铺路石(茅原音乐文集2)/音乐论著丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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茅原 编

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店铺： 北尚图书专营店

出版社： 上海音乐学院

ISBN：9787806922910

商品编码：29966805066

开本：32

出版时间：2007-06-01

基本信息

• 商品名称：铺路石(茅原音乐文集2)/音乐论著丛书
• 作者：茅原
• 定价：29
• 出版社：上海音乐学院
• ISBN号：9787806922910

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2007-06-01
• 印刷时间：2007-06-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：285
• 字数：245千字

编辑推荐语

本书为“音乐论著丛书”之茅原音乐文集二，收入了试论音乐的审美功能、音乐的内容与形式的关系、黄自美学思想辨析、从“意境三层次说”引发的思考、哲学家的美学、音乐家的美学、《周易》美学谈、从王光祈论戏曲音乐谈到他的美学观、《二泉映月》的启示——音乐美何处寻？有关音乐学事业可持续发展的思考等文章，通过音乐理解其所指向的现实生活。

作者简介

茅原，1928年生，山东济南人。毕业于山东大学艺术系及中央音乐学院苏联专家班。现任南京艺术学院教授，东南大学艺术学院研究所、曲阜师范大学、西北民族学院、徐州师范大学兼职教授，中国音乐家协会会员，中国音乐美学学会会员，《美学与艺术学研究》编委，江苏评论家协会及江苏大学生素质教育委员会顾问。出版专著有《未完成音乐美学》及《中外名曲赏析》。曾获美国传记学会(ABI)颁发的20世纪文化成就奖，传记收入《中国专家大辞典》、人民画报及中国社科院文献信息中心《共和国专家成就博览》、英国剑桥传记学会(IBC)《有成就的**知名人士》、美国ABI《有成就的五百名人》等书。享受政府特殊津贴。

目录

自序
试论音乐的审美功能
音乐的内容与形式的关系
黄自美学思想辨析
从“意境三层次说”引发的思考
哲学家的美学
音乐家的美学
《周易》美学谈
从王光祈论戏曲音乐谈到他的美学观
《二泉映月》的启示——音乐美何处寻？
马克思的哲学对音乐美学的启示(上)自然性与社会性
马克思的哲学对音乐美学的启示(中)创造论
马克思的哲学对音乐美学的启示(下)价值论
音乐学学科建设问题
现象学的理性批判并音乐作品及其存在方式
评吴梅著《贝多芬》
音乐的民族性与**性
科学主义与神秘主义
有关音乐学事业可持续发展的思考

