克莱采尔18首低音提琴练习曲 [Rodlphe Kreutzer 18 Studies for Double Bass] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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罗兵 注

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• 低音提琴
• 练习曲
• 克莱采尔
• Kreutzer
• 古典音乐
• 乐谱
• 弦乐
• 技巧提升
• 基础训练
• 音乐教材

出版社： 上海音乐学院

ISBN：9787556602865

版次：1

商品编码：12327465

包装：平装

外文名称：Rodlphe Kreutzer 18 Studies for Double Bass

开本：8开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：49

正文语种：中文

内容简介

　　鲁道夫·克莱采尔是法国著名小提琴家、作曲家，他创作的《42首小提琴练习曲》是小提琴演奏技巧训练中重要的基础教材之一。《克莱采尔18首低音提琴练习曲》是专为低音提琴改编移植而成的，是低音提琴基础训练中必不可少的教材之一。编者在指法设置和弓段运用方面做了合理的调整，并增加了练习提要，需要练习者在严格准确的指导下使用。

内页插图

目录

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附录

前言/序言

　　鲁道夫·克莱采尔（Rodolphe Kreutzer，1766～1831），法国著名小提琴家、作曲家。一生共创作了40余部歌剧、19首小提琴协奏曲和数十首弦乐重奏作品。其中著名的《克莱采尔42首小提琴练习曲》是小提琴演奏技巧训练中最为重要的基础教材之一，演奏者通过学习这本练习曲可以打下全面扎实的技术基础。
　　19世纪伟大的低音提琴家、作曲家、维也纳音乐学院教授西曼德尔先生（ FranzSimandl，1840～1912）后来将这本练习曲移植改编成为《克莱采尔一西曼德尔18首低音提琴练习曲》，使之也成为低音提琴基础训练中必不可少的教材之一。
　　这本练习曲需要学习者在严格、准确的指导下使用，但现有的几个版本在演奏要求方面并没有详细的提示，因而日常教学中会发现学习者在指法设置和弓段运用方面存在不合理的情况。初级学习者需要详细的注释来提高练习的准确性，在这一前提下，我在原作的基础上就指法和弓段的运用进行了重新编订并增加了练习提要。
　　衷心希望这本练习曲能为学习者提高演奏技巧带来一定的帮助！

