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[美] 茅为蕙 编

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出版社： 复旦大学

ISBN：9787309126709

商品编码：12000442729

开本：32

出版时间：2017-03-01

基本信息

• 商品名称：钢琴教师99问(精)
• 作者：(美)茅为蕙
• 定价：35
• 出版社：复旦大学
• ISBN号：9787309126709

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-03-01
• 印刷时间：2017-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：精装
• 页数：145
• 字数：77千字

编辑推荐语

《钢琴教师99问》收集了茅为蕙多年来在教师培训和公开课上听取的教师提问，针对这些问题一一做出了*诚恳，直接，专业，和通俗易懂的回答。总共分为三个篇章：观念篇，实践篇，和哲理篇。“观念篇”包括了类似“是不是同一套钢琴启蒙教材适合于所有年龄的初学琴童？”；“如何正确地与学生家长沟通？”等；“实践篇”含有“如何上好**堂钢琴课？”，“怎样才能让手指练习不过于枯燥？”等，“哲理篇”*是围绕了其他同类书籍较少涉及的哲理性问题，例如“：“除了传授演奏上的知识和技术，钢琴老师对孩子的影响到底有多深远？”，“中西方在音乐教育理念上*大的不同之处是什么？”，“学习音乐对幼小的孩子来说到底意味着什么？”等等。

内容提要

钢琴教师是一个既特殊又神圣的行业，他们带领 学生走进音乐的殿堂，享受琴声的美好，领略艺术的 风采，启发智慧的潜能，建立良好的自信！ 老师开始教，*不等于停止学；经历的越多，问 题和疑惑也会接踵而来！《钢琴教师99问》积攒了茅 为蕙多年来被老师们问过的问题，并给出了自己*中 肯的回答。不求同意和赏识，只求思考和探索。当问 题产生的那一瞬间，其实答案已不再遥远…… 让我们一起为我们的职业骄傲，为我们的学生喝 彩，为我们的未来努力！

作者简介

茅为蕙，**钢琴家、教育家，美国南加州大学音乐艺术学博士，中国儿童音乐教育领军人物，多次国际钢琴比赛金奖得主，**国际钢琴比赛评委，世界上屈指可数的施坦威艺术家之一。她曾与欧美和东南亚的五十多个交响乐团合作演出，其**一格的“茅为蕙携百名师生多钢琴音乐会”使成千上万的琴童和老师感受到舞台魅力。

目录

观念篇
1.会“弹”是不是就意味着会“教”？
2.大学里没有学习教育专业，毕业后从事钢琴教学需要做好哪些准备？
3.从小学习钢琴表演，一心想成为演奏家，但*终以教学为业，这是不是意味着“失败”？
4.什么样的性格适合做老师？不是“孩子控”或“孩子王”，能成为**的钢琴启蒙教师吗？
5.集体课和一对一小课的老师，在性格、行为和教法上是否有很大区别？
6.需不需要先做陪练老师来锻炼自己？
7.去学生家教钢琴是不是一个好的选择？
8.如何挑选和了解不同的培训中心，才能找到适合自己工作的地方？
9.在自己家里教钢琴既省时又省钱，有没有不足之处呢？
10.什么样的琴童是“神童”？
11.如果遇到了一个所谓的“神童”，老师应该如何培养？侣
12.如果学生提出“换老师”，应该以什么样的心态来对待？
13.针对不同年龄的初学者，老师是否应该区别对待？
14.考级，当真是中国琴童绕不过去的坎吗？
15.老师在什么阶段可以判断出学生是否适合走钢琴专业道路？
16.什么是音乐或钢琴的“专业道路”？是不是只有以演奏为业才是“专业道路”？
17.对家长的“一定要走专业道路”或“一定不要走专业道路”这样强制的理念，老师应该如何介入？
18.有的家长对孩子学习钢琴一事不闻不问，老师是否可以怪罪？
19.是否每一个学生都需要请陪练老师？
20.如何选择*佳的钢琴启蒙教材？
实践篇
哲理篇

