中西方音乐理论专题研究/高校艺术研究论著丛刊 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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肖梅叶晓晨党岱... 编

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出版社： 中国书籍

ISBN：9787506851442

商品编码：11779728074

开本：16

出版时间：2016-11-01

基本信息

• 商品名称：中西方音乐理论专题研究/高校艺术研究论著丛刊
• 作者：编者:肖梅//叶晓晨//党岱
• 定价：54.5
• 出版社：中国书籍
• ISBN号：9787506851442

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-11-01
• 印刷时间：2016-11-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：264
• 字数：413千字

内容提要

肖梅、叶晓晨、党岱编著的《中西方音乐理论专 题研究》共分八章，**章为音乐理论基础，主要介 绍了音体系，音符、休止符及时值的划分，记谱法， 常用记号，常用术语；第二章为律吕与辅曾，论述了 中国传统阶名、律名的标记法，中国传统音乐的八度 分组，律吕阴阳，四基与辅曾；第三章为节拍、节奏 与旋律，主要对拍子、拍号和拍子类型，节奏与节奏 型，音值组合法，中国传统音乐中的板眼，节奏、节 拍在音乐表现中的作用，旋律及其发展与表现进行了 分析；第四章是音程、和弦与织体，以音程与和弦为 基础，阐述了调式中的音程与和弦，相隔八律与纯五 度，织体的分类及表现；第五章为调式、音阶及调的 关系，探讨了西方自然大小调式及变体，中国民族调 式，中古教会调式，调的关系；第六章通过对调式变 音及调式半音阶、离调、移调、转调及调式的交替的 论述，研究调式的变音与调的转换；第七章为律制与 中国传统乐理补充，主要探讨泛音列、十二平均律与 音分，五度相生律与纯律，三种律制的比较及应用， 中国古代的三分损益法分析，以及中国传统音乐理论 补充；第八章是音乐要素的表现功能及近现代音乐理 论与风格，从音乐要素的表现功能人手，分别论述了 音乐要素的表现功能、音高体系的变革、调性形态的 多样性、非调性的音乐作品以及多种风格与类型的音 乐。
    

目录

**章 音乐理论基础
**节 音体系
第二节 音符、休止符及时值的划分
第三节 记谱法
第四节 常用记号
第五节 常用术语
第二章 律吕与辅曾
**节 中国传统阶名、律名的标记法
第二节 中国传统音乐的八度分组
第三节 律吕阴阳
第四节 四基与辅曾
第三章 节拍、节奏与旋律
**节 拍子、拍号及拍子类型
第二节 节奏与节奏型
第三节 音值组合法
第四节 中国传统音乐中的板眼
第五节 节奏、拍子在音乐表现中的作用
第六节 旋律及其发展与表现
第四章 音程、和弦与织体
**节 音程与和弦
第二节 调式中的音程与和弦
第三节 相隔八律与纯五度
第四节 织体分类及表现
第五章 调式、音阶及调的关系
**节 西方自然大小调式及变体
第二节 中国民族调式
第三节 中古教会调式
第四节 调的关系
第六章 调式变音与调的转换
**节 调式变音及调式半音阶
第二节 离调
第三节 移调
第四节 转调
第五节 调式交替
第七章 律制与中国传统乐理补充
**节 泛音列、十二平均律与音分
第二节 五度相生律与纯律
第三节 三种律制的比较及应用
第四节 中国古代的三分损益法分析
第五节 中国传统音乐理论补充
第八章 音乐要素的表现功能及近现代音乐理论与风格
**节 音乐要素的表现功能
第二节 音高体系的变革
第三节 调性形态的多样性
第四节 非调性的音乐作品
第五节 多种风格与类型的音乐
参考文献

