现代雕塑的变迁 [Passages in Modern Sculpture] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 罗莎琳·克劳斯（Rosalind E.Krauss） 著，柯乔（James Carl），吴彦 译

图书标签:

• 雕塑
• 现代艺术
• 艺术史
• 雕塑史
• 现代雕塑
• 艺术
• 西方艺术
• 雕塑家
• 艺术流派
• 20世纪艺术

出版社： 中国民族摄影艺术出版社

ISBN：9787512208872

版次：1

商品编码：12109792

包装：平装

丛书名： 现当代雕塑理论译丛

外文名称：Passages in Modern Sculpture

开本：16开

出版时间：2017-03-01

用纸：胶版纸

页数：317

套装数量：1

字数：148000#

编辑推荐

　　本书由美国当代重要艺术批评家和艺术史家罗莎琳·克劳斯发表于1977年。作为第一批真正意义上将当时“法国理论”的新思想引入现代雕塑讨论的著作之一，克劳斯以深刻犀利的洞察力和过人的勇气冲破了由格林伯格主导的现代主义艺术批评体系，借用结构主义、现象学和精神分析的理论和观点阐释现代雕塑，重新梳理了从罗丹开始，途经未来主义、立体主义、构成主义、杜尚、布朗库西、超现实主义、摩尔、赫普沃斯、史密斯、卡罗、动态艺术、偶发艺术，直至极简主义的现代雕塑变迁之路，被视为20世纪美国艺术批评的经典之作。

内容简介

　　《现代雕塑的变迁》由美国当代重要艺术批评家和艺术史家罗莎琳克劳斯发表于1977年。作为第一批真正意义上将当时“法国理论”的新思想引入现代雕塑讨论的著作之一，克劳斯以深刻犀利的洞察力和过人的勇气冲破了由格林伯格主导的现代主义艺术批评体系，借用结构主义、现象学和精神分析的理论和观点阐释现代雕塑，重新梳理了从罗丹开始，途经未来主义、立体主义、构成主义、杜尚、布朗库西、超现实主义、摩尔、赫普沃斯、史密斯、卡罗、动态艺术、偶发艺术，直至极简主义的现代雕塑变迁之路，被视为20世纪美国艺术批评的经典之作。

作者简介

　　罗莎琳·克劳斯（Rosalind E. Krauss），美国著名艺术理论家、批评家，纽约哥伦比亚大学教授，著有《前卫原创与其他现代主义神话》、《视觉无意识》、《北海之旅：后媒介时代的艺术》等作品。

内页插图

精彩书评

　　★《变迁》的成功与它经久不衰的相关性，使之成为克劳斯远见的一座丰碑。直到今天，我们依旧可以感受到书中所及的范式变化。
　　——James Carl（柯乔），加拿大圭尔夫大学艺术系终身教授
　　
　　★作为批评家和理论家，克劳斯使自己面对的是*复杂的挑战。
　　——美国《出版人周刊》
　　
　　★克劳斯的书毫无疑问是它的主题中*精湛的。
　　——《美国艺术》杂志

目录

致谢 xi
总序 xiii
中文版前言 xv
导言 1
第一章　叙事性时间：《地狱之门》的课题 7
第二章　分析型空间：未来主义和构成主义 40
第三章　现成品形式：杜尚与布朗库西 70
第四章　游戏方案：超现实主义的规约 105
第五章　坦克图腾：焊制的形像 149
第六章　机械芭蕾：光，运动，剧场 204
第七章　双重否定：雕塑的新语构 248
作者介绍 295
参考文献 301
索引 307