旋律之外的共鸣：探寻音乐教育的深度与广度 （一）回归教育本质：超越技巧的音乐素养构建 在当今这个信息爆炸、技术飞速迭代的时代，音乐教育面临着前所未有的挑战与机遇。如何确保我们培养出的不仅是娴熟的演奏家，更是具有深厚人文素养、独立思考能力的音乐践行者？本书并非专注于某一种特定乐器（如钢琴）的演奏技巧提升，而是将视角拉高，聚焦于音乐教育学的核心理念、跨学科的融合路径以及当代学习者心理的精准把握。 本书旨在为所有致力于音乐教育的专业人士、师范院校学生以及对音乐教学法抱有浓厚兴趣的爱好者，提供一套系统而富有启发性的理论框架。我们深信，真正的音乐教育，是从“如何让学生弹出正确的音符”转向“如何引导学生理解音符背后的情感、历史与文化内涵”的深刻转变。 1. 音乐本体论的重塑：从“知识传授”到“意义建构” 传统音乐教育常常陷入对曲目难度、技术指标的过度量化，而忽略了音乐作为一种人类精神活动的本质。本书第一部分深入探讨了当代音乐本体论的最新研究成果，特别是现象学美学在音乐感知中的应用。我们分析了听觉经验如何被内化为个体的意义系统，并提出了如何设计教学活动，促使学生从“被动接受”转变为“主动建构”音乐意义的实践策略。 我们详细论述了“听觉训练”与“情感体验”之间的桥梁构建。如何通过系统化的听觉分析练习，引导学生辨识复杂的和声进行背后的情绪张力，而非仅仅识别音高或节奏型。这需要教师具备敏锐的洞察力，能够识别学生在面对复杂音乐材料时的认知瓶颈，并提供非技术性的语言来描述抽象的音乐体验。 2. 跨文化与历史语境下的教学：拓宽音乐视野 音乐的生命力来源于其丰富的历史和多元的文化背景。本书摒弃了单一的西方古典音乐中心论，着重探讨了如何将全球范围内的音乐遗产融入日常教学。我们探讨了民族音乐学（Ethnomusicology）对现代音乐教育的启示。 例如，在教授某一古典时期奏鸣曲时，我们不应仅仅关注其结构分析，更要探讨其诞生的社会环境、赞助制度以及当时听众的期待。更重要的是，如何将这些分析方法迁移到对非西方音乐体系（如中国传统音乐、非洲节奏模式或印度拉格体系）的理解上。本书提供了具体的案例研究，展示了如何设计“比较音乐学”的课堂项目，让学生在对比中理解不同文化对“和谐”、“旋律”、“即兴”的不同定义，从而培养真正的全球音乐视野。 （二）教学法的创新与实践：面向未来的学习模式 面对数字化时代的学习者，传统的“讲授—模仿—重复”模式已然失效。本书的第二部分聚焦于前沿的教学法革新，强调探究式学习、项目式学习（PBL）在音乐教育中的应用。 1. 认知心理学与音乐学习：理解大脑如何“唱歌” 我们引入了认知科学的最新发现，特别是关于工作记忆、长时记忆与程序性记忆在乐器学习中的作用。本书详细阐述了如何根据不同年龄段和学习阶段的认知特点，设计“最小有效剂量”的练习方案，避免无效的机械重复造成的学习倦怠。 我们重点探讨了“错误分析”的科学方法。错误并非学习的终点，而是诊断学习过程的入口。如何引导学生自我诊断，区分是技术性错误（肌肉记忆偏差）还是理解性错误（乐谱解读偏差），并提供针对性的、基于认知的干预措施。 2. 音乐技术（Music Technology）的赋能：工具而非目的 数字音频工作站（DAW）、音乐制作软件以及人工智能辅助工具，正日益成为音乐创作和学习的辅助手段。本书明确区分了技术工具与核心音乐素养的关系。技术应当作为放大创意的工具，而非替代基础技能的捷径。 我们提供了关于“数字编曲入门”与“音乐理论可视化”的教学模块设计，重点在于如何使用这些工具来直观地展现复杂的乐理概念（如复调、声部进行），使抽象的理论变得可触、可听、可操作。同时，我们也警示了过度依赖技术可能带来的“去听觉化”风险，并提出了保持耳朵敏感度的平衡策略。 3. 评估体系的革新：多元智能与真实情境下的展现 传统的音乐评估往往过于依赖公开演奏的临场发挥。本书主张建立多元化的评估体系，以反映学生在音乐学习中的全方位发展。 我们探讨了“过程性评估”的重要性，包括对学生练习日志的分析、对口头音乐分析的评分、对小组合作项目的评价，以及对学生自我反思报告的审阅。核心目标是评估学生解决音乐问题的能力（Problem-Solving），而非仅仅是准确复述的能力。例如，要求学生在特定和声背景下“即兴补写”一段旋律，比完美演奏一段既定乐曲更能体现其综合音乐素养。 （三）教师的专业发展与伦理：教育者的自我雕琢 成功的音乐教育根植于高素质的教育者队伍。本书的第三部分致力于探讨教师自身的专业成长、心理调适以及教育伦理的坚守。 1. 反思性实践：从“教”到“学”的视角转换 借鉴唐纳德·舍恩的“反思性实践”理论，我们引导音乐教师建立起持续的自我审视机制。这包括对每次授课后的效果进行系统记录、撰写“教学日志”，并定期参与同行间的“互助诊断”。这种持续的反思，是避免教学僵化、保持教学活力的关键。 2. 音乐教育中的心理健康与职业倦怠 高强度的情感投入和对完美的追求，使得音乐教师极易面临职业倦怠。