演员艺术语言基本技巧(戏剧卷) 表演艺术教程 戏剧表演书 中央戏剧学院表演系教材 演员的

演员艺术语言基本技巧(戏剧卷) 表演艺术教程 戏剧表演书 中央戏剧学院表演系教材 演员的 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

方伟编 著
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店铺: 恒久图书专营店
出版社: 文化艺术出版社
ISBN:9787503919480
商品编码:12048459473
包装:平装
开本:32
出版时间:2000-01-01
页数:482
字数:350000

具体描述



商品参数
演员艺术语言基本技巧
定价 32.00
出版社 文化艺术出版社
版次 1
出版时间 2000年01月
开本 32开
作者 方伟 编
装帧 平装
页数 482
字数 350000
ISBN编码 9787503919480


内容介绍
  近—个世纪以来,在我国专业艺术教育体系的创立、发展的过程中,建立与之相应的、中西结合的、系统科学的规范性专业艺术教材体系,—直是几代艺术教育家孜孜以求的奋斗目标。如果说本世纪上半叶我国艺术教育家们为此进行了辛勤探索,有了极为丰厚的积累,只是尚欠系统的话,那么在50年代全国编制各艺术专业课程教学方案和教学大纲的基础上,于1962年全国文科教材会议之后,国家已有条件部署各项艺术专业教材的编写和出版工作,并开始付诸实施。


目录
说明
引言
第—章 舞台语言语音声音基本功
第二章 舞台语言的基本表现手段
第三章 舞台语言外部技巧
第四章 舞台语言艺术处理
第五章 对筒语言的艺术处理

好的,这是一份关于一本名为《演员艺术语言基本技巧(戏剧卷):表演艺术教程 戏剧表演书 中央戏剧学院表演系教材 演员的》之外的图书简介,我们将聚焦于其他表演艺术领域的内容,详尽地展开描述,力求内容丰富且自然流畅。 --- 书名:《舞台的呼吸与角色的温度:当代戏剧导演的视觉叙事策略研究》 内容简介: 本书深入探讨了当代戏剧舞台艺术的核心——导演的创作理念、视觉语言的构建及其在角色塑造中的关键作用。它并非聚焦于演员的个体技巧训练,而是将视野投向了宏观的舞台调度、空间设计以及文本诠释的整体策略层面。 第一部分:文本的重生——导演的初始介入与概念化 本部分着重分析了从文学文本到舞台实践的转化过程,这是导演艺术的起点。我们摒弃了对“基本技巧”的罗列,转而探讨导演如何通过独到的视角,对既有剧本进行“再发现”与“再创造”。 1. 文本的解构与重构: 探讨导演如何从剧本的字里行间提炼出核心冲突与时代精神。研究了不同流派(如形体剧、观念剧、极简主义戏剧)在处理经典与现代剧作时,所采取的文本切入点差异。例如,如何处理契诃夫的“潜台词”与布莱希特的“间离效果”,不再是教演员如何说出潜台词,而是分析导演如何通过舞台调度、布景设计或音乐选择来暗示这些潜台词,迫使观众去“阅读”未被言明的张力。 2. 导演概念的形成与统一: 详述了导演如何建立一个贯穿排练始终的“核心概念”。这个概念不仅仅是舞台美术的风格,更是对全剧能量、节奏和情感基调的总体把控。我们分析了梅耶荷德(Meyerhold)的生物力学在空间利用上的极端探索,以及彼得·布鲁克(Peter Brook)对“空的空间”的哲学思考。这部分内容侧重于导演如何将抽象的艺术构想,转化为可供技术团队执行的明确指令,而非演员的单一训练任务。 第二部分:空间即媒介——舞台视觉语言的构建 此部分将舞台空间视为与演员表演同等重要的叙事载体。重点在于导演如何利用非语言元素来辅助甚至取代语言表达,从而提升戏剧的感染力。 1. 舞台调度(Blocking)的意义: 本章深入剖析了舞台调度不再仅仅是走位,而是权力关系、情感距离和内心冲突的外化手段。通过对现代主义戏剧如尤金·奥尼尔作品的排演案例研究,我们分析了导演如何通过限制演员的移动范围、利用高低错落的平台,来象征角色的心理困境或社会地位的固化。这是一种宏观的视觉设计,而非指导演员“应该向左走两步”。 2. 舞台美术与技术融合的叙事: 探讨了布景、灯光、音效如何作为导演的“无形之手”参与到叙事中。例如,探讨灯光设计如何从单纯的功能性照明转变为情感的投射器。书中分析了当代剧场中多媒体技术(如投影映射、实时视频反馈)的介入,导演如何将这些技术融入到戏剧的结构中,形成一种新的“视听文本”,而非仅仅作为背景装饰。 第三部分:节奏、能量与群像的雕塑 本部分从整体而非个体的角度,审视导演如何掌控全剧的艺术节奏和群体动态。 1. 戏剧的呼吸与节奏的控制: 节奏的把握是导演艺术的精髓。本书区分了文本节奏(语言的快慢)、场景节奏(行动的急缓)和情绪节奏(情感的起伏)。我们分析了古典悲剧与荒诞派戏剧在节奏处理上的根本区别:前者追求和谐的张弛有度,后者则着力于打破常规的、令人不适的重复与断裂。这关乎于导演如何引导观众的生理感知,而非训练演员的吐字清晰度。 2. 群体动力学的构建: 探讨了在群戏场景中,导演如何处理“群众”或“合唱团”的统一性与个体性。分析了如《大审判》这类需要大规模群体调度场面的戏剧中,导演如何通过统一的形体语汇(如动作的幅度、身体的朝向)来塑造一种强大的集体意志,同时又允许个体在不破坏整体美学的前提下展现细微差异。 3. 导演的审美选择与艺术责任: 结论部分回归到导演作为最终艺术决策者的角色。讨论了在高度商业化或政治干预的背景下,导演如何坚持自己的艺术立场,如何在市场需求与艺术纯粹性之间寻求平衡。这部分内容旨在提升创作者对戏剧整体艺术负责的意识,是关于审美判断和艺术伦理的探讨。 总结而言, 本书旨在提供一套宏观的、侧重于舞台设计与概念构建的研究框架,它关注的是如何将剧本转化为完整的、具有独特审美价值的舞台事件,是为有志于舞台艺术创作、舞台设计以及戏剧理论研究的从业者和学生提供的深度参考,其核心在于“整体视觉叙事的策略构建”,而非侧重于单一演员的语言技巧训练与规范。

