基本乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李重光 编

图书标签:

• 乐理
• 音乐基础
• 音乐理论
• 音乐入门
• 音乐知识
• 和声
• 节奏
• 音程
• 调性
• 视唱练耳

店铺： 土星图书专营店

出版社： 湖南文艺

ISBN：9787540443306

商品编码：27109372460

开本：16

出版时间：2009-06-01

基本信息

• 商品名称：基本乐理
• 作者：李重光
• 定价：38
• 出版社：湖南文艺
• ISBN号：9787540443306

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2009-06-01
• 印刷时间：2009-06-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：278

编辑推荐语

这本书的*大特点是将简谱、五线谱两种**不同的记谱法巧妙地结合起来，对基本乐理的诸多内容系统地加以讲解，使五线谱与简谱同步进行，相互对照，相辅相成，达到事半功倍的效果，一举多得。 为了配合、适应教学的进程和教学对象的不同情况，作者把基本乐理的全部内容，分为四十四个相对独立而又紧密联系的课题，这样重点突出，便于讲解和学习。另外，书后还附有全部练习答案。

目录

**讲 概述
第二讲 音及音名
第三讲 音律
第四讲 记谱法(一)
第五讲 记谱法(二)
第六讲 记谱中的常用记号
第七讲 乐谱的正确写法
第八讲 节奏、节拍
第九讲 各种拍子
第十讲 拍子的音值组合法
第十一讲 节奏中的强弱关系
第十二讲 节奏、节拍在音乐表现中的作用
第十三讲 音乐的速度、力度及其标记
第十四讲 音程的名称及其标记
第十五讲 音程的分类
第十六讲 怎样识别和构成音程
第十七讲 三和弦与七和弦
第十八讲 原位和弦与转位和弦
第十九讲 怎样识别和构成和弦(一)
第誊二十讲 怎样识别和构成和弦(二)
第二十一讲 调及调的五度循环
第二十二讲 大调式
第二十三讲 小调式(一)
第二十四讲 小调式(二)
第二十五讲 五声调式与七声调式(一)
第二十六讲 五声调式与七声调式(二)
第二十七讲 如何确定调与调式
第二十八讲 调式的多样性及其表现作用
第二十九讲 调式中的音程
第三十讲 不协和音程的解决
第三十一讲 音程的表现作用
第三十二讲 调式中的和弦(一)
第三十三讲 调式中的和弦(二)
第三十四 讲和弦的实际应用
第三十五 讲调式变音
第三十六讲 半音音阶
第三十七讲 调关系
第三十八讲 转调
第三十九讲 怎样识别转调和调式变音
第四十讲 移调
第四十一讲 移调的实际应用
第四十二讲 装饰音
第四十三讲 关于旋律的知识
第四十三讲 乐曲的基本形式
附 练习答案

