美术教学指南 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 迈克·帕克斯，约翰·塞斯卡 著，郭家麟，孙润凯 译

图书标签:

• 美术
• 教学
• 指南
• 教育
• 艺术
• 绘画
• 设计
• K12
• 教师
• 课程
• 方法

出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535671578

版次：1

商品编码：11667678

包装：平装

丛书名： 美术教育学系列译丛

开本：16开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　《美术教学指南》（NavigatingtheTeachingofArt）写给即将从事或从事美术教学工作者编写的教育指导用书，内容切合时代要求，表述清晰易懂，指导性强。研究者也可通过这本书了解当下美国美术教师培养的理念与方法。

作者简介

　　迈克·帕克斯，美国布法罗州立大学艺术学院教授。约翰·赛斯卡，美国布法罗州立大学艺术学院教授，纽约州艺术教师协会主席。

　　郭家麟，专业译员，湖南大学翻译专业硕士，曾翻译多部著作。孙润凯，专业译员，湖南大学翻译专业硕士，曾翻译多部著作。

精彩书摘

　　《美术教学指南》：
　　在房子里找一些材料，制作一个可以用且吸引人的乐器。这乐器可以在新班级管弦乐队的弦乐器。打击乐器。木管乐器上演奏。这种乐器的发声应该与它的位置适宜，装饰的颜色与线条应该反映出该乐器的发声类型。
　　使用不同且不相关的物品制作雕像，并且在视觉上可以让人信服。
　　制作一雕像，将两到三个物品整合到一起并改变这些物体本身的意义。
　　仔细地观察来自大自然的物品，通过作画以及书写反思来发现此物品的种种。你的工作是创作一幅紊描，使用不同的线条来描述你的发现。注意细节。
　　想象你是记者。在佛罗伦萨主广场上报道米开朗琪罗的《大卫》的揭幕仪式。写一篇有关此事的报道，其中包括艺术家、市领导以及其他可能在场的人的话。
　　选择修拉作品《大碗岛星期天的下午》中的一个人物，站到课堂的前面，摆出该人物的姿势。告诉我们人物感觉如何，告诉我们你想象此人在想什么，他们接下来会做什么。
　　小组作业：给你康定斯基创作的五幅作品，通过识别这些作品中风格、策略，以及主题的变化，判断出你所认为的画家创作这五幅作品的顺序，并以此顺序来摆放作品。选择小组一员向全班展示你所作判断的基本原理。
　　……

