全国高等教育十二五精品教材：色彩构成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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易雅琼 编

图书标签:

• 色彩构成
• 设计基础
• 高等教育
• 教材
• 艺术设计
• 美术
• 色彩理论
• 视觉传达
• 平面设计
• 十二五精品教材

出版社： 航空工业出版社

ISBN：9787802439139

版次：1

商品编码：10965097

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-03-01

页数：111

正文语种：中文

编辑推荐

　　 《全国高等教育十二五精品教材：色彩构成》结合色彩构成课程教学实践经验，以能力教育为核心，使学生掌握色彩构成的基本原理，熟练运用色彩语言，同时培养出有创造能力的适应社会发展需要的设计专业人才。
　　 全书共分五章，分别介绍了色彩构成的基本概念、色彩基础知识、色彩的情感、色彩的搭配、色彩构成的实际应用等内容。

内容简介

　　 色彩构成是艺术与设计的视觉造型基础，是艺术设计专业学生从素描、色彩等绘画基础课程向专业设计类课程迈出的第一步。
　　 《全国高等教育十二五精品教材：色彩构成》共分五章，分别介绍了色彩构成的基本概念、色彩基础知识、色彩的情感、色彩的搭配、色彩构成的实际应用等内容。
　　 《全国高等教育十二五精品教材：色彩构成》非常适合作为高校艺术设计专业及相关专业的教材，也可供平面设计、动画设计等相关人员自学参考。

目录

导论
本章导读
一、什么是色彩构成
二、学习色彩构成的意义与方法
三、色彩构成的产生与发展

第一章 色彩基础
本章导读
第一节 色彩的形成
一、光与色
二、光源色
三、固有色与物体色
四、环境色
五、眼睛与色彩
第二节 色彩的分类与命名
一、色彩的分类
二、系统化色命名法
三、自然色命名法
四、色谱表示法
第三节 色彩的基本属性
一、色干日
二、纯度
三、明度
第四节 色彩的混合
一、色彩的原色
二、加色混合
三、减色混合
四、中性混合（旋转混合和空间混合）
第五节 色彩体系
一、色立体的基本概念及学习意义
二、孟赛尔色立体
三、奥斯特瓦德色立体
四、日本色研会色立体

第二章 色彩的情感
本章导读
第一节 色彩情感与生理效应
一、视觉适应
二、色觉恒常性
三、色彩同化
四、色彩易见度
五、色彩的错觉
第二节 色彩的性格
一、红色——兴奋色
二、橙色——警戒色
三、黄色——醒目色
四、绿色——安全色
五、蓝色——镇静色
六、紫色——神秘色
七、白色——轻柔色
八、黑色——坚硬色
九、灰色——含蓄色
十、金属色——华丽色
第三节 色彩情感与心理效应
一、色彩的冷暖感
二、色彩的软硬感
三、色彩的轻重感
四、色彩的干湿感
五、色彩的空间感
六、色彩的膨胀感与收缩感
七、色彩的华丽感与质朴感
八、色彩的兴奋感与沉静感
第四节 色彩的记忆与联想
一、色彩的具象联想
二、色彩的抽象联想
三、色彩的感官联想

第三章 色彩搭配
本章导读
第一节 色彩搭配的概念和意义
一、色彩搭配的概念
二、色彩搭配的意义
第二节 基于色相对比的搭配
一、色相对比的概念
二、色相对比的类型
第三节 基于纯度对比的搭配
一、纯度对比的概念
二、纯度对比的类型
第四节 基于明度对比的搭配
一、明度对比的概念
二、明度对比的类型
第五节 基于冷暖对比的搭配
一、冷暖对比的概念
二、冷暖对比的类型
第六节 基于面积对比的搭配
一、面积对比的概念
二、面积对比的类型
三、色彩的纯度、明度和面积的关系
第七节 色彩调和
一、类似调和
二、对比调和
第八节 色彩搭配中的点缀、呼应与平衡
一、色彩点缀
二、色彩呼应
三、色彩平衡

