的美學
《周易》美學談
從王光祈論戲麯音樂談到他的美學觀
《二泉映月》的啓示——音樂美何處尋？
馬剋思的哲學對音樂美學的啓示(上)自然性與社會性
馬剋思的哲學對音樂美學的啓示(中)創造論
馬剋思的哲學對音樂美學的啓示(下)價值論
音樂學學科建設問題
現象學的理性批判並音樂作品及其存在方式
評吳梅著《貝多芬》
音樂的民族性與**性
科學主義與神秘主義
有關音樂學事業可持續發展的思考

《和聲的織錦：西方音樂理論的演進與革新》 內容簡介 本書是一部深入剖析西方音樂理論發展脈絡的恢弘巨著。它不僅梳理瞭從古希臘的音高觀念萌芽，到中世紀教會音樂的規範化，再到文藝復興時期復調技術的成熟，直至巴洛剋時期精密的對位法與功能和聲的建立，其間跨越瞭近兩韆年的思想變革與技術創新。作者以嚴謹的學術態度和細膩的敘事筆觸，將晦澀的理論概念轉化為清晰、富有曆史場景感的闡述，旨在為音樂學者、作麯傢及所有熱愛音樂結構之美的讀者，提供一個全麵而深刻的理論參照係。 第一部分：理念的奠基與古老的和聲之源 本書開篇追溯至音樂哲學的源頭——畢達哥拉斯的數學宇宙觀。我們探討瞭古代世界對音程的量化嘗試，以及這些早期概念如何塑造瞭西方音樂思維的底層邏輯。從四度和五度的純粹性，到“音階”這一概念的首次係統化定義，本書詳細考察瞭柏拉圖和亞裏士多剋索斯等思想傢在音樂本體論上的爭論，揭示瞭理論與實踐在古典時期如何相互滲透。 隨後，我們將目光投嚮教會時代的音樂實踐。中世紀的格裏高利聖詠如何成為歐洲音樂的基石？本書細緻分析瞭定鏇律（Cantus Firmus）的運用，以及對位（Organum）的原始形態。重點剖析瞭記譜法（Neumes）的演變過程，如何從單純的記憶輔助工具，逐步發展為能夠精確記錄多聲部音樂的科學體係。阿奎那的哲學思辨與教會禮儀對音樂“神聖性”的界定，構成瞭這一階段理論框架的核心。 第二部分：文藝復興的復調革命與人本主義的轉嚮 文藝復興時期是音樂思維從單一鏇律嚮多聲部織體（Texture）轉變的關鍵節點。本書著重分析瞭奧蘭多·迪·拉索、帕萊斯特裏那等大師的作品，是如何將對位技術推嚮精緻與平衡的巔峰。我們詳細介紹瞭“模仿手法”（Imitation）的成熟，以及在無伴奏閤唱中實現聲部獨立性與整體和諧的復雜技巧。 此階段理論的重大突破在於對音高的處理更加靈活。隨著調式（Modes）的限製逐漸鬆動，樂思的進行開始展現齣更強的人文色彩和情感錶達。本書探討瞭早期對“和弦”（Chord）這一概念的模糊認識，以及理論傢們如何試圖用更精細的規則來描述日益復雜的聲響現象。 第三部分：巴洛剋時代的理性構建與功能和聲的誕生 巴洛剋時期是西方音樂理論體係最為成熟和規範的階段，本書用最大篇幅來闡述這一時期的貢獻。 通奏低音（Basso Continuo）的統治地位： 這一實踐如何催生瞭對和聲進行（Harmonic Progression）的係統思考？我們深入解析瞭數字低音（Figured Bass）的記譜規則，以及它對即興創作和聲支持的指導意義。 功能和聲的係統化： 詹·皮亞爾·拉莫的理論構建是本書的另一核心。通過對拉莫《和聲論》的解讀，我們清晰地展示瞭“主音、屬音、下屬音”三和弦功能體係的建立過程。這標誌著音樂理論從描述性（描述已有的聲音）嚮規範性（規定應有的進行）的根本性轉變。調性中心的確立，極大地增強瞭音樂的驅動力和戲劇性。 對位法的集大成： 探討瞭巴赫的“賦格麯”如何將對位技法與新興的功能和聲完美融閤，實現瞭結構邏輯與情感張力的統一。本書通過對巴赫《平均律鍵盤麯集》的理論分析，闡釋瞭如何用嚴謹的對位法則來處理所有大小調的和聲關係。 第四部分：古典主義的清晰化與浪漫主義的拓展 進入古典主義時期，音樂的結構更加強調清晰的樂段劃分和對稱性。海頓和莫紮特的作品體現瞭對既有和聲體係的精妙運用，以及麯式（Form）理論的成熟，尤其是奏鳴麯式（Sonata Form）的分析，被置於和聲進行與主題發展的互動關係中進行考察。 然而，理論的邊界在浪漫主義時期被極大地拓寬。李斯特、瓦格納等作麯傢的探索，使得傳統的功能和聲體係承受瞭前所未有的壓力。本書詳述瞭半音化（Chromaticism）的日益普遍，以及如何通過增三和弦、減七和弦等“不協和音”的引入，來模糊調性中心，預示著未來調性瓦解的趨勢。理論傢們開始掙紮於如何用既有的框架去解釋這些充滿情感張力的“灰色地帶”。 結語：理論的終局與未來的視野 本書的尾聲總結瞭西方音樂理論體係的發展規律——即理論的每一次重大突破，都源於對當時最前沿的音樂實踐的總結與規範。從古代的“音程之美”到巴洛剋的“和聲邏輯”，再到浪漫主義的“情感張力”，理論始終在追趕創造力的步伐。 本書旨在提供一個連貫的理論史觀，幫助讀者理解，我們今天所教授和學習的和聲規則，並非永恒不變的真理，而是特定曆史階段下，對聲音現象最有效組織方式的理性結晶。它為下一代音樂理論（如無調性、序列主義等）的誕生，提供瞭必要的曆史背景和堅實的理論鋪墊。閱讀本書，如同跟隨音樂傢們，用理性的尺子丈量鏇律的疆域，以邏輯的眼光審視聲音的結構。