前言/序言

《光影交织：当代摄影艺术的理论与实践》 图书简介 本书并非专注于传统的美术教育范畴，而是将视角完全投向了二十世纪以来，特别是数字时代背景下，摄影艺术作为一种独立的、强大的视觉语言所展现出的复杂性、理论深度与技术革新。我们暂且搁置画笔与雕刀的传统讨论，聚焦于光线捕获的瞬间如何成为思想的载体，以及媒介本身的物质性如何被不断重塑。 一、理论基石：摄影本体论的重构 本书的第一部分深入探讨了摄影的本质问题，力求超越“记录工具”的简单定义，将其置于现代哲学与符号学的光谱之下进行审视。 1. 摄影的“在场”与“缺席”：巴赞与本雅明的回响 我们将细致剖析安德烈·巴赞关于“木乃伊化”的论述，探讨摄影如何通过对瞬间的永恒化处理，实现对时间性的物理性替代，以及这种替代对观众“本体论信任”的影响。随后，引入瓦尔特·本雅明《机械复制时代的艺术作品》，重点分析摄影（尤其是新闻摄影和艺术摄影）如何消解了灵光（Aura），并讨论了在数字像素取代化学乳剂的今天，这一论断如何需要被修正或强化。我们关注的是，当复制变得无限且易得时，图像的“价值”和“独特性”究竟依附于何处——是原始的负片，还是创作者的观念植入？ 2. 图像的政治性与凝视权力：福柯与穆勒的批判 本部分转向批判理论。我们考察罗兰·巴特的《明室》（La Chambre Claire）中关于“指涉项”（Studium）和“刺点”（Punctum）的经典区分，但更侧重于如何利用“刺点”来揭示图像背后隐藏的意识形态和权力结构。例如，在社会纪实摄影中，摄影者如何通过取景框（Framing）的限制，无意或有意地建构了对异域他者或底层群体的“异化凝视”（Othering Gaze）。我们还将引入苏珊·桑塔格对摄影社会功能的剖析，特别关注图像消费与情感麻木之间的复杂辩证关系。 3. 后摄影时代的媒介本体：从模拟到算法 随着数码技术的成熟，图像不再依赖于光化学反应。本书探讨了“后摄影”的概念——图像的生成越来越多地依赖于算法、数据库和后期合成。这引发了对“真实性”的根本质疑。我们分析了数字图像的“可塑性”如何挑战了传统摄影的客观性承诺，并将这一探讨延伸至人工智能生成图像（AIGC）对摄影师主体性的冲击。 二、实践前沿：当代摄影的流派与技术革新 本书的第二部分将理论应用于具体的艺术实践，介绍二十世纪下半叶至今日，摄影领域中涌现出的关键流派及其背后的技术支撑。 1. 直觉的纪实与观念的介入：从纽约学派到杜塞尔多夫学派 我们详细分析了罗伯特·弗兰克（Robert Frank）对传统新闻摄影美学的颠覆，即“非决定性瞬间”如何被更具主观内省色彩的“直觉性记录”所取代。随后，我们将对比美国对客观性的追求与德国杜塞尔多夫学派（如贝尔德·和格尔/Bernd and Hilla Becher）对类型学（Typology）的系统性建构。这种对标准化和系列化的痴迷，展示了摄影如何被用作一种近乎科学的、去情感化的知识生产工具。 2. 暗房的解构与后制工艺的解放 本书着重介绍了那些主动“破坏”或“重塑”显影和冲印过程的艺术家。例如，模拟摄影中的“过程性介入”（Process-based Intervention），包括直接曝光、拼贴、多次曝光以及化学腐蚀等技术。这些技术的使用目的，是揭示媒介本身的物质性，让观众意识到他们所见的并非自然光线的直接投射，而是艺术家干预的结果。在数字领域，则关注“合成景观”（Composited Landscapes）的兴起，探讨如何利用数字拼贴技术创造出超越现实的“超真实”（Hyperreal）场景。 3. 装置、时间与身体：走出二维平面的探索 当代摄影早已突破了传统的画廊框架。本部分会重点介绍摄影如何与其他艺术形式结合： 摄影装置艺术： 探讨将大量、重复或特定排列的图像作为空间构成元素，以实现对时间流逝或信息过载的感官体验。 身体作为媒介： 分析自拍、身体影像与身份政治的交织，特别是艺术家如何利用身体在图像中进行表演性（Performative）的自我构建或抵抗。 时间序列摄影： 区别于传统单张图像的瞬间性，我们考察如何通过延时摄影或连续拍摄系列，来表达过程、变化和生物学上的衰变（Decay）。 三、面向未来：数据、档案与伦理挑战 在本书的收官部分，我们将探讨摄影艺术面对的迫在眉睫的挑战与未来的发展方向。 1. 档案的重量与遗忘的艺术 当代艺术家越来越倾向于挖掘、重组和“再语境化”历史档案（无论是官方的还是私人的）。本书探讨了档案摄影的伦理困境：当历史图像被重新使用时，其原有的语境和受害者是否被重新利用或被简化？艺术家如何负责任地与过去的图像“对话”？ 2. 新媒介的拓展：全景与沉浸式体验 本书将目光投向全景摄影（Panoramic Photography）在虚拟现实（VR）和增强现实（AR）中的应用。探讨当图像从被观看的“窗口”转变为可进入的“环境”时，摄影的叙事模式将发生何种结构性转变。这种沉浸感是否会进一步削弱批判性思维，而强化感官的即时满足？ 总结： 《光影交织》是一本致力于深入解析摄影艺术在理论、技术和文化层面复杂性的专著。它要求读者不仅要学会“看”图像，更要学会“解构”图像生成和传播的机制，理解光影之下的权力游戏，以及人类在数字时代与视觉媒介之间不断演变的关系。它旨在为严肃的艺术爱好者、理论研究者和前沿的视觉创作者提供一个深入思考的框架，完全侧重于摄影这一媒介的独特性及其在当代语境下的深刻意义。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在职的艺术教师，我坦白地讲，我经常感到力不从心，面对日益多元化的学生需求和不断变化的教育政策，总觉得手里的“武器”不够用。这本书的出现，无疑给我注入了一剂强心针。我特别欣赏它在“跨学科融合”方面的论述。