第四章 色彩构成的实际应用
本章导读
第一节 视觉传达与色彩构成
一、视觉传达设计的基本概念
二、色彩构成在视觉传达设计中的应用
第二节 产品设计与色彩构成
一、产品设计的基本概念
二、色彩构成在产品设计中的应用
第三节 环境艺术设计与色彩构成
一、环境艺术设计的基本概念
二、色彩构成在环境艺术设计中的应用
第四节 服装设计与色彩构成
一、服装设计的基本概念
二、色彩构成在服装设计中的应用
第五节 网页设计与色彩构成
一、网页设计的基本概念
二、色彩构成在网页设计中的应用
参考文献

前言/序言

艺术的奥秘与实践：光影、比例与视觉和谐的探索 本书并非《全国高等教育十二五精品教材：色彩构成》。 本书旨在为广大艺术、设计、美学爱好者以及相关专业人士提供一套全面、深入且极具实践指导意义的视觉艺术基础构建体系。我们聚焦于色彩理论的底层逻辑、光影的动态关系、比例与构图的内在韵律，以及它们如何共同作用于人类的视觉感知，最终构建出和谐、有力的视觉作品。 本书将引导读者跨越单纯的色彩搭配层面，进入一个更宏大、更基础的视觉语言领域。我们认为，色彩是视觉表达的强有力工具，但它必须依附于光线、结构和空间感知才能发挥其最大效能。因此，本书的结构围绕“光、形、色、序”四大核心支柱展开，力求构建一个完整的视觉认知框架。 --- 第一部分：光影的本质与再现——视觉的基石 光是视觉艺术的起点。没有光，色彩无从谈起，形态亦无法显现。本部分将深入探讨光与物质的交互作用，这不是物理学的复杂公式堆砌，而是艺术实践中对光线特性的敏锐捕捉与转化。 1. 光的物理属性与艺术感知： 我们将详细解析可见光谱的构成，以及不同色温（冷光与暖光）对情绪和空间感的影响。重点探讨“环境光、主光、辅光、轮廓光”在二维平面和三维空间中的作用机制。如何通过控制光的强度和角度，塑造出物体的体积感、质感和深度？ 2. 明度阶梯的构建与控制： 明度（Value）是决定画面结构和清晰度的核心要素。本书将介绍如何建立精确的明度量表，并教授如何将复杂的自然光影系统简化、提炼为可控的艺术语言。我们将剖析大师作品中对高光、亮部、中间调、暗部和投影的处理技巧，强调“灰阶的运用”是区分专业与业余作品的关键。 3. 阴影的艺术： 阴影绝非“缺乏光照的区域”，而是定义形状和深度的关键元素。本书将用大量实例说明，“投射影”（Cast Shadow）与“固有影”（Form Shadow）的区别，以及如何利用环境反射光来“软化”或“强化”阴影的边缘，从而营造出不同的空间氛围，例如清晨的锐利、黄昏的柔和或密室的压抑。 --- 第二部分：形态的秩序与节奏——结构与比例的逻辑 视觉艺术不仅仅是颜色的堆砌，更是对空间和形态的组织。本部分致力于揭示隐藏在自然界和经典艺术作品背后的结构性原则。 1. 黄金分割与斐波那契数列的结构应用： 深入探讨自古以来被建筑师和画家奉为圭臬的比例关系。我们不仅会展示如何计算和应用黄金比例（$Phi$），更重要的是，我们将分析这些比例在“平衡”、“动态”和“引导视线”方面的实际效果。 2. 基础几何形体分析： 任何复杂的物体都可以被分解为基本的几何体——立方体、球体、圆柱体和锥体。本书将教授如何通过精确的线条和透视关系，将这些基本形体转化为具有稳定感或动感的载体。特别关注“负形空间”（Negative Space）的塑造，即背景或空隙如何反过来定义主体形态的精确边界。 3. 韵律、重复与变化： 节奏感是使画面生动起来的“音乐性”。我们将分析不同形式的重复（如等距重复、渐变重复）如何产生视觉上的韵律。同时，通过引入“打破平衡”的元素，探讨“变化”如何增强视觉的张力和趣味性，避免画面陷入呆板的机械感。 --- 第三部分：调性的驾驭与情绪的传达——超越色谱的基础实践 本部分将从更实用的角度，探讨色彩的心理学影响和系统化的调性管理，为色彩的实际应用打下坚实的基础。 1. 色彩的心理学坐标系： 我们将引入色彩的“三属性”（色相、明度、纯度）与人类情绪的对应关系。例如，低纯度、低明度的冷色调如何天然地唤起沉静、忧郁或庄重的感觉；高纯度的暖色调如何激发兴奋与活力。这不再是简单的“红是热情”的标签化认知，而是基于可量化指标的情绪调控。 2. 色相对立与和谐的深度解析： 详细阐述互补色、邻近色、三原色等色彩关系的内在张力。重点分析“色彩的趋前性与退后性”，即如何利用冷暖对比，在二维平面上创造出三维的深度错觉。 3. 调性的统一性： 在任何复杂的色彩组合中，必须存在一个主导的“色调”（Tone）。本书提供了一套“一主导、二辅助、三点缀”的调性管理方法，确保即使使用了多种色彩，整体画面依然保持高度的协调与统一，避免“花”而不“乱”的专业水准。