評分☆☆☆☆☆

不得不提的是，叢書的裝幀設計也透露齣一種彆樣的“反叛”氣質。書頁的紙張選擇瞭略帶粗糲感的米黃色，拿到手上有一種沉甸甸的、仿佛從舊書店角落裏淘到的珍本的感覺，與當代音樂理論書籍常見的極簡主義風格形成瞭鮮明對比。更妙的是，書中一些篇章的排版充滿瞭實驗性，有些地方的文字故意留白很多，有些地方又密集地堆砌在一起，就像樂譜上時而稀疏時而擁擠的音符群。這絕不是印刷上的失誤，而是作者對文本“視覺化”處理的一種嘗試，它間接呼應瞭文中所探討的，音樂的“視覺隱喻”與“觸覺感知”。例如，在論述到瓦格納歌劇中的“導機進念”時，排版故意將關鍵概念的注釋擠壓到頁麵的邊緣，強迫讀者必須調整閱讀姿勢，這種物理上的不適感，恰恰模擬瞭聽者在麵對復雜管弦樂織體時，大腦信息超載的體驗。這種用心良苦的細節處理，使得閱讀本身也變成瞭一種跨媒體的藝術欣賞活動，遠超齣瞭單純的文字吸收。

評分☆☆☆☆☆

最讓我感到驚喜的是，作者在處理嚴肅議題時，偶爾會流露齣一種非常個人化、近乎自傳體的敘事痕跡。這讓原本可能高高在上的理論討論，瞬間拉近瞭與讀者的距離。比如，在討論現代電子音樂中的“失真與飽和”時，作者穿插瞭一段關於自己童年時對著老式收音機調試頻率的記憶。那種電流滋滋作響、信號忽強忽弱的聽覺體驗，被作者精準地捕捉並鏈接到瞭後來的閤成器音色設計上。這種連接不是生硬的類比，而是一種基於共同聽覺經驗的共情。它讓讀者意識到，即便是最抽象的聲學原理，其源頭也往往是日常生活中那些不經意間的、充滿情感的“噪音”。這種真誠的、不加粉飾的個人化錶達，打破瞭學術寫作的堅冰，使得理論不再是冰冷的公式，而是帶有體溫的思考過程。我仿佛不是在讀一篇論著，而是在一位智者溫暖的客廳裏，聽他娓娓道來他對聲音世界的癡迷與睏惑。

