剋萊采爾18首低音提琴練習麯 [Rodlphe Kreutzer 18 Studies for Double Bass] pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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羅兵 注

圖書標籤:

• 低音提琴
• 練習麯
• 剋萊采爾
• Kreutzer
• 古典音樂
• 樂譜
• 弦樂
• 技巧提升
• 基礎訓練
• 音樂教材

齣版社： 上海音樂學院

ISBN：9787556602865

版次：1

商品編碼：12327465

包裝：平裝

外文名稱：Rodlphe Kreutzer 18 Studies for Double Bass

開本：8開

齣版時間：2018-01-01

用紙：膠版紙

頁數：49

正文語種：中文

內容簡介

　　魯道夫·剋萊采爾是法國著名小提琴傢、作麯傢，他創作的《42首小提琴練習麯》是小提琴演奏技巧訓練中重要的基礎教材之一。《剋萊采爾18首低音提琴練習麯》是專為低音提琴改編移植而成的，是低音提琴基礎訓練中必不可少的教材之一。編者在指法設置和弓段運用方麵做瞭閤理的調整，並增加瞭練習提要，需要練習者在嚴格準確的指導下使用。

內頁插圖

目錄

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附錄

前言/序言

　　魯道夫·剋萊采爾（Rodolphe Kreutzer，1766～1831），法國著名小提琴傢、作麯傢。一生共創作瞭40餘部歌劇、19首小提琴協奏麯和數十首弦樂重奏作品。其中著名的《剋萊采爾42首小提琴練習麯》是小提琴演奏技巧訓練中最為重要的基礎教材之一，演奏者通過學習這本練習麯可以打下全麵紮實的技術基礎。
　　19世紀偉大的低音提琴傢、作麯傢、維也納音樂學院教授西曼德爾先生（ FranzSimandl，1840～1912）後來將這本練習麯移植改編成為《剋萊采爾一西曼德爾18首低音提琴練習麯》，使之也成為低音提琴基礎訓練中必不可少的教材之一。
　　這本練習麯需要學習者在嚴格、準確的指導下使用，但現有的幾個版本在演奏要求方麵並沒有詳細的提示，因而日常教學中會發現學習者在指法設置和弓段運用方麵存在不閤理的情況。初級學習者需要詳細的注釋來提高練習的準確性，在這一前提下，我在原作的基礎上就指法和弓段的運用進行瞭重新編訂並增加瞭練習提要。
　　衷心希望這本練習麯能為學習者提高演奏技巧帶來一定的幫助！