前言/序言

　　中文版前言
　　2015年秋天的各种机缘和巧合，让我们有了把罗莎琳·克劳斯的《现代雕塑的变迁》译成中文的想法。关键因素不外乎我认为定能胜任的翻译吴彦正好有空；永远乐观积极、斗志昂扬的隋建国计划出版一套以雕塑为主题的高质量的翻译丛书；再有，于凡向我发出邀请，希望在北京中央美院做一期讲座。就这样，借讲座的机会，我们从现代艺术史的角度介绍了这本书，将书中曾经的激进立场重新带回它的成文背景，同时也思考了艺术批评的翻译工作等一些更宽泛的问题。参加去年冬天这场讲座的观众热情慷慨，他们深入的提问和回应也是此次翻译的关键之一。
　　曾经有位朋友建议，应该在我们日常修习的反思中，加上两个的问题：“为什么是这个”，又“为什么是现在”。对此，我可以想出很多为什么现在翻译这本书的理由，然而，最重要，却也最无趣的一条就是：迄今为止还没有人做这件事。我有些惊讶，克劳斯之后的那些著作——那些更加偏重理论，读起来也更加费力的文章——有些已经被翻成了中文，但是这本书，可谓克劳斯的成名之作，也是她之后声望的基础，却还没有译本。于凡最近指出，当我在90年代第一次把这本书推荐给他时，所有的人都在关注后现代主义在中国的未来，没工夫考虑现代主义。或许现在终于有时间了。
　　从文化持久性的角度来看，《变迁》足以跻身20世纪美国艺术批评的经典。40多年来从未停印。而就历史的观点，《变迁》是第一批真正意义上将当时“法国理论”的新思想引入现代雕塑讨论的著作之一。克劳斯借用结构主义、现象学和精神分析的理论和观点阐释现代雕塑，未必是一次彻底成功的尝试，但她的洞察力确是深刻犀利。回溯当时的历史背景，我们便能理解克劳斯成书时的勇气：《变迁》是在格林伯格现代主义的阴影下形成产生的，在当时，那是最具影响力的艺术批评体系，可谓铁板一块。《变迁》的成功与它经久不衰的相关性，使之成为克劳斯远见的一座丰碑。直到今天，我们依旧可以感受到书中所及的范式变化。
　　贯穿全书始终，克劳斯向我们强调，时间是雕塑的主要属性，与较为明显的空间运用同时存在。从塔特林到塞拉，克劳斯据理力争书中作品在空间与时间上的“外在性”、持续性和公共性，明确它们与减少主义（reductivist），还有抽象表现主义及其后人的瞬时视觉性（instantaneous opticality）的区别。在建立命题的过程中，克劳斯界定了许多现代主义经典之作的时间性特征。她向我们展示了作品之间时而微妙、时而鲜明的各种差异，从构成主义、未来主义和摩尔作品中观念性的分析型时间，到隐含在罗丹、毕加索以及海泽作品中经验的持续性时间，再到史密斯和超现实主义作品中缺乏连贯性的时间感。克劳斯的论证一针见血——尤其是她对布朗库西与杜尚的相通点的分析，实在精彩至极。
　　无论书写，还是阅读，《变迁》的体验在于发现。作为读者，我们受邀同行。在书中最后一章，克劳斯把我们带到极简主义，我们发现自己所在的这个终点，才是她成书的起点：极简主义在1977年向当代艺术观众提出的各种挑战。对极简主义和大地艺术的总结中，克劳斯要求我们——我想她是有意的，但未必充分意识到自己观点的潜力——去质疑雕塑经验的基础：艺术作品的作品性究竟是什么？雕塑的意义又究竟是存在于作品自身的先验，还是来自实时的体验？最后，《变迁》所及的问题中，最为发人深思，却也欲言又止的是：“现代雕塑”的意义真的气数已尽了吗？一直到数年后，当后现代主义的“扩展场域”（expanded field）迎头赶上时，克劳斯才真正应对了这个问题。在此之前，读者只能流连于自己的猜测想象。
　　* * *
　　1977年，克劳斯能在一本书中收录所有关于现代雕塑的论著。2016年，当我们试图通过著作翻译，增进跨文化理解时，却发现这已是一件不可能的事了，实在遗憾！现如今，艺术家、展览空间、批评家、策展人，还有各类著作，其数量正以40年来史无前例的速度发展壮大。当代艺术涉足之广，为了寻找东西方文化知识中至关重要的代表作，我们又该如何入手？
　　从一开始，仅仅把又一本关于现代艺术的西方论著译成中文并不是我们的目标。我们所设想的，是一个更长远的计划，而克劳斯的这本书和威廉·塔克的《雕塑的语言》只是其中的一小步，当然也是最关键的起步。多年来，我们许多人都在感慨，艺术史和理论术语的译文五花八门，缺乏一致性。以克劳斯书中的关键词“极简主义”为例，表面上如此简单的术语，却也有各式各样的中译版本。我们衷心希望，之所以挑选这本书，可以有机会重新梳理现代主义的相关词汇，为将来此类词汇的使用提供一份样本。总而言之，我们希望这是一个扎实的起步，成为之后系列翻译的基础。
　　我在加拿大圭尔夫大学执教近20年，这本书一直是我本科雕塑课程的核心基础读物。每年9月，面对新生时，我一次又一次地意识到这本书经久不衰的相关性和它的教学价值——这不只是一本雕塑史，更是20世纪晚期西方世界的艺术批评史。我们由衷希望这本书的翻译可以对中国学习雕塑的学生们有所借鉴价值。中央美院雕塑系，中国当代艺术讨论的重地，正是本书理想的诞生之地。
　　James Carl （柯乔）
　　2016年11月于上海