它不仅仅停留在“艺术与科学结合”这种老生常谈的层面，而是深入探讨了如何将艺术思维渗透到人文社科、乃至工程技术的教学中去。书中提供了一些具体的“项目式学习”案例，这些案例的复杂性和趣味性都达到了一个很高的水准，让人读后立刻就想回到教室里尝试一番。比如，书中描述的一个“城市空间雕塑设计”项目，不仅涉及美学原理，还包含了社会学调研和材料科学知识，这正是未来教育所需要的复合型人才培养模式的缩影。这本书的论证逻辑清晰有力，几乎没有一句废话，每一个论点都有充分的理论支撑和实践佐证，让人信服其权威性。它不仅仅是一本“教什么”的书，更是一本关于“如何成为一个优秀的艺术教育者”的深度研修手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让人耳目一新，我本来以为它会是一本枯燥的、充满理论的教材，但没想到，作者竟然能将那些复杂的艺术史知识和教学方法，用一种近乎于讲故事的方式娓娓道来。读起来一点都不费劲，反而有一种身临其境的感觉。比如，在讲到文艺复兴时期的透视法时，作者没有直接抛出复杂的几何公式，而是通过描绘当时画家的内心挣扎和对空间感的追求，让我这个非专业人士也能大致领会到那种技术突破的伟大之处。更让我惊喜的是，它对当代艺术教育的探讨也十分深刻，并没有固步自封于传统的学院派，而是大胆地提出了许多富有启发性的新思路，比如如何利用新媒体技术激发学生的创作潜能，如何引导学生在批判性思维中形成自己的审美观。整本书的结构设计非常巧妙，章节之间的过渡自然流畅，仿佛是在进行一场连贯的、深入的对话。我尤其欣赏作者在引用案例时所表现出的那种严谨又不失灵动的笔触，每一个例子都恰到好处地印证了前文的观点，让人信服，读完后感觉自己对艺术教育的理解提升了一个台阶。这本书绝对是艺术教育领域的一股清流，值得反复品读和深思。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿起这本“指南”的时候，内心是抱着一丝怀疑的，毕竟市面上的教学参考书往往是“千篇一律，味同嚼蜡”。然而，这本书却成功地颠覆了我的固有印象。它的叙事节奏把握得极佳，不是那种平铺直叙的流水账，而是充满了动态的张力。作者似乎深谙教育心理学，懂得如何抓住受众的注意力，让枯燥的“教学目标”和“评估标准”变得鲜活起来。我注意到书中大量运用了对比分析的手法，比如将不同文化背景下的艺术教学模式进行碰撞，这种跨文化的视角极大地拓宽了我的视野。特别是关于“如何处理学生对传统艺术的抵触情绪”那一节，作者提供的建议不是生硬的命令，而是一系列循序渐进、充满人文关怀的引导策略，读来让人倍感亲切和实用。从排版上看，这本书的设计也十分用心，适度的留白和清晰的字体选择，让长时间阅读的疲劳感大大降低。它更像是一位资深教育家在午后与你促膝长谈，分享他多年的经验和感悟，那种真诚和深度，是很多公式化的教案所无法比拟的。我强烈推荐给所有在艺术教育一线奋斗的同仁们，它提供的不仅仅是方法，更是一种精神上的支撑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，用一个词来形容就是“沉浸”。它不像教科书那样冰冷地陈列知识点，而更像是一位饱经风霜的艺术家，正在向你敞开心扉，分享他多年来在创作与教学一线摸爬滚打的心得体会。最让我动容的是，作者在探讨“艺术的本质与功用”时，那种近乎于虔诚的态度。他反复强调，艺术教育的目的绝非仅仅是培养出几个画家或设计师，而是培养出具有高敏感度、能够发现并创造美的灵魂。书中对“审美体验的构建”这一环节的论述尤其深刻，他分析了光线、色彩、节奏感在不同媒介中的微妙差异，并给出了一套非常细腻的操作指南，帮助教师去引导学生捕捉那些稍纵即逝的美感瞬间。这本书的行文颇具韵律感，有些段落读起来简直像诗歌，充满了画面感，让人仿佛能透过文字看到那些被成功点燃了创作激情的学生们。它不仅提升了我的专业技能，更重要的是，它重新点燃了我对艺术教育事业的热情与敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书，我花了整整一个周末才粗略翻完，但每一次翻页都伴随着思维的碰撞。我一直觉得，成功的艺术教育，关键在于“发现”而非“灌输”，这本书对此有着独到的见解。它没有试图构建一个放之四海而皆准的“完美教案”，反而强调了教师在不同情境下应具备的“应变能力”和“艺术直觉”。书中关于“如何培养观察力”的部分，是我个人认为的精华所在。作者从基础的素描训练讲起，却将其提升到了哲学的高度——观察不仅仅是用眼睛看，更是用心灵去感知世界。他举了一些非常生活化的例子，比如如何通过观察一片落叶的纹理来理解结构与韵律，这比单纯分析名画要来得更接地气。此外，书中对“评价体系”的探讨也极其有启发性，它提出了“过程性评估”的重要性，认为不应将最终作品的完美程度作为衡量一切的标准，而是要看学生在创作过程中所展现出的探索精神和解决问题的能力。这本书的语言风格介于学术论文和个人随笔之间，既有学术的严谨性，又不失文字的温度，读起来让人感到既受教又被鼓舞。

评分☆☆☆☆☆

书还没有看呢，慢慢看看，应该还不错。

评分☆☆☆☆☆

很好很好很好很好很好很好很好

评分☆☆☆☆☆

还可以

评分☆☆☆☆☆

送货比较慢拆开送的(⊙o⊙)…

评分☆☆☆☆☆

简单翻看了下，还不错的一本书，就是字体有点小

评分☆☆☆☆☆

好书一本，十分值得一看！........

评分☆☆☆☆☆

书还没有看呢，慢慢看看，应该还不错。

评分☆☆☆☆☆

还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！ 还好吧！

评分☆☆☆☆☆

正版书，印刷精良，中小学老师的好资料。