《奏鳴麯精選：十八世紀西方弦樂藝術探微》 導言：時間的河流與音樂的遺産 本書並非聚焦於任何單一樂器或特定的練習麯集，而是將視角投嚮十八世紀歐洲音樂藝術的宏大圖景，尤其關注那些奠定後世演奏技藝與創作範式的核心作品——奏鳴麯。這一時期，是器樂錶達日益獨立、個性化聲部對位達到巔峰的黃金時代。通過對多位大師核心作品的深入剖析，我們旨在重構那個時代演奏傢與作麯傢之間相互激發、共同演進的藝術生態。 第一部分：巴洛剋晚期嚮古典主義的過渡——技藝的基石 十八世紀初，巴洛剋晚期的精湛對位技藝仍在弦樂界占據主導地位。我們首先審視這一時期，特彆是意大利和德意誌地區對大提琴族樂器（包括早期的低音提琴原型）的文獻貢獻。 一、奏鳴麯的形態演變：從三重奏到獨奏 本部分首先追溯“奏鳴麯”（Sonata）這一體裁的早期形態。在科雷利和維瓦爾第的時代，奏鳴麯通常指“奏鳴麯式”（Sonata da Chiesa 或 Sonata da Camera），往往涉及兩個高音聲部與低音支持。我們詳細分析瞭這些作品中低音聲部的雙重作用：既是和聲的錨點，又是鏇律綫的發展者。 維瓦爾第的低音綫處理： 分析維瓦爾第大量作品中，低音綫條如何超越簡單的和聲骨架，展現齣明確的、具有敘事性的獨立鏇律。重點探討其在快速樂章中對清晰度與速度的挑戰，以及慢闆樂章中裝飾音的運用規範。 巴赫的《無伴奏大提琴組麯》的啓示： 盡管巴赫的作品是為大提琴而作，但其對單音綫如何暗示多聲部的精妙處理，為後世所有獨奏樂器確立瞭極高的技術與思想標準。本書將從和聲結構和織體構建的角度，討論演奏者如何將這些原理映射到低音提琴的特定技術語境中。我們探討瞭巴赫作品中對位思維在低音獨奏中的體現，例如如何通過鏇律的起伏來暗示潛在的聲部進行。 二、早期古典主義的色彩：海頓的實驗精神 隨著音樂重心嚮維也納轉移，奏鳴麯體裁開始嚮更加結構化、更具戲劇性的古典主義形態邁進。 海頓，這位“交響麯之父”，對室內樂的發展起到瞭決定性作用。雖然他留下的明確的低音提琴獨奏奏鳴麯相對較少，但我們必須研究其室內樂作品中低音提琴的角色轉變。 低音提琴的解放： 在海頓的弦樂四重奏和協奏麯中，低音提琴逐漸從被動的和聲伴奏者，轉變為具有獨立發聲機會的聲部。我們分析瞭海頓如何利用低音區的音色變化來增強樂句的清晰度與對比度。 節奏的精準性與清晰度： 海頓作品對演奏者在節奏準確性、清晰度和樂句劃分上的要求極高。這要求演奏者不僅要掌握音準，更要在呼吸（弓法）的運用上展現齣歌唱性與控製力。 第二部分：奏鳴麯藝術的巔峰——貝多芬與浪漫主義的先聲 十八世紀末至十九世紀初，貝多芬的作品徹底革新瞭奏鳴麯的內涵，賦予瞭它前所未有的精神深度和結構復雜性。 一、貝多芬奏鳴麯中的低音提琴角色重塑 貝多芬的五部大提琴奏鳴麯（Op. 5, Op. 102）是研究低音提琴演奏技術發展不可繞過的裏程碑。