本书专门辟出一章，讨论了教师的自我关怀（Self-Care）策略，包括如何设定工作与个人生活的界限、如何识别和应对学生带来的情感压力，以及如何通过音乐自身（而非工作任务）来恢复心力。 3. 艺术教育的社会责任与伦理边界 在教育资源分配不均的背景下，音乐教师如何坚守教育公平？我们探讨了在商业化趋势下，如何平衡商业收益与教育理想之间的伦理考量。同时，本书也对教师在引导学生进行艺术表达时，涉及的知识产权、文化挪用（Cultural Appropriation）等前沿伦理问题进行了深入剖析，旨在培养具有高度社会责任感的音乐教育工作者。 结语：开启一场深入的对话 本书不是一本简单的“操作手册”，它更像是一份邀请函，邀请所有热爱音乐教育的人，一同深入这场关于“如何更好地培养下一代音乐心智”的深刻对话。我们希望通过系统梳理理论前沿、提供创新实践案例，帮助教育者超越日常教学的琐碎，重新点燃对教育事业的激情与使命感，最终实现让音乐真正成为滋养人生的力量这一宏伟目标。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性简直是物超所值。它不仅仅停留在理论层面，还提供了大量的练习素材和具体的解决策略。当遇到某个技术难关，比如左右手声部的不平衡，或者复杂节奏型的不稳定时，翻开这本书，总能找到对应章节，里面详细列举了如何通过拆分、节奏变化或对比练习来攻克难关。最让我惊喜的是，书中还探讨了音乐心理学的一些内容，比如如何管理舞台焦虑，如何在演奏中保持专注力。这对我这种偶尔会在公开场合表现失常的业余爱好者来说，简直是雪中送炭。它提供的是一套完整的、面向真实演奏场景的解决方案，而不仅仅是一本“技巧词典”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对这本书的期待值并不高，因为市面上太多强调“速成”或“秘籍”的音乐书籍了，往往内容空泛，缺乏真正的洞察力。然而，深入阅读后，我发现这本书的深度远超我的想象。它没有给你一蹴而就的捷径，而是细致入微地拆解了钢琴演奏中那些看似微不足道却至关重要的环节。比如，关于触键力度控制的那几章，作者用了大量的篇幅去探讨手指的重量感、指尖的接触面积以及琴键下沉的速度，甚至细致到不同品牌的钢琴对这些细微差异的反馈。我尝试按照书中描述的方法调整了我的发力点，效果立竿见影，原本模糊不清的音色立刻变得清晰、有颗粒感了。这种对细节的极致追求，体现了作者作为一位资深教育者的严谨态度，让人心悦诚服。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常吸引人，那种深邃的蓝色背景搭配着典雅的金色字体，让人一眼就能感受到一种专业和权威的气息。我本来是想找一本关于肖邦练习曲的深入解析，没想到偶然间翻到了这本书。虽然书名看起来很学术，但里面的内容排版却意外地友好，字体大小适中，段落间距也处理得恰到好处，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。我特别欣赏作者在引入新概念时所采用的类比手法，比如将和声的进行比作建筑物的结构搭建，这种生动的描述一下子就将原本枯燥的理论变得立体起来，让人很容易抓住核心。这本书的引言部分就展现了作者深厚的音乐底蕴，他并没有急于抛出复杂的技巧，而是先从音乐审美和历史背景入手，为后续的学习打下了坚实的情感和理论基础。这种循序渐进的引导方式，非常适合初学者建立起对钢琴艺术的宏观认识。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的语言风格非常朴实且富有哲思，没有太多华丽的辞藻堆砌，但每一句话都像是在和一位经验丰富的导师进行一对一的交流。书中穿插了一些作者的个人经历和教学案例，这些故事虽然简短，却极富启发性，它们让我明白，伟大的演奏家背后付出的努力并非仅仅是枯燥的重复，更是一种深入骨髓的思考和对音乐的敬畏。我发现自己不再仅仅是被动地接受知识，而是开始主动地反思自己的练习习惯和对音乐的理解深度。这本书成功地激发了我内在的学习动力，让我重新审视了我过去十年的钢琴学习历程，发现了很多之前被忽略的关键点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排堪称一绝，它巧妙地平衡了技术训练和音乐表达之间的关系。很多教材要么过于偏重机械的音阶琶音练习，让人练得像个机器人；要么又过于强调情感宣泄，忽视了扎实的基本功。这本书则不同，它将技术练习融入到具体的音乐片段分析中去，让你在解决技术难题的同时，也理解了为什么要这样练习——是为了更好地服务于巴赫赋格曲的线条清晰度，还是为了肖邦夜曲中那种如歌的流畅性。我尤其喜欢其中关于“听觉训练”的部分，作者提供了一套非常实用的耳朵训练方法，帮助演奏者在弹奏时不仅仅是“看到”键盘，更是“听到”自己正在制造的声音，这对提升演奏的音乐性和表现力起到了关键作用。