我们将通过研究不同历史时期（如巴洛克、印象派、包豪斯）的色彩倾向，总结出可供借鉴的调性范例。 --- 第四部分：从理论到创作的桥梁——视觉叙事与媒介转化 本章旨在将前三部分学到的基础原理，应用于实际的创作流程和媒介选择之中。 1. 构图的动态规划： 探讨如何将比例和节奏的知识融入到“三分法”、“对角线法则”、“S形曲线”等经典构图技法中。重点训练读者在“初稿阶段”就预设好视觉流线，确保最终作品的引导性是自然且有目的性的。 2. 材质与笔触对视觉的影响： 材质的处理直接影响光线的反射与吸收，进而影响色彩的感知。本书将分析粗糙肌理（如宣纸、粗麻布）如何“吸收”光线，使色彩显得更沉稳；光滑材质（如玻璃、抛光金属）如何“反射”光线，使色彩更具张力。笔触的疏密、干湿，如何进一步强化画面的节奏感和能量。 3. 多媒体环境下的视觉适应性： 鉴于现代设计对屏幕和印刷媒介的依赖，本书最后一部分将讨论RGB与CMYK色彩模型的差异性对创作的实际约束。如何确保您的色彩意图在不同输出设备上保持最大程度的忠实再现，是当代视觉实践者必须掌握的技能。 --- 本书的价值在于系统性。 它提供了一种独立于特定软件或风格的底层思维训练，让学习者得以洞察视觉艺术的永恒规律，从而能够在任何媒介、任何风格下，都能够精准地控制光影、驾驭比例、并高效地传达意图。本书是一部关于“如何看待世界”的工具书，而非仅仅是“如何调配颜色”的指南。它期望读者通过系统的学习，最终能够形成自己独到的、基于科学与美学双重逻辑的视觉判断力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计倒是挺下功夫的，封面色彩搭配得很有层次感，那种饱和度适中的蓝色和米白色的组合，初看之下就给人一种宁静而又专业的印象。拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也相当不错，翻阅起来触感很舒服，不像有些教材用那种薄薄的、一摸就容易留下指纹的纸张。内页的排版布局也看得出来是经过仔细考量的，文字和图例之间的留白处理得恰到好处，不会让人在阅读过程中感到拥挤或信息过载。特别是那些理论概念的配图，印刷色彩的还原度很高，对于学习色彩构成这种视觉学科来说，这一点至关重要。我记得我之前买过几本设计类的书籍，结果因为印刷色差太大，很多微妙的色彩关系根本看不出来，白白浪费了时间。这本教材在这一点上做得非常到位，即便是初学者，也能通过书中的插图直观地理解不同色彩体系下的视觉效果差异。而且，书脊装订得很牢固，即便经常翻阅，也不用担心会散页。从一个读者的角度来说，这样的实体体验感，极大地提升了学习的愉悦度和效率。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附加资源和辅助学习工具的设计，体现了现代教育的进步性。我指的是书后附带的光盘或者在线资源包（尽管我目前主要使用的是纸质版）。这种配套资源极大地扩展了教材的实用边界。例如，它提供了一系列经过专业校准的色彩样本库，这些样本库不仅仅是RGB或CMYK数值，还附带了在不同打印介质和屏幕显示器上可能产生的预期效果说明，这在校色和跨媒体输出时极为关键。更重要的是，它包含了一些交互式的练习模块，比如让你根据给定的情绪关键词，拖拽色块来快速生成一组初步的调色板，系统会实时反馈其“和谐度评分”。这种即时反馈机制，极大地加速了对色彩组合直觉的训练。它把原本需要花费大量时间在画板上反复试验的过程，浓缩成了一个高效的数字演练场，使得学习过程充满了探索的乐趣，真正实现了理论与实践的无缝对接。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度和广度，着实超出了我对一本“十二五精品教材”的预期。它不仅仅是简单地罗列了色相、明度、纯度这些基础概念，而是深入挖掘了色彩在不同文化背景下的象征意义和心理影响。我尤其欣赏其中关于“环境色与局部色”的章节，作者没有停留在表面的色彩搭配技巧，而是引入了大量的环境光照和观看距离对人眼色彩感知影响的科学论述。这使得内容不再是干巴巴的规则集合，而更像是一套系统的、基于科学原理的视觉感知训练手册。比如，书中分析了不同时代艺术流派对色彩的运用偏好，从印象派的光影捕捉到后现代主义对非自然色彩的解构，这种跨学科的视野，让色彩学习变得立体而有趣。它强迫你去思考“为什么”而不是仅仅记住“是什么”，这种启发性的教学方式，对于培养创意思维是极为宝贵的。读完相关章节，我感觉自己看待日常的街道、建筑乃至光线变化的方式都变得更加敏锐和复杂了。