用户评价

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这本书的视角想必是极其独特的,毕竟它来自中国最顶尖的戏剧学府之一。我个人认为,不同流派的表演体系各有千秋,但中戏的教材往往能融合东西方表演哲学的精髓,形成一套既有民族文化底蕴,又接轨国际前沿的教学体系。我特别关注的是,书中是否探讨了“当代性”在戏剧表演中的体现。在如今这个信息爆炸、节奏飞快的时代,传统的写实主义表演是否还能完全应对舞台的需求?这本书会不会引入一些元戏剧的概念,或者探讨演员在数字媒体时代的角色转变?如果它能提供一些超越传统斯坦尼斯拉夫斯基体系的思考维度,帮助年轻一代演员建立起更具时代感和批判性的舞台意识,那么它的价值就不仅仅停留在“技巧”层面,而是上升到了“理论创新”的高度。

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翻开书页,那种扑面而来的学院派气息让我立刻感到了一种沉浸感。我非常在意作者群的权威性——他们必然是浸淫舞台多年、洞悉表演奥秘的资深教授。他们的文字风格,我预估,会是那种既有学术的精准性,又饱含艺术家的激情与洞察力的结合体。我期待看到书中对那些舞台“禁忌”或者“误区”的深刻剖析,比如某些演员容易陷入的“演戏腔”或是“表情僵化”的问题,书中是否能用案例和明确的练习来“对症下药”。更进一步讲,优秀的表演教科书不应该只教你怎么“做”,更要引导你去“思考”——思考人性的复杂、社会环境对个体命运的影响。我希望这本书能提供足够的哲学思辨的深度,让演员在掌握了“术”的同时,也修炼了“道”。

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从读者的角度来看,一本好的教科书,其最强大的功能之一是能够激发读者的自我探索欲。我希望这本书在介绍完基础技巧后,不会给出标准的答案,而是留下足够的空间供读者去自由发挥和验证。例如,在讨论情绪爆发点时,书中提供的或许是几种不同的触发机制或路径,而不是规定某一种情绪必须以某种固定的方式呈现。这种开放式的教学法,才能真正培养出具有独立创造力的演员。此外,我对于书中可能涉及的舞台调度与空间感构建的章节尤为期待,如何利用舞台的有限空间,通过身体与节奏的配合,去创造出无限的心理场景,这是将语言技巧转化为完整舞台呈现的关键一步。这本书如果能将这些高级的、难以言传的“舞台直觉”转化为可以学习的步骤,那真是功德无量。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,厚实的纸张拿在手里沉甸甸的,触感温润,封面设计简洁大气,那几个醒目的标题字体排版得错落有致,透露出一种专业和严谨的气息。我特别喜欢它在细节上的处理,比如内页的留白把握得恰到好处,既保证了阅读的舒适度,又不会显得太空洞。作为一本被誉为“中央戏剧学院表演系教材”的书籍,它的实体品质无疑是过硬的,这让我对内容本身充满了期待。拿到书架上,它与其他书籍并列时,那种低调而内敛的质感,仿佛自带一种舞台聚光灯下的沉静,预示着其中蕴含的知识重量。这种扎实的物理呈现,对于长期研习表演的学生或专业人士来说,是非常重要的,它不仅仅是一本工具书,更像是一件值得珍藏的艺术品,每次翻阅都能感受到制作者的用心和对艺术的敬畏。

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我对这本书的内容结构安排感到非常好奇,它似乎不仅仅停留在理论的阐述层面,更像是构建了一套从基础到深入的系统化训练路径。我猜想,它一定非常细致地拆解了“演员的艺术语言”这个宏大命题,或许从最基本的发声气息控制、肢体协调性训练开始,逐步过渡到情感的捕捉与外化,再到如何处理复杂的舞台调度和对手戏的化学反应。这种层层递进的逻辑,对于初学者来说是极好的指引,能够让他们不至于在庞杂的表演体系中迷失方向。而对于有经验的演员,书中可能还会包含一些关于特定剧目风格的解析,或者对于经典角色的再创造性解读。我非常期待看到那些关于“如何将内在感受精准地通过外部形式传达出来”的独家心法,毕竟,艺术的魅力就在于那种无法言喻的瞬间爆发力,而这本书如果能提供科学的方法论去接近这种爆发,那它就真正称得上是宝典了。

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