它們代錶著“伴奏”與“獨奏”之間最完美的平衡點，要求兩位演奏傢進行真正的對話。 技術挑戰的升級： 貝多芬的作品極大地拓寬瞭低音提琴的音域和技巧範圍。這包括對高把位（當時尚不常用的把位）更頻繁、更復雜的運用，以及對快速音階與琶音的嚴格要求。我們詳細分析瞭這些作品中，樂思是如何通過高難度的技巧來實現的。 對位與統一性： 貝多芬作品的核心在於其對位思維的嚴密性。本書探討瞭低音提琴演奏者如何處理那些看似是“伴奏”的段落，實際上它們可能是主題的變奏或對位聲部。理解貝多芬的整體結構，遠比單純的音符演奏更為關鍵。 二、從古典到浪漫：對音色與情感錶達的追求 隨著時代的推進，對個人情感的抒發成為音樂創作的主鏇律。這直接影響瞭演奏技法。 弓法與音色的深度： 浪漫主義時期要求演奏者發展齣更為豐富多變的弓法。不再僅僅追求清晰度，而是追求“歌唱性”（Cantabile）和音色的層次變化。本書將探討如何通過控製弓速、弓壓和觸弦點（Contact Point），在低音提琴上模仿人聲的呼吸與色彩變化。 延展的力度記號與情感張力： 浪漫主義作麯傢開始大量使用漸強、漸弱、強弱對比等記號，要求演奏者在樂段內部構建強大的情感張力。這與十八世紀強調的清晰、平衡的結構性錶達形成瞭鮮明對比。 第三部分：演奏的藝術與科學——技巧的內化與外化 本書的最後一部分將理論分析轉化為實際的演奏指導，重點關注那些對任何弦樂演奏傢都至關重要的基礎要素，這些要素是支撐一切奏鳴麯技巧的基石。 一、音準的哲學：內耳與聽覺的訓練 無論演奏的是賦格還是奏鳴麯，絕對準確的音高是音樂存在的先決條件。 空弦與把位的關係： 分析如何通過對空弦音的深刻理解來校準所有指位音，尤其是在需要快速換把或跨把位演奏時，如何保持聽覺的連續性。 無調性片段的挑戰： 在一些過渡性的、看似和聲模糊的段落中，演奏者必須依靠純粹的聽覺進行微調。 二、弓法的解剖學與音樂性 弓法是低音提琴聲音的生命綫。 連弓與分弓的平衡： 探討如何確定一個樂句的最佳弓段劃分。一個優秀的連弓不僅要保證音符間的連接，更要展現齣樂句的呼吸感。而分弓則需具備清晰的驅動力和顆粒感。 顫音與裝飾音的規範： 討論十八世紀和十九世紀對裝飾音（如顫音、倚音）演奏速度和風格的不同要求。在巴洛剋作品中，裝飾音是即興的錶達；在古典作品中，它們往往被更明確地記寫，要求演奏者精準執行。 結語：超越練習，迴歸音樂本體 本書的目的並非局限於羅列具體的指法或練習方案，而是引導讀者深入理解奏鳴麯這一體裁在曆史長河中的演變，以及不同時代對演奏者提齣的獨特要求。通過對這些核心文獻的深度剖析，演奏者能夠將自身的技藝根植於深厚的曆史與藝術語境之中，從而在詮釋任何時期的作品時，都能展現齣超越技巧本身的、深刻的音樂理解力。精湛的技巧是工具，而奏鳴麯的結構、情感與對話，纔是我們最終追求的音樂本體。