《古音新探：中国古代音乐理论的流变与重构》 一本深入剖析中国古代音乐理论体系的权威著作 本书旨在对中国古代的音乐理论进行一次彻底、深入且富有批判性的梳理与重构。我们聚焦于从先秦至清末的漫长历史跨度中，那些塑造了中国古典音乐美学与实践基石的理论体系，试图超越传统教科书的简单罗列，揭示其内在的逻辑关联、哲学基础以及在不同历史阶段的演变轨迹。 第一部分：上古之声与哲思的熔铸 本部分首先追溯中国音乐理论的源头，探讨“乐”与“礼”、“道”的内在联系。我们细致考察了《周礼》、《乐记》等核心文献中关于“宫、商、角、徵、羽”五音的起源及其与五行、五方、五色的对应关系。不同于将五音视为纯粹的音高序列，本书强调其作为宇宙秩序象征符号的意义。 音阶构建的哲学基础： 深入分析了“三分损益法”的数学原理及其在古代音律学中的本体论地位。重点阐述了“十二律吕”的制定过程，不仅是技术性的音高确定，更是历法与天地运行节律的模拟。我们对比了不同古籍中记载的律吕体系的微小差异，探究其背后的地域性或学派差异。 音律的“中正”观： 探讨了古代理论家对“中律”的执着追求，即如何通过律制的确定来维护社会与政治的和谐。通过对“黄钟为宫”的探讨，揭示了音乐理论中蕴含的政治伦理学。 第二部分：汉魏隋唐：理论体系的集大成与理论的世俗化 随着历史的发展，音乐理论逐渐从纯粹的哲学思辨走向实际的音乐创作与演奏实践的结合。这一阶段的理论发展尤为关键。 经律与俗乐的张力： 重点研究了汉代以来“雅乐”与“清商乐”体系的交汇与冲突。分析了《琴论》中对七弦琴的定音、指法、泛音等理论的系统阐述，揭示了文人音乐理论的独立性与精致性。 唐代九宫八音的复杂性： 详细剖析了唐代燕乐（宴会音乐）的理论框架，包括其使用的“二十八调”体系。本书通过对敦煌壁画及相关文献的交叉印证，重建了当时复杂音阶的实际音高范围和调式特征，阐明了中原音乐如何与西域及周边民族的音乐元素进行融合与理论化。 理论注释学的发展： 梳理了自魏晋以来，历代学者对古代经典音乐理论（如《九歌》、《周礼》）的注释与诠释工作，分析了这些注释如何影响了后世对早期理论的理解，并指出其中可能存在的“后世投射”问题。 第三部分：宋元明清：理论的分化与定型 宋代以后，随着市民阶层音乐的兴起（如词曲音乐），传统雅乐理论逐渐边缘化，新的理论模式应运而生。 民间音乐理论的兴起： 重点研究了关于词调、曲牌的理论构建。分析了如朱载堉《乐律全书》在理论上的重大突破，即对十二平均律的早期探讨和对音准的精确计算。这部分内容将详细解读其“万物同律”的思想，以及它对中国传统音乐理论的冲击与贡献。 乐器学与音色理论： 考察了此时期对各种乐器（如琵琶、筝、笛）的演奏技法和音色特点的理论描述。例如，对不同“指法”背后的力度、速度和情绪表达的理论化尝试，以及对不同材质乐器音色潜力的挖掘。 宫廷雅乐理论的僵化与衰落： 对比分析了清代礼部对雅乐的沿袭与简化，探讨了官方理论体系在面对民间音乐创新时的保守性，以及这种保守性如何导致了传统理论在近代的脱节。 第四部分：理论的再审视与现代重构的可能性 在总结了古代理论的完整发展脉络后，本书的最后一部分着眼于当代语境下的理论价值重估。 基于“意象”的音乐结构分析： 探讨了如何将古代理论中模糊但富有生命力的“意象”（如“幽”、“思”、“旷达”）转化为可供现代分析的结构元素，避免将古代音乐理论简单地等同于西方的大小调体系分析。 跨文化比较视野下的中国音律学： 将中国古代律学（尤其是对半音的分割处理）置于全球音乐理论体系中进行横向比较，突出其独特性而非缺陷。 本书特色： 本书融合了音乐学、历史学、哲学研究的方法论，以严谨的文献考证为基础，辅以乐器声学与数学模型的分析，力求构建一个清晰、连贯且富有洞察力的中国古代音乐理论发展图景。它不仅是研究中国古典音乐的学者必备的案头书，也是对中国传统文化深层结构感兴趣的广大读者的一份深度导览。阅读本书，将使读者不再停留在对“宫商角徵羽”的肤浅认知，而能真正领会支撑数千年中华雅乐的智慧与体系。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对音乐理论的理解一直停留在非常表面的层次，认为它就是一些关于音符、拍号、和弦的枯燥规则。然而，这本书彻底改变了我的看法。它不仅仅是在讲“规则”，更是在讲“音乐的语言”。它深入剖析了音乐的构成元素是如何组合起来，形成独特的“句子”和“段落”，从而表达不同的情感和思想。我特别喜欢它对“调性”和“无调性”的对比讲解，它没有简单地将无调性音乐斥为“不和谐”，而是深入分析了其背后所蕴含的作曲家的创作意图和对传统音乐理论的突破。书中还探讨了音乐的“色彩”和“质感”，如何通过不同的乐器组合、演奏技巧和音响处理来营造出丰富多样的听觉画面。比如，它用非常形象的语言描述了低音提琴的深沉、小提琴的明亮，以及长笛的空灵，让我仿佛能够“看到”这些声音的颜色。更令我惊喜的是，书中还触及了一些关于音乐情感心理学的探讨，分析了音乐是如何影响人的情绪，以及不同的音乐元素如何触发我们内心深处的感受。读完之后，我感觉自己对音乐的理解不再是单纯的逻辑分析，而是多了一种感性的共鸣，能够更深刻地体会到音乐的艺术魅力所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的是我近期最满意的一次阅读体验，虽然书名听起来有点“学院派”，但实际内容却异常引人入胜。它就像一位循循善诱的老师，带领我一步步揭开音乐神秘的面纱。我特别喜欢它在解释一些比较抽象的概念时，会穿插很多我熟悉的流行音乐例子。比如，在讲到转调的时候，作者并没有仅仅给出枯燥的和弦图，而是拿了某几首热门歌曲的副歌部分，一步步分析它是如何巧妙地通过一个转调来瞬间提升歌曲的能量感和情感冲击力，让我恍然大悟，原来那些打动我的旋律背后，有着如此精妙的设计。此外，书中关于节奏模式的讲解也极具启发性，它不仅介绍了各种基础节奏型，还深入探讨了不同节奏组合如何影响音乐的律动感和情绪表达，甚至还提到了非洲鼓乐和巴西桑巴节奏的独特魅力。我之前总觉得节奏只是“拍子”，但这本书让我意识到，节奏本身就是一种强大的叙事工具，它可以传递力量、温柔、狂野，甚至是某种难以言喻的神秘感。读完这本书，我感觉自己不再只是一个被动的音乐听众，而是能够开始欣赏到音乐更深层的魅力，甚至跃跃欲试想尝试自己去创作一些简单的旋律。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本书的时候，并没有抱太高的期望，以为只是市面上常见的、介绍一些基础乐器演奏技巧或者声乐发声方法的书籍。但打开之后，我彻底被它颠覆了认知。这本书的内容简直像是在为我构建一个完整的音乐生态系统。它不仅仅讲乐理，还讲到了乐器之间的关系，比如不同乐器在乐队中扮演的角色，以及它们如何通过和声、对位来相互衬托，创造出丰富多样的音响效果。我记得其中有一章专门讲到了管弦乐队的编制，非常详细地分析了弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组各自的特点和在音乐中的功能，让我对交响乐的宏大音响有了全新的认识。更让我惊喜的是，书中还涉及了现代音乐的某些前沿理论，比如一些关于电子音乐音色设计和合成器音色的探讨，以及对一些现代作曲家创作手法的简要介绍。这让我觉得这本书的内容非常“与时俱进”，而不是停留在过时的知识点上。读完之后，我感觉自己仿佛站在一个音乐的制高点，能够俯瞰整个音乐的演进史和发展趋势，这种视野的开阔让我受益匪浅，也对音乐产生了更深的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