视觉的革命：从古典到当代的雕塑语言研究 导言：雕塑，时间的凝固与物质的对话 本书旨在深入探讨自19世纪末期至21世纪初，西方雕塑艺术在材料、形式、空间观念以及哲学基础层面所经历的深刻而剧烈的变革。我们摒弃了将雕塑简单视为“三维造型艺术”的传统框架，转而将其视为一种与时代精神、社会结构和技术发展紧密耦合的视觉语言。本书将围绕一系列关键的历史节点和艺术家的实践，剖析雕塑如何挣脱古典美学的束缚，拥抱现代性，并最终迈向后现代的多元边界。 第一部分：现代性的萌芽与形式的解放（1880s – 1920s） 本部分聚焦于雕塑在面对摄影和工业革命冲击下，寻求自身独立价值的初期阶段。 第一章：罗丹的“动态瞬间”与现代情感的凸显 罗丹的工作被视为雕塑摆脱学院派光滑表皮和理想化叙事的关键转折点。我们将详细分析他如何利用未完成的表面处理（non-finito）来表达内在的心理张力与存在的不确定性。《地狱之门》的草图稿和《行走的人》的断肢研究，揭示了雕塑如何从纪念碑性的叙事工具转变为对人类经验的主观捕捉。特别关注他对手与躯干表现力的极端强调，这不仅是技术上的突破，更是对个体意志被压抑的时代情绪的投射。 第二章：野兽派与立体主义对物质性的重构 在巴黎，雕塑家们开始质疑“体积”的绝对性。布朗库西（Brancusi）是核心人物。他的实践，尤其是在《沉睡的缪斯》和《空中之鸟》系列中，标志着雕塑对“本质”的追求。他通过高度抛光的青铜或抽取材料的剩余部分，创造出纯粹的、几乎是抽象的几何形式。这不再是模仿自然，而是创造一种独立的、自足的“实在”（Presence）。 同时，立体主义艺术家们（如亚历山大·阿基彭科和奥西普·扎德金）则通过切割、穿孔和表面的平面化，将雕塑从实体块的束缚中解救出来。他们首次在雕塑中引入了“负空间”（Negative Space）作为与正形同等重要的构成元素，迫使观众的目光穿透形体，理解空间的动态关系。 第二章：动态与机械美学的介入 意大利未来主义运动（Futurism）将速度、噪音和机器的崇拜引入雕塑。博丘尼（Boccioni）的作品，如《空间中连续性的独特形式》，试图将运动的轨迹和速度感固化在静止的物质中。这是一种对传统“瞬间定格”的挑战，强调“四维的体验”，即时间性融入雕塑构成的尝试。我们还将探讨这种美学观如何与早期的工业设计和现代城市景观形成复杂的对话。 第二部分：材料的颠覆与艺术的边界拓展（1930s – 1960s） 二战后的艺术转向，使得雕塑的定义被前所未有地拓宽。材料不再是次要的载体，而是信息本身。 第三章：超现实主义的触觉与心理景观 尽管超现实主义在绘画领域声名显赫，但其在雕塑中的影响同样深远。梅雷·奥本海姆的毛皮茶杯和贾科梅蒂（Giacometti）笔下被拉伸、变细的人物，展示了雕塑如何进入潜意识的领域。奥本海姆利用现成物品（objet trouvé）的荒谬并置，挑战了观众对“功能”和“触感”的既有认知。贾科梅蒂则通过对人体极度瘦弱化的处理，探讨了战后个体在广阔、疏离的空间中的存在感危机。 第四章：构造与组装：工业材料的胜利 随着战后重建和技术扩散，钢材、铝材、塑料等工业材料被大规模应用于艺术创作。