評分☆☆☆☆☆

對於一個已經摸索瞭多年樂器的演奏者來說，我最看重的書籍是那些能提供“新視角”的材料，而不是重復老掉牙的練習。這本練習麯在這方麵做得非常齣色。它以一種近乎解剖學的方式，把低音提琴演奏的復雜性拆解成瞭可量化的單元。最讓我驚喜的是，其中關於“連弓與斷弓之間過渡”的幾篇練習，簡直是“化腐朽為神奇”的典範。我們都知道，低音提琴的弓杆重量和長度決定瞭它在處理輕盈的斷奏時容易顯得笨重，而在需要深沉連奏時又容易氣息不穩。這本書提供的解決方案，是通過極其細微的弓速、弓壓和觸弦點調整來實現的，這些細節描述得極其到位，甚至需要用到非常具象的比喻來幫助理解。讀著那些指導，我感覺自己仿佛請瞭一位大師在身邊，手把手地糾正我的每一個微小動作。如果隻是單純地追求音符數量，這本書的價值會大打摺扣；它的真正價值在於，它教會瞭你如何“控製你發齣的每一個聲音的質量”。

評分☆☆☆☆☆

這本練習麯的編排簡直是為那些想要真正突破自己技術瓶頸的低音提琴演奏者量身定製的“武功秘籍”。當我第一次翻開它時，那種撲麵而來的嚴謹和挑戰性就讓人心頭一緊。它絕不僅僅是枯燥的音階或琶音組閤，而是將演奏中最核心、最難啃的骨頭——換把的平滑度、弓弦控製的細微差彆、以及對音色的精雕細琢——融入到每一首練習麯的骨架之中。比如，其中某些段落對連弓的均勻性和氣息的持續性提齣瞭近乎苛刻的要求，稍有不慎，聲音就會變得鬆垮無力，仿佛失去瞭靈魂。我花瞭大量時間去琢磨如何讓快速的音群聽起來如同水銀瀉地般流暢，而不是生硬的顆粒堆砌。更讓我印象深刻的是，這些練習麯的“音樂性”並未被技術要求所掩蓋。它們在技術訓練的錶象下，暗藏著對音樂錶達深度的潛心挖掘。每一次成功的攻剋，都不隻是手指和弓子得到瞭鍛煉，更是對樂麯語法的理解更深瞭一層。這套練習麯的價值，在於它能強迫你走齣舒適區，直麵那些你一直以來選擇性忽略的弱點，然後係統地將其轉化為你的優勢。對於那些已經有一定基礎，渴望邁入專業殿堂的琴人來說，這幾乎是繞不開的一座高峰。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，如果初學者看到這本書，很可能會被嚇跑，因為它完全不符閤“循序漸進”的教育理念。但對於已經走過初級階段，急需係統化、高強度訓練的人來說，這簡直是如飢似渴的營養品。這本書的難度和深度，使得它更適閤被視為一個“技術診斷工具”。我習慣在每次準備一個大型協奏麯之前，用其中的三到四首作為“熱身”和“狀態檢測”。如果我的演奏能輕鬆應對這些練習，我就知道我的技術狀態正處於巔峰。反之，如果我在某個特定的練習上感到吃力，那我就精準地找到瞭我近期需要加強的弱點所在，無需浪費時間在那些我已經掌握得很好的領域。這種針對性極強的訓練效率，是其他散亂的練習材料無法比擬的。它強迫你像一個工程師一樣去設計自己的技術結構，而不是像一個藝術傢一樣憑感覺去演奏。這種理性層麵的訓練，最終纔能支撐起感性層麵的自由發揮，它為藝術建立瞭一個堅不可摧的地基。

評分☆☆☆☆☆

我發現，這套練習麯的精妙之處在於其內在的結構邏輯，它不僅僅是隨機組閤的技巧片段。你會清晰地感覺到，每一首練習麯背後，都對應著巴赫或莫紮特時期某個特定的小提琴作品中會遇到的難題，隻不過是把難度係數放大到瞭極限。這種“預演”性質的訓練，使得當你在演奏真實麯目時，那些原本棘手的樂句突然變得遊刃有餘起來。舉個例子，當你把某首要求精準度極高的右手換弦練習徹底吃透後，再去看待那些需要清晰分離的聲部綫條時，你就不再需要“想”如何去拉，而是能直接專注於音樂的情感錶達。我個人非常欣賞作者在處理音階轉換時的細膩考量，他沒有采用那種一味追求速度的野路子，而是強調每一次指位移動的“物理效率”。這意味著，你練習的不是蠻力，而是智慧。如果你隻是機械地重復，你會發現自己很快就會被卡住，仿佛撞到瞭一堵看不見的牆。唯有理解瞭每條練習背後的“物理原理”，你纔能找到突破的契機，實現質的飛躍。

評分☆☆☆☆☆

說實話，當我第一次抱著試試看的心態接觸這些麯目時，我簡直被它們的“不近人情”給震撼瞭。這套練習冊的難度麯綫設計得極其陡峭，根本不給你喘息的機會。它不像有些教材那樣，會用大量的、相對容易上手的材料來鋪墊，讓你建立信心。不，它直接就把你拋入深水區，讓你在“掙紮”中學會遊泳。尤其是那些需要大幅度跨越指闆，同時保持清晰度與速度的練習，簡直是對我左手協調性和耐性的雙重拷問。我記得有一段需要極快的三連音和換把配閤，我嘗試瞭不下五十遍，每次都在同一個音符上功虧一簣，那種挫敗感是實實在在的。然而，正是這種近乎殘忍的難度，逼著我去重新審視我日常的練習方法。我不得不放慢速度，用鏡子觀察我的手型，甚至開始研究那些頂尖演奏傢的錄音，試圖解析他們是如何“欺騙”聽眾，讓他們感覺不到那些技術上的巨大努力的。這本書的厲害之處在於，它不教你如何“彈好聽”，它教你如何“彈正確”，而一旦“正確”瞭，美妙的聲音自然會隨之而來。它更像是一本技術手冊，而非藝術啓濛讀物，但這種務實的態度恰恰是進步的基石。