《奏鸣曲精选：十八世纪西方弦乐艺术探微》 导言：时间的河流与音乐的遗产 本书并非聚焦于任何单一乐器或特定的练习曲集，而是将视角投向十八世纪欧洲音乐艺术的宏大图景，尤其关注那些奠定后世演奏技艺与创作范式的核心作品——奏鸣曲。这一时期，是器乐表达日益独立、个性化声部对位达到巅峰的黄金时代。通过对多位大师核心作品的深入剖析，我们旨在重构那个时代演奏家与作曲家之间相互激发、共同演进的艺术生态。 第一部分：巴洛克晚期向古典主义的过渡——技艺的基石 十八世纪初，巴洛克晚期的精湛对位技艺仍在弦乐界占据主导地位。我们首先审视这一时期，特别是意大利和德意志地区对大提琴族乐器（包括早期的低音提琴原型）的文献贡献。 一、奏鸣曲的形态演变：从三重奏到独奏 本部分首先追溯“奏鸣曲”（Sonata）这一体裁的早期形态。在科雷利和维瓦尔第的时代，奏鸣曲通常指“奏鸣曲式”（Sonata da Chiesa 或 Sonata da Camera），往往涉及两个高音声部与低音支持。我们详细分析了这些作品中低音声部的双重作用：既是和声的锚点，又是旋律线的发展者。 维瓦尔第的低音线处理： 分析维瓦尔第大量作品中，低音线条如何超越简单的和声骨架，展现出明确的、具有叙事性的独立旋律。重点探讨其在快速乐章中对清晰度与速度的挑战，以及慢板乐章中装饰音的运用规范。 巴赫的《无伴奏大提琴组曲》的启示： 尽管巴赫的作品是为大提琴而作，但其对单音线如何暗示多声部的精妙处理，为后世所有独奏乐器确立了极高的技术与思想标准。本书将从和声结构和织体构建的角度，讨论演奏者如何将这些原理映射到低音提琴的特定技术语境中。我们探讨了巴赫作品中对位思维在低音独奏中的体现，例如如何通过旋律的起伏来暗示潜在的声部进行。 二、早期古典主义的色彩：海顿的实验精神 随着音乐重心向维也纳转移，奏鸣曲体裁开始向更加结构化、更具戏剧性的古典主义形态迈进。 海顿，这位“交响曲之父”，对室内乐的发展起到了决定性作用。虽然他留下的明确的低音提琴独奏奏鸣曲相对较少，但我们必须研究其室内乐作品中低音提琴的角色转变。 低音提琴的解放： 在海顿的弦乐四重奏和协奏曲中，低音提琴逐渐从被动的和声伴奏者，转变为具有独立发声机会的声部。我们分析了海顿如何利用低音区的音色变化来增强乐句的清晰度与对比度。 节奏的精准性与清晰度： 海顿作品对演奏者在节奏准确性、清晰度和乐句划分上的要求极高。这要求演奏者不仅要掌握音准，更要在呼吸（弓法）的运用上展现出歌唱性与控制力。 第二部分：奏鸣曲艺术的巅峰——贝多芬与浪漫主义的先声 十八世纪末至十九世纪初，贝多芬的作品彻底革新了奏鸣曲的内涵，赋予了它前所未有的精神深度和结构复杂性。 一、贝多芬奏鸣曲中的低音提琴角色重塑 贝多芬的五部大提琴奏鸣曲（Op. 5, Op. 102）是研究低音提琴演奏技术发展不可绕过的里程碑。它们代表着“伴奏”与“独奏”之间最完美的平衡点，要求两位演奏家进行真正的对话。 技术挑战的升级： 贝多芬的作品极大地拓宽了低音提琴的音域和技巧范围。这包括对高把位（当时尚不常用的把位）更频繁、更复杂的运用，以及对快速音阶与琶音的严格要求。我们详细分析了这些作品中，乐思是如何通过高难度的技巧来实现的。 对位与统一性： 贝多芬作品的核心在于其对位思维的严密性。本书探讨了低音提琴演奏者如何处理那些看似是“伴奏”的段落，实际上它们可能是主题的变奏或对位声部。理解贝多芬的整体结构，远比单纯的音符演奏更为关键。 二、从古典到浪漫：对音色与情感表达的追求 随着时代的推进，对个人情感的抒发成为音乐创作的主旋律。这直接影响了演奏技法。 弓法与音色的深度： 浪漫主义时期要求演奏者发展出更为丰富多变的弓法。不再仅仅追求清晰度，而是追求“歌唱性”（Cantabile）和音色的层次变化。本书将探讨如何通过控制弓速、弓压和触弦点（Contact Point），在低音提琴上模仿人声的呼吸与色彩变化。 延展的力度记号与情感张力： 浪漫主义作曲家开始大量使用渐强、渐弱、强弱对比等记号，要求演奏者在乐段内部构建强大的情感张力。这与十八世纪强调的清晰、平衡的结构性表达形成了鲜明对比。 第三部分：演奏的艺术与科学——技巧的内化与外化 本书的最后一部分将理论分析转化为实际的演奏指导，重点关注那些对任何弦乐演奏家都至关重要的基础要素，这些要素是支撑一切奏鸣曲技巧的基石。 一、音准的哲学：内耳与听觉的训练 无论演奏的是赋格还是奏鸣曲，绝对准确的音高是音乐存在的先决条件。 空弦与把位的关系： 分析如何通过对空弦音的深刻理解来校准所有指位音，尤其是在需要快速换把或跨把位演奏时，如何保持听觉的连续性。 无调性片段的挑战： 在一些过渡性的、看似和声模糊的段落中，演奏者必须依靠纯粹的听觉进行微调。 二、弓法的解剖学与音乐性 弓法是低音提琴声音的生命线。 连弓与分弓的平衡： 探讨如何确定一个乐句的最佳弓段划分。一个优秀的连弓不仅要保证音符间的连接，更要展现出乐句的呼吸感。而分弓则需具备清晰的驱动力和颗粒感。 颤音与装饰音的规范： 讨论十八世纪和十九世纪对装饰音（如颤音、倚音）演奏速度和风格的不同要求。在巴洛克作品中，装饰音是即兴的表达；在古典作品中，它们往往被更明确地记写，要求演奏者精准执行。 结语：超越练习，回归音乐本体 本书的目的并非局限于罗列具体的指法或练习方案，而是引导读者深入理解奏鸣曲这一体裁在历史长河中的演变，以及不同时代对演奏者提出的独特要求。通过对这些核心文献的深度剖析，演奏者能够将自身的技艺根植于深厚的历史与艺术语境之中，从而在诠释任何时期的作品时，都能展现出超越技巧本身的、深刻的音乐理解力。精湛的技巧是工具，而奏鸣曲的结构、情感与对话，才是我们最终追求的音乐本体。