我最近在网上淘到一本非常有趣的关于音乐理论的书，虽然书名是《基本乐理》，但我发现它远不止是“基本”那么简单。这本书的内容深度远超我的想象，它并没有停留在简单的音阶、和弦的堆砌，而是深入浅出地剖析了音乐是如何构建其情感张力，以及如何通过不同的节奏、旋律组合来创造出截然不同的听觉体验。其中关于复调音乐的讲解，我之前一直觉得遥不可及，但这本书用非常生动的比喻和清晰的图示，将复杂的对位技巧变得易于理解。它不仅仅是枯燥的知识点罗列，更多的是一种思维方式的引导，让我开始从“听”音乐变成“解构”音乐。例如，它会分析一首古典乐作品中不同声部之间的互动关系，指出它们是如何相互呼应、又如何独立存在的，这种细致入微的分析让我仿佛置身于作曲家的创作室，窥见了音乐灵魂的奥秘。更令我惊喜的是，书中还探讨了一些音乐哲学和历史背景，将乐理知识融入到更广阔的文化语境中，这让我不仅仅是学习了“如何做”，更明白了“为何如此”。感觉读完之后，再听任何一首歌曲，都会有全新的视角和更深刻的理解，像是打开了一扇通往音乐内心世界的大门，充满着惊喜和探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本书，我还担心它会像许多教科书一样，充斥着大量晦涩难懂的术语和公式，让人望而却步。但事实证明，我的顾虑是多余的。这本书的文字风格非常亲切，就像一位经验丰富的音乐家在和你聊天，用最通俗易懂的语言解释最复杂的音乐原理。它善于运用类比，将抽象的乐理概念具象化，比如在解释“泛音列”时，它会将其比作一颗石子投入水中激起的层层涟漪，生动形象地展现了声音的内在结构。我印象最深刻的是它关于“音乐的结构”这一章节，详细拆解了一首流行歌曲的AABA结构，分析了主歌、副歌、桥段各自的功能和衔接方式，让我瞬间明白了为什么有些歌曲听起来那么“顺”，那么容易被记住。而且，书中还强调了“耳朵的训练”的重要性，给出了一些非常实用的练习方法，帮助读者提高辨别音程、和弦的能力。我按照书中的方法练习了一段时间，感觉自己的听力确实有了明显的提升，能够更容易地捕捉到旋律中的细微变化。这本书不仅教会了我“听”，更教会了我“听懂”，让我对音乐的欣赏层次得到了质的飞跃，从一个“听客”变成了半个“鉴赏家”。