评分☆☆☆☆☆

教材在实践应用导向方面做得非常出色，这一点对于我这种更注重动手操作的学习者来说，简直是如获至宝。它不是那种只会纸上谈兵的书。书中有大量案例分析，涵盖了平面设计、服装设计乃至室内空间设计等多个领域。最让我印象深刻的是，它提供了一套结构化的“色彩方案构建流程”。这个流程把从初始灵感收集、情绪板制作、到最终色彩稿输出的每一步都详细拆解了，并且每一步都配有清晰的步骤图和实际项目成果对比。这套方法论的价值在于，它提供了一个可复制的框架，让原本看似玄学、全凭感觉的色彩选择，变成了一套可以被系统化管理和优化的工程。我尝试按照书中的步骤，为一个虚拟的品牌标志重新设计了色彩方案，结果比我以往凭直觉摸索出来的效果要和谐且有说服力得多。这本教材真正教会了我如何“设计”色彩，而不是仅仅“选择”色彩。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，对于某些已经具备一定美术基础的学习者来说，前期的理论铺陈可能会显得略微冗长。我个人在接触到关于色彩三要素基础定义和色彩和谐理论的章节时，确实有种“是不是有点太基础了”的感觉。这些内容在其他入门级读物中已经反复出现过，虽然本书的阐述更为严谨，加入了更多严谨的学术脚注和参考资料，但对于急于进入高阶技巧的读者，可能需要一些耐心来略读这部分。不过，话又说回来，正是因为这种对基础的极其扎实的构建，才支撑了后续复杂理论的理解。如果把这本书比作一栋建筑，那么前期的地基打得非常深厚、结构非常稳定，以至于当我们探讨到更复杂的“动态色彩平衡”或“色彩心理学在营销中的应用”时，所有的概念都能牢牢地锚定在坚实的理论基础之上，不会让人产生漂浮感。所以，虽然节奏稍慢，但从长远来看，这种扎实度是值得肯定的。