《和声的织锦：西方音乐理论的演进与革新》 内容简介 本书是一部深入剖析西方音乐理论发展脉络的恢弘巨著。它不仅梳理了从古希腊的音高观念萌芽，到中世纪教会音乐的规范化，再到文艺复兴时期复调技术的成熟，直至巴洛克时期精密的对位法与功能和声的建立，其间跨越了近两千年的思想变革与技术创新。作者以严谨的学术态度和细腻的叙事笔触，将晦涩的理论概念转化为清晰、富有历史场景感的阐述，旨在为音乐学者、作曲家及所有热爱音乐结构之美的读者，提供一个全面而深刻的理论参照系。 第一部分：理念的奠基与古老的和声之源 本书开篇追溯至音乐哲学的源头——毕达哥拉斯的数学宇宙观。我们探讨了古代世界对音程的量化尝试，以及这些早期概念如何塑造了西方音乐思维的底层逻辑。从四度和五度的纯粹性，到“音阶”这一概念的首次系统化定义，本书详细考察了柏拉图和亚里士多克索斯等思想家在音乐本体论上的争论，揭示了理论与实践在古典时期如何相互渗透。 随后，我们将目光投向教会时代的音乐实践。中世纪的格里高利圣咏如何成为欧洲音乐的基石？本书细致分析了定旋律（Cantus Firmus）的运用，以及对位（Organum）的原始形态。重点剖析了记谱法（Neumes）的演变过程，如何从单纯的记忆辅助工具，逐步发展为能够精确记录多声部音乐的科学体系。阿奎那的哲学思辨与教会礼仪对音乐“神圣性”的界定，构成了这一阶段理论框架的核心。 第二部分：文艺复兴的复调革命与人本主义的转向 文艺复兴时期是音乐思维从单一旋律向多声部织体（Texture）转变的关键节点。本书着重分析了奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里那等大师的作品，是如何将对位技术推向精致与平衡的巅峰。我们详细介绍了“模仿手法”（Imitation）的成熟，以及在无伴奏合唱中实现声部独立性与整体和谐的复杂技巧。 此阶段理论的重大突破在于对音高的处理更加灵活。随着调式（Modes）的限制逐渐松动，乐思的进行开始展现出更强的人文色彩和情感表达。本书探讨了早期对“和弦”（Chord）这一概念的模糊认识，以及理论家们如何试图用更精细的规则来描述日益复杂的声响现象。 第三部分：巴洛克时代的理性构建与功能和声的诞生 巴洛克时期是西方音乐理论体系最为成熟和规范的阶段，本书用最大篇幅来阐述这一时期的贡献。 通奏低音（Basso Continuo）的统治地位： 这一实践如何催生了对和声进行（Harmonic Progression）的系统思考？我们深入解析了数字低音（Figured Bass）的记谱规则，以及它对即兴创作和声支持的指导意义。 功能和声的系统化： 詹·皮亚尔·拉莫的理论构建是本书的另一核心。通过对拉莫《和声论》的解读，我们清晰地展示了“主音、属音、下属音”三和弦功能体系的建立过程。这标志着音乐理论从描述性（描述已有的声音）向规范性（规定应有的进行）的根本性转变。调性中心的确立，极大地增强了音乐的驱动力和戏剧性。 对位法的集大成： 探讨了巴赫的“赋格曲”如何将对位技法与新兴的功能和声完美融合，实现了结构逻辑与情感张力的统一。本书通过对巴赫《平均律键盘曲集》的理论分析，阐释了如何用严谨的对位法则来处理所有大小调的和声关系。 第四部分：古典主义的清晰化与浪漫主义的拓展 进入古典主义时期，音乐的结构更加强调清晰的乐段划分和对称性。海顿和莫扎特的作品体现了对既有和声体系的精妙运用，以及曲式（Form）理论的成熟，尤其是奏鸣曲式（Sonata Form）的分析，被置于和声进行与主题发展的互动关系中进行考察。 然而，理论的边界在浪漫主义时期被极大地拓宽。李斯特、瓦格纳等作曲家的探索，使得传统的功能和声体系承受了前所未有的压力。本书详述了半音化（Chromaticism）的日益普遍，以及如何通过增三和弦、减七和弦等“不协和音”的引入，来模糊调性中心，预示着未来调性瓦解的趋势。理论家们开始挣扎于如何用既有的框架去解释这些充满情感张力的“灰色地带”。 结语：理论的终局与未来的视野 本书的尾声总结了西方音乐理论体系的发展规律——即理论的每一次重大突破，都源于对当时最前沿的音乐实践的总结与规范。从古代的“音程之美”到巴洛克的“和声逻辑”，再到浪漫主义的“情感张力”，理论始终在追赶创造力的步伐。 本书旨在提供一个连贯的理论史观，帮助读者理解，我们今天所教授和学习的和声规则，并非永恒不变的真理，而是特定历史阶段下，对声音现象最有效组织方式的理性结晶。它为下一代音乐理论（如无调性、序列主义等）的诞生，提供了必要的历史背景和坚实的理论铺垫。阅读本书，如同跟随音乐家们，用理性的尺子丈量旋律的疆域，以逻辑的眼光审视声音的结构。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，作者在处理严肃议题时，偶尔会流露出一种非常个人化、近乎自传体的叙事痕迹。这让原本可能高高在上的理论讨论，瞬间拉近了与读者的距离。比如，在讨论现代电子音乐中的“失真与饱和”时，作者穿插了一段关于自己童年时对着老式收音机调试频率的记忆。那种电流滋滋作响、信号忽强忽弱的听觉体验，被作者精准地捕捉并链接到了后来的合成器音色设计上。这种连接不是生硬的类比，而是一种基于共同听觉经验的共情。它让读者意识到，即便是最抽象的声学原理，其源头也往往是日常生活中那些不经意间的、充满情感的“噪音”。这种真诚的、不加粉饰的个人化表达，打破了学术写作的坚冰，使得理论不再是冰冷的公式，而是带有体温的思考过程。我仿佛不是在读一篇论著，而是在一位智者温暖的客厅里，听他娓娓道来他对声音世界的痴迷与困惑。