評分☆☆☆☆☆

我通常對音樂史或流派分析的著作敬而遠之，總覺得它們過於教條化，總是在講述“誰先做瞭什麼”的流水賬。然而，這套文集中的某些部分，卻以一種近乎人類學田野調查的口吻，探討瞭音樂在不同文化語境下的“功能性變異”。其中一篇關於“儀式性噪音”的研究，真是令人拍案叫絕。作者沒有將焦點放在古典音樂體係內，而是深入到一些偏遠地區的祭祀活動，分析那些看似雜亂無章的打擊樂模式，是如何通過重復和失衡來達成群體意識的凝聚。它不是在評價這些音樂是否“好聽”，而是在剖析其社會心理學的效用。這種將音樂從“審美對象”降格為“社會工具”的視角，極大地拓寬瞭音樂的定義邊界。它讓我開始反思，我們平日裏津津樂道的和聲進行和對位法，是否僅僅是特定曆史階段下的一種“工具壟斷”。這種宏大的、跨學科的視野，讓整套書讀起來不再是純粹的藝術理論，更像是一部關於人類感官曆史的編年史。

評分☆☆☆☆☆

這套音樂論著叢書的選篇真是讓人耳目一新，完全跳齣瞭傳統音樂評論的窠臼。我尤其欣賞其中對於聲音本體性的探討，那些關於“純粹聽覺體驗”的論述，簡直像是為我打開瞭一扇全新的窗戶。作者似乎並不執著於分析某個具體的樂章或作麯傢的生平，而是深入到音樂之為音樂的最底層的邏輯。比如，有一篇關於“非結構性時間”的思考，完全顛覆瞭我過去對音樂節奏和樂句的理解。它沒有使用晦澀難懂的術語，而是用非常詩意化的語言，描述瞭聲音如何在我們的意識中流動、消散又重組的過程。讀完後，我再聽任何音樂，都會不自覺地去捕捉那些“被忽略的間隙”，那些在傳統樂理中似乎是“空白”的部分，如今聽起來卻充滿瞭張力與敘事性。這種由內而外的重構感，使得原本看似枯燥的理論探討，變成瞭一場引人入勝的智力探險。如果說傳統的音樂批評是描摹風景，那麼這幾篇文章就是教你如何感知空氣的流動和光綫的摺射。它要求讀者放下固有的框架，用全新的感官去迎接每一次聲波的撞擊，非常適閤那些已經聽膩瞭學院派分析，渴望在聲音世界裏尋找新大陸的聽眾。

評分☆☆☆☆☆

整套叢書在邏輯推進上展現齣一種非綫性的魅力。它不像傳統教材那樣一步步搭建知識體係，而是像一個迷宮，你總是在不經意間從一個看似不相乾的主題，跳轉到瞭另一個核心命題。例如，前一章節還在探討巴洛剋時期的對位法，下一章節可能突然轉嚮瞭對數字采樣技術中“量化誤差”的哲學反思。起初我有些睏惑，覺得跳躍性太大，但深入閱讀後纔發現，作者的意圖恰恰在於揭示看似相隔韆裏的音樂現象背後，其實共享著一套關於“秩序與隨機”的底層矛盾。所有的音樂技巧，無論是精確到秒的電子樂編輯，還是嚴苛的賦格結構，最終都是人類試圖馴服聲音的野性，但又總會在不經意間被那份野性所反噬。這種高明的結構安排，讓讀者始終保持著一種求知若渴的緊張感，它不是直接給你答案，而是不斷在你麵前拋齣新的謎題，迫使你的思維始終處於高速運轉的狀態，讓人愛不釋手，恨不得一口氣讀完所有篇章，隻為理清那潛藏在字裏行間、橫跨曆史長河的隱秘綫索。