乐海拾遗：二十世纪音乐思潮的深度巡礼 ——一本探索现代音乐观念演变与实践的专著 本书旨在对二十世纪以来西方音乐思潮的跌宕起伏进行一次细致入微的梳理与剖析。它并非一部音乐史的通识读本，而是侧重于对那些塑造了当代音乐面貌的关键性理论、美学范式及创作实践进行深入的学术探讨。全书结构严谨，论述精深，力图展现一个复杂而迷人的二十世纪音乐图景。 第一部：现代性的挑战与音乐的边界重塑 (约 400 字) 本部分聚焦于“现代性”这一宏大主题对传统音乐秩序的冲击。二十世纪初，随着社会结构、技术进步和哲学观念的剧变，音乐领域内积累已久的调性系统与功能和声观念遭遇了前所未有的危机。 一、调性瓦解的必然性与选择： 我们将细致考察勋伯格（Arnold Schoenberg）在表现主义阶段的探索，特别是其如何通过对音高关系进行结构性重组，逐步导向十二音技法。重点分析了其内在的逻辑驱动力——不仅是美学上的反叛，更是对传统调性“过度使用”后表现力的枯竭的回应。我们还将对比分析斯克里亚宾（Alexander Scriabin）晚期作品中对泛音列的极端拓展，及其在未完成的宏大构想中所蕴含的对超越性音响的渴望。 二、对“音乐作品”本体论的质疑： 德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）等印象派作曲家如何通过模糊节奏、拓宽音色和引入异域调式，开始侵蚀德奥浪漫主义后期建立的音乐结构严谨性。随后的新古典主义运动，如斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）对巴洛克与古典语法的“挪用”与“解构”，并非简单的复古，而是对“传统形式”在现代语境下的功能性重置。 三、音响的拓宽与技法的革新： 本部也探讨了对传统乐器性能的挖掘与拓展，以及对非西方音乐元素的审慎引入，为后续的实验音乐奠定了必要的技法基础。 第二部：结构主义、序列主义与理性主义的回潮 (约 550 字) 随着二战的结束，欧洲音乐界对感性、直觉驱动的浪漫主义与表现主义产生了强烈的反思，催生了以结构控制为核心的理性主义思潮。 一、全面序列主义的兴起与理论基石： 本章核心讨论了达姆施塔特（Darmstadt School）的理论阵地，特别是韦伯恩（Anton Webern）的结构清晰性如何被推向极端。序列主义不再仅仅局限于音高，而是将音值、力度、音色等所有音乐要素纳入预先设定的序列控制。详细解析了布列泽（Pierre Boulez）在《对位与结合》中对序列化过程的严密建构，以及其试图达成的“逻辑上的不可避免性”。 二、偶然音乐的哲学对抗： 与序列主义的极度控制相对，约翰·凯奇（John Cage）的偶然性方法（Indeterminacy）构成了另一极端的张力。本书探讨了凯奇对“意图”（intention）的彻底否定，以及禅宗哲学如何为其音乐观念提供了本体论支撑。我们着重分析了《易经》在《26分50秒》中的应用，以及它如何挑战了听者与创作者在音乐体验中的传统角色分配。 三、电子音乐的早期探索与空间维度： 重点考察了科隆 WDR 电子音乐工作室与巴黎 GRM 的不同路径。斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）对“空间化”声音的追求，如何利用录音技术与后期合成，使音乐从“时间艺术”向“空间艺术”转型。对比分析了磁带音乐的早期剪辑技术与振荡器合成的音色革命，它们为后来的声音景观（Soundscape）研究提供了重要的前奏。 第三部：后现代的景观与音乐哲学的转向 (约 550 字) 进入后半叶，对宏大叙事（如序列主义的普遍性真理追求）的怀疑加剧，音乐审美转向了对“当下性”、多元文化和听觉经验的回归。 一、极简主义（Minimalism）的听觉革命： 考察了莱利（Terry Riley）、赖希（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）等人在美国涌现的极简主义浪潮。探讨了他们如何通过重复、过程化（Process Music）和相位差（Phasing）等简单且可验证的结构，重新激活了听众对时间和节奏的直接体验。这被视为对复杂主义（Complexity）的一种温和反动，旨在重建音乐的“可听性”与“沉浸感”。 二、新罗马主义与异质性（Heterophony）的回归： 针对现代主义的过度理性化，一些作曲家开始重新关注传统旋律、和声的美学功能，但并非简单重复，而是以一种批判性的、拼贴式的方式进行。对利盖蒂（György Ligeti）晚期作品中对微观复调（Micropolyphony）的深化，以及他对“音块”内部复杂运动的描绘进行了细致分析，这些作品显示出一种介于结构控制与集体涌现之间的独特张力。 三、音乐的符号学转向与后结构主义批评： 本部分最后引入了对音乐文本的符号学解读，探讨了德留斯（Joseph Drouin）等学者如何从罗兰·巴特（Roland Barthes）的写作理论中汲取灵感，分析音乐中的“可读性”与“可写性”。重点讨论了后结构主义对作曲家权威性的解构，以及对“开放作品”（Open Work）理论的持续影响。 结语： 本书通过对二十世纪核心议题的立体式解构，揭示了从调性瓦解到技术多元化的复杂历程，为理解当代音乐的广阔图景提供了坚实的理论框架与批判工具。