评分☆☆☆☆☆

我通常对音乐史或流派分析的著作敬而远之，总觉得它们过于教条化，总是在讲述“谁先做了什么”的流水账。然而，这套文集中的某些部分，却以一种近乎人类学田野调查的口吻，探讨了音乐在不同文化语境下的“功能性变异”。其中一篇关于“仪式性噪音”的研究，真是令人拍案叫绝。作者没有将焦点放在古典音乐体系内，而是深入到一些偏远地区的祭祀活动，分析那些看似杂乱无章的打击乐模式，是如何通过重复和失衡来达成群体意识的凝聚。它不是在评价这些音乐是否“好听”，而是在剖析其社会心理学的效用。这种将音乐从“审美对象”降格为“社会工具”的视角，极大地拓宽了音乐的定义边界。它让我开始反思，我们平日里津津乐道的和声进行和对位法，是否仅仅是特定历史阶段下的一种“工具垄断”。这种宏大的、跨学科的视野，让整套书读起来不再是纯粹的艺术理论，更像是一部关于人类感官历史的编年史。

评分☆☆☆☆☆

这套音乐论著丛书的选篇真是让人耳目一新，完全跳出了传统音乐评论的窠臼。我尤其欣赏其中对于声音本体性的探讨，那些关于“纯粹听觉体验”的论述，简直像是为我打开了一扇全新的窗户。作者似乎并不执着于分析某个具体的乐章或作曲家的生平，而是深入到音乐之为音乐的最底层的逻辑。比如，有一篇关于“非结构性时间”的思考，完全颠覆了我过去对音乐节奏和乐句的理解。它没有使用晦涩难懂的术语，而是用非常诗意化的语言，描述了声音如何在我们的意识中流动、消散又重组的过程。读完后，我再听任何音乐，都会不自觉地去捕捉那些“被忽略的间隙”，那些在传统乐理中似乎是“空白”的部分，如今听起来却充满了张力与叙事性。这种由内而外的重构感，使得原本看似枯燥的理论探讨，变成了一场引人入胜的智力探险。如果说传统的音乐批评是描摹风景，那么这几篇文章就是教你如何感知空气的流动和光线的折射。它要求读者放下固有的框架，用全新的感官去迎接每一次声波的撞击，非常适合那些已经听腻了学院派分析，渴望在声音世界里寻找新大陆的听众。

评分☆☆☆☆☆

不得不提的是，丛书的装帧设计也透露出一种别样的“反叛”气质。书页的纸张选择了略带粗粝感的米黄色，拿到手上有一种沉甸甸的、仿佛从旧书店角落里淘到的珍本的感觉，与当代音乐理论书籍常见的极简主义风格形成了鲜明对比。更妙的是，书中一些篇章的排版充满了实验性，有些地方的文字故意留白很多，有些地方又密集地堆砌在一起，就像乐谱上时而稀疏时而拥挤的音符群。这绝不是印刷上的失误，而是作者对文本“视觉化”处理的一种尝试，它间接呼应了文中所探讨的，音乐的“视觉隐喻”与“触觉感知”。例如，在论述到瓦格纳歌剧中的“导机进念”时，排版故意将关键概念的注释挤压到页面的边缘，强迫读者必须调整阅读姿势，这种物理上的不适感，恰恰模拟了听者在面对复杂管弦乐织体时，大脑信息超载的体验。这种用心良苦的细节处理，使得阅读本身也变成了一种跨媒体的艺术欣赏活动，远超出了单纯的文字吸收。

评分☆☆☆☆☆

整套丛书在逻辑推进上展现出一种非线性的魅力。它不像传统教材那样一步步搭建知识体系，而是像一个迷宫，你总是在不经意间从一个看似不相干的主题，跳转到了另一个核心命题。例如，前一章节还在探讨巴洛克时期的对位法，下一章节可能突然转向了对数字采样技术中“量化误差”的哲学反思。起初我有些困惑，觉得跳跃性太大，但深入阅读后才发现，作者的意图恰恰在于揭示看似相隔千里的音乐现象背后，其实共享着一套关于“秩序与随机”的底层矛盾。所有的音乐技巧，无论是精确到秒的电子乐编辑，还是严苛的赋格结构，最终都是人类试图驯服声音的野性，但又总会在不经意间被那份野性所反噬。这种高明的结构安排，让读者始终保持着一种求知若渴的紧张感，它不是直接给你答案，而是不断在你面前抛出新的谜题，迫使你的思维始终处于高速运转的状态，让人爱不释手，恨不得一口气读完所有篇章，只为理清那潜藏在字里行间、横跨历史长河的隐秘线索。