结构主义雕塑（Constructivism）的后继者，如大卫·史密斯（David Smith），直接使用焊接的工业废料和金属板，创作出“开放式结构”。这些作品往往是空间的骨架，它们占据了空间，但也允许空间穿过它们，形成了光与影的复杂游戏。 第五章：行动与场域：从“物”到“事件” 美国艺术的中心转移后，雕塑的概念开始瓦解。 行动绘画的影响与“环境雕塑”的先声： 此时期，雕塑开始关注它与周围环境的互动。一些艺术家开始利用场地本身的特性进行创作，这为后来的“大地艺术”埋下了伏笔。作品不再是单一的、可被搬运的实体，而是依赖特定地点的体验。 最小主义的回归：物体性与去叙事化 最小主义（Minimalism）是对抽象表现主义感性表达的强烈反动。唐纳德·贾德（Donald Judd）、卡尔·安德烈（Carl Andre）和丹·弗拉文（Dan Flavin）的作品，主张雕塑应是“特定的物体”（Specific Objects），拒绝任何隐喻或象征意义。他们偏爱工业制造的、重复的单元，并强调作品的“物性”（Objecthood）——它就是它本身，而不是其他任何事物的代表。我们重点分析贾德的“堆叠”系列如何挑战了艺术品的传统陈列和观看方式。 第三部分：后现代的解构与新媒介的探索（1970s – 至今） 进入后现代阶段，雕塑对“永恒性”和“统一性”的信念彻底瓦解，取而代之的是挪用、过程和装置的兴起。 第六章：日常与挪用：波伊斯与社会雕塑 约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）提出的“社会雕塑”概念，将艺术实践扩展到了社会行动层面。他使用脂肪、毛毡、蜂蜜等具有强烈象征意义的有机材料，探讨疗愈、记忆与集体创伤。他的作品不再是孤立的艺术品，而是激活社会过程的催化剂。这种对“过程即作品”的强调，极大地拓宽了雕塑的领域。 第七章：身体、性别与装置艺术的崛起 1970年代后，女性艺术家们利用雕塑和装置来挑战父权制的观看机制和历史叙事。如朱迪·芝加哥（Judy Chicago）的作品，以宏大、复杂的构造和对传统手工技艺（如刺绣、陶瓷）的重新编码，重新确立了被贬低的女性经验的地位。装置艺术（Installation Art）的成熟，意味着雕塑已不再局限于单一的、被限定的形态，而是成为可沉浸、可穿越的叙事空间。 第八章：新地形与虚拟的实体 当代雕塑持续在物质与非物质之间徘徊。从大地艺术对尺度和时间的抵抗，到当代艺术家对数字技术、光影和投影的运用，雕塑的“形体”概念变得更加流动和易逝。例如，使用3D打印技术或参数化设计生成的作品，模糊了手工制作与机器生产的界限，探讨了在信息时代，“实体存在”的意义。 结论：雕塑的持续变异性 本书总结道，现代与后现代雕塑的变迁史，本质上是一部视觉语言不断自我审视和自我超越的历史。它是一系列对“雕塑是什么”这一核心问题的持续追问，每一次媒介或材料的变革，都折射出我们对现实、身体和空间认知的根本性调整。雕塑不再是一个固定的类别，而是一个开放的、持续生成的过程。