评分☆☆☆☆☆

我发现，这套练习曲的精妙之处在于其内在的结构逻辑，它不仅仅是随机组合的技巧片段。你会清晰地感觉到，每一首练习曲背后，都对应着巴赫或莫扎特时期某个特定的小提琴作品中会遇到的难题，只不过是把难度系数放大到了极限。这种“预演”性质的训练，使得当你在演奏真实曲目时，那些原本棘手的乐句突然变得游刃有余起来。举个例子，当你把某首要求精准度极高的右手换弦练习彻底吃透后，再去看待那些需要清晰分离的声部线条时，你就不再需要“想”如何去拉，而是能直接专注于音乐的情感表达。我个人非常欣赏作者在处理音阶转换时的细腻考量，他没有采用那种一味追求速度的野路子，而是强调每一次指位移动的“物理效率”。这意味着，你练习的不是蛮力，而是智慧。如果你只是机械地重复，你会发现自己很快就会被卡住，仿佛撞到了一堵看不见的墙。唯有理解了每条练习背后的“物理原理”，你才能找到突破的契机，实现质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本练习曲的编排简直是为那些想要真正突破自己技术瓶颈的低音提琴演奏者量身定制的“武功秘籍”。当我第一次翻开它时，那种扑面而来的严谨和挑战性就让人心头一紧。它绝不仅仅是枯燥的音阶或琶音组合，而是将演奏中最核心、最难啃的骨头——换把的平滑度、弓弦控制的细微差别、以及对音色的精雕细琢——融入到每一首练习曲的骨架之中。比如，其中某些段落对连弓的均匀性和气息的持续性提出了近乎苛刻的要求，稍有不慎，声音就会变得松垮无力，仿佛失去了灵魂。我花了大量时间去琢磨如何让快速的音群听起来如同水银泻地般流畅，而不是生硬的颗粒堆砌。更让我印象深刻的是，这些练习曲的“音乐性”并未被技术要求所掩盖。它们在技术训练的表象下，暗藏着对音乐表达深度的潜心挖掘。每一次成功的攻克，都不只是手指和弓子得到了锻炼，更是对乐曲语法的理解更深了一层。这套练习曲的价值，在于它能强迫你走出舒适区，直面那些你一直以来选择性忽略的弱点，然后系统地将其转化为你的优势。对于那些已经有一定基础，渴望迈入专业殿堂的琴人来说，这几乎是绕不开的一座高峰。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我第一次抱着试试看的心态接触这些曲目时，我简直被它们的“不近人情”给震撼了。这套练习册的难度曲线设计得极其陡峭，根本不给你喘息的机会。它不像有些教材那样，会用大量的、相对容易上手的材料来铺垫，让你建立信心。不，它直接就把你抛入深水区，让你在“挣扎”中学会游泳。尤其是那些需要大幅度跨越指板，同时保持清晰度与速度的练习，简直是对我左手协调性和耐性的双重拷问。我记得有一段需要极快的三连音和换把配合，我尝试了不下五十遍，每次都在同一个音符上功亏一篑，那种挫败感是实实在在的。然而，正是这种近乎残忍的难度，逼着我去重新审视我日常的练习方法。我不得不放慢速度，用镜子观察我的手型，甚至开始研究那些顶尖演奏家的录音，试图解析他们是如何“欺骗”听众，让他们感觉不到那些技术上的巨大努力的。这本书的厉害之处在于，它不教你如何“弹好听”，它教你如何“弹正确”，而一旦“正确”了，美妙的声音自然会随之而来。它更像是一本技术手册，而非艺术启蒙读物，但这种务实的态度恰恰是进步的基石。

评分☆☆☆☆☆

对于一个已经摸索了多年乐器的演奏者来说，我最看重的书籍是那些能提供“新视角”的材料，而不是重复老掉牙的练习。这本练习曲在这方面做得非常出色。它以一种近乎解剖学的方式，把低音提琴演奏的复杂性拆解成了可量化的单元。最让我惊喜的是，其中关于“连弓与断弓之间过渡”的几篇练习，简直是“化腐朽为神奇”的典范。我们都知道，低音提琴的弓杆重量和长度决定了它在处理轻盈的断奏时容易显得笨重，而在需要深沉连奏时又容易气息不稳。这本书提供的解决方案，是通过极其细微的弓速、弓压和触弦点调整来实现的，这些细节描述得极其到位，甚至需要用到非常具象的比喻来帮助理解。读着那些指导，我感觉自己仿佛请了一位大师在身边，手把手地纠正我的每一个微小动作。如果只是单纯地追求音符数量，这本书的价值会大打折扣；它的真正价值在于，它教会了你如何“控制你发出的每一个声音的质量”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，如果初学者看到这本书，很可能会被吓跑，因为它完全不符合“循序渐进”的教育理念。但对于已经走过初级阶段，急需系统化、高强度训练的人来说，这简直是如饥似渴的营养品。这本书的难度和深度，使得它更适合被视为一个“技术诊断工具”。我习惯在每次准备一个大型协奏曲之前，用其中的三到四首作为“热身”和“状态检测”。如果我的演奏能轻松应对这些练习，我就知道我的技术状态正处于巅峰。反之，如果我在某个特定的练习上感到吃力，那我就精准地找到了我近期需要加强的弱点所在，无需浪费时间在那些我已经掌握得很好的领域。这种针对性极强的训练效率，是其他散乱的练习材料无法比拟的。它强迫你像一个工程师一样去设计自己的技术结构，而不是像一个艺术家一样凭感觉去演奏。这种理性层面的训练，最终才能支撑起感性层面的自由发挥，它为艺术建立了一个坚不可摧的地基。