评分☆☆☆☆☆

我最近在深入研究二十世纪的音乐美学思潮，希望能找到一些能连接不同地域、不同体系的理论桥梁。我手里已经有几本侧重于某一个欧洲流派的专著，但总感觉视野有些局限。我期待的是那种能够纵向梳理历史脉络，同时又能横向比较不同文化背景下，人类是如何理解“旋律”、“和声”这些基本概念的宏大叙事。我希望这本书能够提供一种超越单一民族音乐体系的分析框架，比如，它是否探讨了韦伯恩的十二音体系与中国传统五声音阶理论在结构逻辑上是否存在某种深层的共性或根本的差异。如果它能提供一套普适性的分析工具，帮助我理解不同音乐文化背后的思维模式，那将是对我现有研究的巨大突破。我非常好奇作者是如何平衡描述性分析和批判性反思之间的张力的，毕竟，要在一个统一的理论体系下讨论差异性，难度是极高的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对音乐教育实践抱有极大热情的教师。我在尝试将晦涩的音乐学院理论知识，转化为适合本科低年级学生理解的、生动有趣的课堂内容。我一直在寻找那种既有扎实的理论深度，又不失清晰阐释逻辑的教材或参考书。以往读到的理论书籍，往往将复杂的概念堆砌在一起，充斥着大量的专业术语，读完一遍也只能抓住个大概，根本没法拿来直接指导教学。我真正需要的是那种能够提供清晰的图表、循序渐进的例子，最好还能辅以一些历史背景故事来解释“为什么是这样”的论述方式。如果这本书能像一位经验丰富的老教授那样，耐心地将复杂的理论概念拆解成易于消化的小块，并通过具体的音乐实例（比如分析一段巴赫赋格或一段戏曲的板式结构）来验证理论的有效性，那么它对于我们一线教育工作者的参考价值将是无可估量的。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐史的兴趣点，往往集中在那些常常被主流叙事所忽略的、带有强烈地方色彩或地域风格的音乐传统。例如，某个特定地域的民间音乐在调式建构上的独特之处，以及这些地方性理论是如何在口耳相传中保持其复杂性和系统性的。我通常发现，很多“大部头”的理论著作，最终都将焦点收束到欧洲古典乐派，对其他地区音乐的介绍往往沦为蜻蜓点水式的附录。我热切希望能看到，这本书是否能够提供一个真正意义上的“平视”视角，去认真对待和剖析那些非西方、非主流的音乐体系的内在逻辑。我期待的不是简单的“介绍”，而是深度的“理论还原”，即，通过严谨的分析方法，揭示出这些不同音乐文化是如何独立构建起它们自己的宇宙观和结构法则的，并能有力地论证这些体系的完备性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种典雅的深蓝色封皮，配上烫金的字体，透露出一种沉甸甸的学术气息。初次捧读时，我立刻被它内页的纸张质感所吸引，摸起来细腻光滑，即使用钢笔书写也不会洇墨，这对于需要经常在书上做笔记的读者来说，简直是福音。更不用说排版了，字体大小适中，行间距处理得当，即使是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我特别留意了它在引用格式上的规范性，每一个脚注和尾注都标注得一丝不苟，显示出作者在学术严谨性上的不懈追求。这本书的整体制作水平，完全可以作为精装学术典籍的范本，从物理层面上就给予了读者极大的尊重和愉悦感。对于那些注重阅读体验，并将书籍本身视为艺术品的读者来说，这本书的物质形态本身就值回票价了。它不仅仅是一堆知识的载体，更是一件可以被珍藏的物品，放在书架上也是一道亮丽的风景线。

评分☆☆☆☆☆

当我翻阅许多介绍音乐理论的书籍时，我常常感到一种“隔阂感”，仿佛作者生活在一个完全脱离了当代听众和创作者的象牙塔里。今天的音乐早已不再是古典时期那种严格的对位法或功能和声所能完全概括的了。我更关注的是那些在二十一世纪初兴起的，比如电子音乐的声场构建、即兴演奏中的结构逻辑，甚至是微音程在当代作曲中的运用。我对这本书抱有的一个关键期望是，它是否敢于触碰这些“边缘”的、仍在发展中的理论前沿。如果它仅仅停留在对中世纪到浪漫主义时期音乐体系的梳理上，那它的价值就会被大大削弱。我渴望看到作者能够将传统的理论框架，敏锐地投射到当代音乐语境中去，探讨技术进步对“音高”、“节奏”、“复调”这些基本范畴带来的冲击与重塑，从而展现出理论研究的生命力与前瞻性。