评分☆☆☆☆☆

这部作品简直是一场对艺术史的深度潜航，它不仅仅是简单罗列艺术家名字和作品照片的图鉴，更像是一场关于“现代”如何被重新定义的美学对话。作者以一种极其敏锐的洞察力，穿梭于二十世纪初那些石破天惊的艺术运动之中，那些关于形式、空间和材料的探索，在这里被赋予了清晰而富有逻辑的脉络。我尤其欣赏它对立体主义如何彻底瓦解了传统透视，以及达达主义那种近乎挑衅的姿态如何为雕塑注入了新的哲学意味的阐释。阅读时，我仿佛能感受到空气中弥漫着巴黎工作室里的松节油味和工匠打磨石材的尘土，文字的张力使得那些静默的雕塑仿佛拥有了呼吸和生命的节奏。它没有停留在对作品的表面描摹，而是深入剖析了社会思潮、技术革新（比如新材料的应用）是如何成为塑造雕塑语言的关键驱动力。对于那些渴望理解为什么那些看似“破碎”或“抽象”的形体能够成为时代精神的载体的人来说，这本书提供了无可替代的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

我花了将近一个月的时间才细细品味完这本书，每一次重读都有新的体会。这本书最强大的地方在于其批判性的深度，它并未盲目崇拜“现代性”本身，而是敢于审视那些被历史光环掩盖的矛盾与张力。例如，它对机械化时代下，雕塑如何努力在标准化生产和个性化表达之间寻找平衡点的分析，非常犀利。作者似乎在不断提醒读者，艺术的进步往往伴随着与传统的决裂，这种决裂过程本身就充满了戏剧性。我特别欣赏书中那些对不同文化背景下雕塑实践的比较，比如欧洲的结构主义与彼时新兴的日本前卫艺术运动在空间处理上的异同，拓宽了我对“现代雕塑”这一概念的地理边界认识。这本书不只是梳理了“变迁”，更是在探讨这种变迁背后的驱动力，让人读后无法再以旧有的眼光看待任何一件三维艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计非常精妙，它不是简单的年代顺序堆砌，而是围绕几个核心的“转折点”构建章节，使得阅读体验极具层次感。我发现作者在处理那些复杂流派的交织时，运用了一种类比的手法，将抽象的理论概念具象化，这对于非专业读者来说简直是救星。比如，当他描述极简主义如何试图消除艺术家的主观干预，让作品回归到其最纯粹的物质存在状态时，那种冷静、近乎科学的描述，让我对后来的观念艺术的兴起有了更直观的预判。书中的配图选择也极为考究，那些常常被主流史忽略的、或是在特定历史阶段具有开创性意义的作品，都被赋予了应有的篇幅。它迫使我思考，雕塑的“本质”是否在不断地被自身所颠覆，而这种自我解构的过程，正是其生命力所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，在于它成功地构建了一个完整的“观念地图”，让我们理解了从具象到抽象，从纪念碑性到场所特定性的过程，每一步都不是偶然的。作者对材料物理属性（如重量、质地、反射性）如何被艺术家利用来传达情感和思想的探讨，展现了极其扎实的理论功底。我尤其对其中关于“身体经验”在现代雕塑中回归的章节印象深刻，那些原本被视为冰冷、非人性的现代形体，是如何通过与观众视线、尺度和环境的互动，重新与观看者的身体发生关联的。它并非一本轻松的读物，需要读者投入专注力，但它所带来的知识上的满足感和视野上的开阔，是其他任何同类书籍都难以比拟的。它彻底改变了我对艺术史叙事的期待，让我意识到，真正的“现代”是永无止境的提问，而非最终的答案。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，初次翻开这本厚重的书时，我内心是有些抗拒的，我担心它会是那种故作高深、充斥着晦涩术语的学院派说教。然而，令我惊喜的是，作者的叙事风格异常流畅且富有故事性。他似乎并不急于给出一个绝对的结论，而是更像一个经验丰富的导游，带领我们在迷宫般的现代艺术发展中寻找线索。尤其是在探讨战后美国抽象表现主义雕塑时，那种对“行动即是作品”哲学的捕捉极其到位，笔触间充满了对艺术家在创作瞬间那种近乎原始的能量的敬畏。书中对于材质与语境关系的讨论，比如从青铜到工业废料的转变，不仅仅是材料学的变化，更是一次对“何为雕塑”的根本性质疑。它成功地将宏大的艺术史叙事，化解成了一个个鲜活的、充满个人挣扎与创新的片段，读起来毫无负担，反而充满了发现的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这类书真的不多 这本也译晚了很久。看吧对雕塑系的同学有帮助

评分☆☆☆☆☆

这类书真的不多 这本也译晚了很久。看吧对雕塑系的同学有帮助

评分☆☆☆☆☆

是正版，比其他网站便宜

评分☆☆☆☆☆

非常棒的书，特别好。

评分☆☆☆☆☆

活动期间购买太赚了

评分☆☆☆☆☆

挺好的，值得购买

评分☆☆☆☆☆

非常棒的书，特别好。

评分☆☆☆☆☆

比微店便宜，不错不错！

评分☆☆☆☆☆

还未看，看上去不错。